Toen Smithsoniaanse curator Abraham Thomas zich realiseerde dat de Renwick Invitational 2018 zou beginnen net na de tussentijdse verkiezingen, wist hij dat hij wilde dat de juryexpositie meer zou zijn dan alleen de presentatie van middencarrière en opkomende kunstenaars. Hij vond dat het iets over de tijd moest zeggen - en de vier artiesten die werden geselecteerd voor 'Disrupting Craft', te zien tot en met mei 2019, maken grote uitspraken over waar we aan toe zijn.
Thomas koos, samen met onafhankelijke curator Sarah Archer en Annie Carlano, senior curator bij het Mint Museum, de kunstenaars grotendeels vanwege hun politieke activisme en focus op maatschappelijke betrokkenheid. De Renwick Gallery, zegt Thomas, is de perfecte setting om bezoekers aan te moedigen zich te verdiepen in enkele van de grote debatten van dit moment.
De musea van het Smithsonian 'zijn belangrijke openbare ruimtes waar we een veilige omgeving moeten kunnen creëren waar we verschillende gesprekken kunnen voeren', zegt Thomas. Hij hoopt dat de show zich bezighoudt met het publiek over "de vragen die het oproept over immigratie of over complexe culturele identiteit."
Een massa van ontmantelde keramische menselijke hoofden willekeurig opgestapeld op de vloer in de eerste galerij is een treffend voorbeeld. De kijker wordt geconfronteerd met de kale figuren, allemaal met een iets andere fysiognomie en in de verschillende tinten van de menselijke huid - bruin en zwart, en soms wit. De assemblage door keramist Sharif Bey, getiteld Assimilation? Verwoesting? gaat vooral over globalisering en culturele identiteit. Het is ook een verwijzing naar de identiteit van Bey als een pottenbakker en een kunstenaar van kleur.
Een assemblage assimilatie? Verwoesting? van keramist Sharif Bey, gaat vooral over globalisering en culturele identiteit. Het is ook een verwijzing naar de identiteit van Bey als een pottenbakker en een kunstenaar van kleur. (SAAM, foto door Libby Weiler) Het stuk is nooit hetzelfde in elke tentoonstelling - de ongeveer 1000 knijppotten worden naar een galerij in vuilnisbakken gebracht en "zonder pardon eruit", zegt Bey, die een video van het proces laat zien. De hoofden breken, breken en worden in kleinere scherven geslagen. Na verloop van tijd, zegt hij, zal het stuk, dat hij voor zijn MFA-scriptieproject in 2000 heeft gemaakt, zand worden. Uiteindelijk, assimilatie? Verwoesting? betekent dat "je alles bent en tegelijkertijd niets." Met zijn verschuivende collectieve en individuele vormen is de assemblage ook "een commentaar op wat het betekent om een voorbijgaande persoon te zijn", zegt hij.
Bey, 44, heeft zijn eigen migraties gehad - vanuit een arbeidersbuurt in Pittsburgh naar de artistieke incubators van die stad, lessen gevolgd in het Carnegie Museum of Art en geselecteerd voor een prestigieuze naschoolse stage bij het Manchester Craftsmen's Guild. Het betekende een nieuw en misschien eerder niet overwogen carrièrepad voor een kind met 11 broers en zussen in een industriële stad. Hij is momenteel een dubbele professor aan de Hogeschool voor de Kunsten en de School of Education van de Syracuse University en heeft nooit het contact verloren met zijn eerste liefde - het maken van functionele potten, waarvan sommige zijn opgenomen in de Renwick-show.
Carved Blue Jar van Sharif Bey, 2007 (Collectie van de kunstenaar) "We hebben allemaal een geschiedenis als makers", zegt Bey. "Mijn oriëntatie is het vat, " zegt hij, eraan toevoegend dat zolang hij zich kan herinneren, het werken met klei therapeutisch is geweest. Hij werkt vaak in zijn woonkamer terwijl hij over zijn kinderen waakt - het helpt hem de schuld te ontwijken die hij voelt in de studio, waarvan zijn vrouw zegt dat het zijn eigen kleine vakantie is, zegt hij lachend.
Tanya Aguiñiga, 40, heeft haar kunst ook gebruikt om haar geschiedenis te onderzoeken. Als Mexicaans-Amerikaan, geboren in San Diego, die opgroeide in Mexico op schreeuwafstand van de Amerikaanse grens, is ze een unapologetische en energieke activist - een functie die wordt gevoed door haar ervaring in de Border Art Workshop / Taller de Arte Fronterizo toen ze was een 19-jarige student. Na het behalen van haar MFA in meubeldesign van Rhode Island School of Design, miste Aguiñiga haar thuisland. Een United States Artists Target Fellowship in 2010 gaf haar de vrijheid om terug te gaan en te leren weven en borduren van inheemse ambachtslieden.
Border Quipu / Quipu Fronterizo van Tanya Aguiñiga, 2016 (Collectie van de kunstenaar) Haar laatste stuk, Quipu Fronterizo / Border Quipu, is voortgekomen uit haar project, AMBOS - Art Made Between Opposite Sides, and a play on words - ambos betekent 'wij allebei' in het Spaans - en is een artistiek samenwerkingsverband langs de grens. Quipu betekent een pre-Columbiaans Andes-organisatiesysteem voor het registreren van geschiedenis. Aguiñiga begon haar Quipu aan de San Ysidro-kruising in Tijuana in augustus 2016 - na de afwijzende verklaringen van presidentskandidaat Donald Trump over Mexicanen.
Zij en AMBOS-teamleden circuleerden onder voornamelijk Mexicanen die wachtten om over te steken naar de Verenigde Staten, of die in de buurt woonden of werkten en vroegen hen om twee strengen kleurrijk stretchy rayonweefsel te nemen om knopen te leggen in een soort reflectie op de relatie tussen de twee landen, en om te reageren op een ansichtkaart die vroeg: ¿Qué piensas cuando cruzas esta frontera? / Wat zijn uw gedachten als u deze grens overgaat?
De kunstenaar had haar eigen gevoelens over de grens - die ze elke dag overstak om naar school te gaan in San Diego, waar ze werd geboren, en waar haar grootmoeder over haar waakte terwijl haar ouders in de stad werkten. Bij het maken van de Quipu, zegt Aguiñiga, "heb ik nagedacht over hoeveel van ons dat dagelijks doen, en hoe het zo stigmatiserend is." Het wachten op overtochten is lang en Mexicanen worden uitvoerig ondervraagd voordat ze de VS mogen betreden "Het is dit echt rare ding waarvan je het gevoel hebt dat je iets verkeerd doet, ook al ben je dat niet, ”zegt Aguiñiga.
Zonder titel (Driftless) door Tanya Aguiñiga, 2013 (Collectie van de kunstenaar) "Ik wilde een idee krijgen van wat mensen voelden omdat er zoveel haat op ons pad werd geworpen", zegt Aguiñiga, die de ansichtkaarten op een website publiceerde. De geknoopte strengen werden bij de forenzen verzameld en op een bord bij de grensovergang getoond. De verzameling knopen - samengebonden in lange strengen - en ansichtkaarten, zijn zowel meditatief als ontroerend. Eén ansichtkaartreactie heeft de gedachten van Aguiñiga gekanaliseerd: "Twee ondeelbare landen voor altijd verbonden als 1."
Aguiñiga heeft sindsdien het Quipu-project nagebouwd bij grensovergangen langs de lengte van de grens. “Voor het grootste deel denken de VS aan de grens, omdat dit een heel aparte plek is, zwart en wit, en dat is het niet. Het is alsof een familie heen en weer gaat, 'zegt Aguiniga.
Stephanie Syjuco, 44, geboren in de Filippijnen, prikt ook percepties over cultuur en 'typen', vaak met behulp van digitale technologie om, enigszins brutaal, commentaar te geven op hoe kijkers computer-gegenereerde beelden als 'echt' beschouwen. De Universiteit van Californië, Berkeley universitair docent beeldhouwkunst is geen traditionele ambachtelijke kunstenaar, maar werd gekozen, zegt curator Thomas, voor "de manier waarop de kunstenaar de conceptuele toolkit van ambacht neemt en deze gebruikt om die kwesties rond culturele identiteit en culturele geschiedenis te ondervragen."
Cargo Cults: Head Bundle van Stephanie Syjuco, 2016 (Pennsylvania Academy of the Fine Arts, Philadelphia) Syjuco steekt plezier in hoe het Westen etniciteit bekijkt en consumeert in Cargo Cults: Head Bundle en Cargo Cults: Java Bunny . Op de twee zwart-witfoto's is Syjuco, als onderwerp, gekleed in een verscheidenheid aan 'etnisch' uitziende stoffen met patronen en uitgebreide 'sieraden'. De etnische stoffen zijn fictieve - vaak gedigitaliseerde nabootsing. De stoffen zijn gekocht bij winkelketens en een van de 'armbanden' rond haar armen is een koord dat is gekocht bij een elektronicawinkel. In Java Bunny wordt Syjuco tegen verschillende stoffen met een zwart-wit patroon geplaatst, maar er is een "Gap" -tag zichtbaar. De kunstenaar zegt dat ze was geïnspireerd door een grafische techniek - verblindende camoflauge - die werd gebruikt op slagschepen in de Eerste Wereldoorlog om vijandelijke kanonniers te verwarren.
"Ze zijn een projectie van hoe buitenlandse cultuur eruit zou moeten zien, " zegt ze - net als etnografische afbeeldingen uit de 19e eeuw. Die afbeeldingen vertegenwoordigden vaak 'echte' inboorlingen, maar het begrip 'native' is niet eenvoudig. Het idee van authenticiteit "is altijd in beweging", zegt Syjuco. De Filipijnen zijn bijvoorbeeld een hybride van hun kolonisatoren: Spanje, Japan en Amerika. “Ik zeg niet dat alle cultuur verzonnen is. Het is gewoon dat er een lens is waardoor de cultuur wordt gefilterd, dus de kijker vertelt veel. "
Neutral Calibration Studies (Ornament + Crime) door Stephanie Syjuco, 2016 (Collectie van de kunstenaar en Nion McEvoy. Foto door Libby Weiler) De 35-jarige Dustin Farnsworth is zich ook recentelijk gaan richten op culturele stereotypen. De kunstenaar bracht een deel van zijn vroege carrière door met het onderzoeken van de impact van de achteruitgang van de industrie en de recessie op zijn geboorteland Michigan.
Hij construeerde massieve architecturale stukken die op de gebeeldhouwde mannequin-achtige hoofden van jonge mensen wankelden. Het effect was om de gewichtige gevolgen van industriële en beschavende achteruitgang op de komende generaties levendig over te brengen. Verschillende zijn te zien in de Renwick-show.
Maar een kunstenaarswoning in 2015 in Madison, Wisconsin, veranderde zijn focus. Hij arriveerde kort na de schietpartij van de ongewapende 19-jarige, Afrikaans-Amerikaanse Tony Robinson. Toen, in 2016, terwijl hij in een soortgelijke kunstenaarswoning woonde in Charlotte, North Carolina, vermoordde de politie Keith Lamont Scott, ook een zwarte man. Beide schietpartijen weergalmden intens in de gemeenschappen.
"Het voelde alsof dat zo veel belangrijker was dan de dingen die ik uitvond en projecteerde", zegt Farnsworth, met een trucker hoed op de voorkant met "Dismantle White Supremacy".
Promontory door Dustin Farnsworth, 2013 (Collectie van de kunstenaar) Kort na die residenties creëerde hij WAKE . Met zijn diagonale zwarte strepen die verwijzen naar de Amerikaanse vlag, zijn er tientallen schedelachtige maskers uitgehouwen uit Aqua-Resin weergegeven in herhalende rijen op een witte achtergrond. Het was de krachtige reactie van Farnsworth op het verdovende effect van meerdere schietpartijen op school. WAKE, zegt hij, herinnert aan de veelvoudige definities en gebruiken van het woord - het kan een waakzaamheid zijn voor de doden of uit slaap sluimeren; en de uitdrukking 'wakker' is een term die wordt gebruikt in kringen van sociale rechtvaardigheid, wat betekent bewust te zijn, een gebruik dat voortkwam uit de beweging Black Lives Matter.
Farnsworth heeft samengewerkt met tekenschilder Timothy Maddox om WAKE II te maken, een enorm stuk van 9, 5 bij 26 voet in de show in Renwick. De maskers van de dood van de schedel keren terug, met honderden op een kleurrijke achtergrond van overlappende sloganiers-banners: "Ontmantel Witte Suprematie;" "Geen gerechtigheid geen vrede;" en, "Geen racistische politie, " onder hen. De enorme omvang van het stuk is geen toeval.
"Ik ben erg geïnteresseerd in herdenking", zegt Farnsworth. WAKE II was ook bedoeld om je in je gezicht te houden - een manier om de pot te roeren over politie-schietpartijen en sociale rechtvaardigheid. "Velen van ons schoppen het onder het tapijt, " zegt hij.
Hij gaat nu weg van de doden en richt de levenden op. De reconstructie van de heiligen is zijn eerste poging. Het is zijn David, gericht op het confronteren van de Goliaths of Confederate monumenten, zegt Farnsworth. De heroïsche, bronsachtige buste van een Afro-Amerikaanse jongen die naar de hemel reflecteert, is zijn poging om minderheidsjongeren te heiligen, zegt Farnsworth.
WAKE II van Dustin Farnsworth en Timothy Maddox (Collectie van de kunstenaar) Reacties op heiligen toen het bezig was - vooral in de Carolinas - waren verontrustend onverdraagzaam, zegt hij. Die houding "is iets dat moet worden geconfronteerd, en ik ben nog steeds aan het uitzoeken wat de beste manier is om dat te doen", zegt Farnsworth.
Thomas zegt dat hij en zijn collega-curatoren grotendeels voor Farnsworth en de andere drie kunstenaars hebben gekozen vanwege hun bereidheid om gevestigde attitudes en conventies te confronteren.
"Het hier gepresenteerde werk biedt ons momenten van bezinning over de snel transformerende wereld om ons heen, en verstoort de status quo om ons samen te brengen, onze perspectieven te veranderen en ons te leiden naar een meer empathische, compassievolle toekomst", zegt hij.
"Disrupting Craft: Renwick Invitational 2018", samengesteld door Abraham Thomas, Sarah Archer en Annie Carlano, is tot en met 5 mei 2019 te zien in de Renwick Gallery van het Smithsonian American Art Museum, op Pennsylvania Avenue op 17th Street NW in Washington, DC
