De score voor de onbepaalde compositie "Fontana Mix" van John Cage (afbeelding: BBC Radio 3)
Met de ontwikkeling van muzieknotatie werd muziek bevrijd van de delicate banden van orale en auditieve tradities. Een gestandaardiseerde, onderliggende structuur betekende dat alles van gregoriaans tot "Johnny B Goode" met relatief gemak kon worden bewaard en verspreid. Maar in de jaren na de Tweede Wereldoorlog begonnen sommige meer progressieve muzikanten en componisten te denken dat de muziekstaf misschien beperkter dan bevrijdend was en begonnen ze te experimenteren met nieuwe, meer expressieve vormen van grafische muzieknotatie.
De Amerikaanse componist John Cage onderzocht de gebruikskans en onbepaaldheid in zijn muzikale composities met als doel zijn eigen subjectiviteit van de muziek, de hand van de artiesten, als het ware te wissen. Om zijn onbepaalde 'composities' te communiceren, om de term losjes te gebruiken, ontwikkelde Cage uitgebreide methoden voor grafische notatie met een reeks transparanten. Hij gebruikte deze methode voor het eerst in de score van 1958 voor 'Variations I', die bestond uit zes transparante vierkanten - één met 27 punten die geluid vertegenwoordigen en vijf met vijf lijnen die elke toegewezen muzikale waarde vertegenwoordigen. De samenstelling is afgeleid door de vierkanten in elke combinatie op elkaar te plaatsen. Cage zou deze methode in de jaren vijftig en zestig blijven ontwikkelen en uitbreiden, zoals te zien in de bovenste afbeelding van de ietwat uitgebreidere score voor "Fontana Mix". De notatie van Cage bestaat uit vier meerkanaals cassettebandjes, tien transparanten ingeschreven met kleine stippen, een transparant met een rechte lijn en tien vellen papier waarop gekleurde kronkelende lijnen werden getekend, en een ruitjesachtig "personeel". De transparanten werden gebruikt om coördinaten af te leiden die vervolgens werden gebruikt om te bepalen welke tape werd gebruikt, zoals evenals de waarden van het geluid van de tape: lengte (in inches), volume, timbre, enzovoort. Volgens de All Music Guide to Classical Music beschreef Cage de score als "een camera waarmee iedereen een foto kan maken."
De score voor "Pendulum Music" van Steve Reich (afbeelding: Steven Reich, Writings on Music, 1965-2000)
De score voor Steve Reich's 'Pendulum Music' (Steven Reich, Writings on Music, 1965-2000) Steve Reich's score voor 'Pendulum Music' is een eenvoudige, geschreven set instructies die beschrijft hoe het stuk wordt opgevoerd en uitgevoerd. De bovenstaande opname is gemaakt door Sonic Youth voor hun album SYR4: Goodbye 20th Century uit 1999 . Delen van de handgeschreven score zijn een beetje moeilijk te lezen, dus hier is een transcriptie:
“2, 3, 4 of meer microfoons hangen aan het plafond door hun kabels zodat ze allemaal op dezelfde afstand van de vloer hangen en allemaal vrij zijn om te zwaaien met een pendelende beweging. De kabel van elke microfoon wordt aangesloten op een versterker die is aangesloten op een luidspreker. Elke microfoon hangt een paar centimeter direct boven of naast de luidspreker.
De uitvoering begint met artiesten die elke microfoon nemen, deze als een schommel terugtrekken en vervolgens allemaal tegelijk loslaten. Performers zetten vervolgens elke versterker voorzichtig op tot het punt waarop feedback optreedt wanneer een microfoon direct over of naast de luidspreker zwaait. Aldus wordt een reeks terugkoppelpulsen geleid die ofwel allemaal samen zullen zijn of niet afhankelijk zijn van de geleidelijk veranderende faserelaties van de verschillende Mike-pendels.
Performers gaan dan zitten om te kijken en te luisteren naar het proces samen met het publiek.
Het stuk wordt beëindigd nadat alle microfoons tot rust zijn gekomen en een ononderbroken toon terugkoppelen door artiesten die de stroomkabels van de versterkers uittrekken. "
Brian Eno's grafische notatie voor muziek voor luchthavens (gepubliceerd op de achterkant van de albumhoes) In 1978 maakte muzikant Brian Eno het baanbrekende album Ambient 1: Music for Airports . Eno bedacht de term 'ambient' om dit atmosferische soundscape te beschrijven en te onderscheiden van de ingeblikte 'liftmuziek' ontwikkeld door Muzak. Daarmee creëerde hij niet alleen een album, maar een heel muziekgenre. Eno werd geïnspireerd door componisten als Cage en Reich, maar had geen formele muziekopleiding. Toen hem door een interview werd gevraagd waarom hij nooit muziek leerde lezen, antwoordde Eno, die liever rechtstreeks op tape componeerde, :
“Het zou niet erg handig voor me zijn. Er zijn een of twee keer geweest dat ik ergens zonder mijn bandrecorder zat en een idee had, probeerde het te onthouden, en omdat een goed idee bijna altijd op een onbekende nuance vertrouwt, is het daarom automatisch moeilijk te onthouden. Dus bij die zeer zeldzame gelegenheden dacht ik: 'God, als ik dit maar kon opschrijven.' Maar in feite heeft heel wat van wat ik doe te maken met geluidstextuur, en dat valt je sowieso niet op ... Dat komt omdat de muzikale notatie ontstond in een tijd dat de geluidsstructuren beperkt waren. Als je violen en houtblazers zei die de geluidstextuur bepaalden, als ik synthesizer en gitaar zeg, betekent dit niets - je hebt het over 28.000 variabelen. '
In plaats van de traditionele notatie, maakte Eno de bovenstaande afbeeldingen, die zich meer bezighouden met het communiceren van een visuele indruk van de muziek en niet echt bedoeld zijn als een gids voor het daadwerkelijk spelen van de muziek.
Een pagina van de partituur van Krzysztof Penderecki's 'Polymorphia' (Ex Tempore) Krzysztof Penderecki's "Polymorphia" werd in opdracht van de Noord-Duitse Radio Hamburg in 1961. Zoals de naam al doet vermoeden, neemt het stuk inderdaad verschillende vormen aan en verandert het dramatisch van sectie tot sectie. Met "Polymorphia, " zocht Penderecki naar nieuwe sonische mogelijkheden en, als die mogelijkheden "angstaanjagende spookhuismuziek" omvatten, heeft hij het absoluut goed gedaan. De compositie is bedoeld voor 48 snaarinstrumenten en benadrukt het timbre in plaats van de toonhoogte, en de botsing van geluid genererende lichamen gemaakt van metaal, hout of leer - wat muziekwetenschapper Danuta Mirka de 'primaire materialen' van de componist noemt. De notatie werd gedeeltelijk geïnspireerd door elektro-encefalogrammen - visuele metingen van hersenactiviteit. Het schuwt traditionele maten ten gunste van een score verdeeld in secties van variabele lengte en, in sommige secties, verdere verticale divisies om elke seconde te markeren, met een "totale toonhoogte ruimte" die de relatieve toonhoogte van elk instrument beschrijft.
Pagina 183 van de score voor Corenlius Cardew's "Treatise" (Spiral Cage) 'Treatise' van de Engelse componist Cornelius Cardew werd geschreven van 1963-1967. Het bestaat uit 193 pagina's grafische notatie met dubbelzinnige getallen, vormen en symbolen die Carew wilde interpreteren door de uitvoerder. Hij suggereert dat artiesten voorafgaand aan de uitvoering hun eigen regels overeenkomen, maar geeft geen andere expliciete instructies voor het interpreteren van het stuk. In het handboek 'Treatise' biedt Cardew aanvullend, cryptisch advies zoals 'Vergeet niet dat ruimte niet letterlijk overeenkomt met tijd' en 'Er is een groot verschil tussen: a) alles doen wat je wilt en tegelijkertijd de notities lezen, en b) het lezen van de notaties en proberen deze in actie te vertalen. Natuurlijk kun je de score laten werken op eerder gegeven materiaal, maar je moet het actief laten werken. "De enige constante in" Verhandeling "is de dik getrokken" levenslijn "in het midden van de score. Het heeft geen intrinsieke waarde, maar wordt door artiesten vaak gebruikt als basisreferentie voor toonhoogte of een andere muzikale waarde. Uiteindelijk is 'Verhandeling' notatie als kunstvorm. Zoals Carew zegt: “De notatie is belangrijker dan het geluid. Niet de exactheid en het succes waarmee een notatie een geluid aangeeft; maar de muzikaliteit van de notatie in haar notatie. ”
Schaaknotatie overlay op een afbeelding van een muzikale schaakwedstrijd tussen Marcel Duchamp en John Cage (Parsons) Tot slot de halve notatie. Ik tel het maar als de helft omdat het een traditioneel notatiesysteem gebruikt, alleen geen muzieknotatiesysteem. In 1968 speelde John Cage een schaakwedstrijd tegen Marcel DuChamp als onderdeel van de samenwerking, Reunion (pdf), die ook elektronische muziek van David Behrman, Gordon Mumma, David Tudor en Lowell Cross bevatte. Gezien zijn interesse in toeval is het geen verrassing dat Cage het werk bedacht, maar het werd gecomponeerd door de bovengenoemde muzikanten. Het bord zelf is ontworpen door Cross en verborgen fotoweerstanden, contactmicrofoons en verbindingen met geluidsgeneratoren. Tijdens de wedstrijd activeerde de beweging van de stukken lichten en elektronische muziek, die de tentoonstellingsomgeving transformeerde volgens de beweging van de stukken op het bord. De kunst van het schaken veranderde in muziek en licht, een soort strategische synesthesie. Het is een fascinerend idee. Hoe zou de Siciliaanse verdediging klinken? Of een Queen's Gambit?
De bovenstaande voorbeelden vertegenwoordigen zowel notatie voor experimentele muziek als experimentele notatie voor muziek. Maar het zijn slechts enkele van de vele grafische en experimentele notaties die de afgelopen 60 jaar door kunstenaars zijn onderzocht. Terwijl sommige artiesten beperkingen inspirerend vinden - zelfs als die beperkingen even grenzeloos lijken als muzieknotatie - vinden anderen dat vooruitgang alleen kan worden bereikt door de geaccepteerde productie- en communicatiemethoden te doorbreken. En hoewel de resultaten misschien niet altijd plezierig zijn, zijn ze onmiskenbaar interessant en vertegenwoordigen ze een oprechte poging om een kunstvorm het onontgonnen terrein binnen te dringen. Avant-garde in de ware zin van het woord.
