Kunstenaar Jeffrey Gibson, een half Cherokee lid van de Mississippi Band van Choctaw Indianen, neemt een multidisciplinaire benadering van zijn werk aan - hij is schilder, beeldhouwer, fotograaf en uitvoerder. Zijn oeuvre is een kunstzinnige mashup die zijn publiek uitdaagt om culturele en politieke veronderstellingen in vraag te stellen. Voor zijn materiaal ontgint hij zijn Indiaanse afkomst, zijn jeugdige verkenning van de nachtclub-subcultuur en zijn wereldwijde opleiding in Korea, Duitsland, Engeland en andere landen waar hij opgroeide. Zijn artistieke nadruk kan worden gezegd als een collaboratieve omhelzing van gemarginaliseerde identiteiten, non-conformisten en maatschappelijke buitenstaanders.

Gibson resoneert vooral op dit moment. Zijn kunstwerken zijn gelaagd in zowel de geschiedenis van cultureel wissen van het land als het huidige klimaat van verdeeldheid.

"Naarmate de tijden steeds politieker worden, zijn mensen begonnen meer politiek in het werk te projecteren, " merkt Gibson op, wiens meest erkende kunstwerk een serie hergebruikte bokszakken van Everlast is, versierd met borduurwerk, veelkleurige glazen kralen, fluorescerende nylon franjes, metalen jingles. en gelabeld met pop-songteksten. "En dan reageer ik bijna terug", zegt hij. "Omdat ik geniet van het gesprek."

Of het nu gaat om geometrische schilderijen van acryl en grafiet op ongelooide huid of oogverblindende wandtapijten met patronen, geïnspireerd door traditionele quilting en een inheems ambachtelijk verhaal, Gibson's faciliteit op mediums weerspiegelt een diepgaand begrip van formele abstractie. Onder zijn invloeden zijn Amerikaanse en Europese modernisten, zoals Sol Lewitt, Josef Albers en Bridget Riley. Zijn werk omvat materialen zoals geitenbont en hertenhuid, en het meest recent, de ambachten van Algonquian berkenbijten en stekelvarken quillwork, beoefend door stammen lang voordat Europese kolonisten arriveerden.

Kwesties van kolonisatie - zowel binnen museummuren als daarbuiten - dwalen nooit ver van Gibson af. In zijn Amerikaanse geschiedenis van 2015 , een veelkleurige wandkleed, nam hij de tekst op: "De Amerikaanse geschiedenis is langer, groter, mooier en verschrikkelijker dan alles wat iemand er ooit over heeft gezegd."

Geboren in Colorado Springs, Gibson, 47, de zoon van een ingenieur van het Amerikaanse ministerie van Defensie, vertelt tijdens zijn jeugd om de twee tot drie jaar verhuizing en landt in Noord-Carolina, New Jersey, Duitsland en Korea. Gibson is opgeleid aan het Art Institute of Chicago en het Royal College of Art van Londen, waar hij schilderkunst studeerde. Maar hij citeert de punk- en rave-cultuur van de clubscene die hij in zijn tienerjaren en 20s gebruikte als even invloedrijk voor zijn kunstenaarschap als zijn formele training. "Terugkijkend op de muziek die eind jaren 80 en 90 werd gespeeld, was waar we op een feestelijke manier op dansten vaak een roep om hulp, die expliciet over HIV sprak in sommige van die teksten, " legt Gibson uit. “Maar ik besefte dat er een reden was waarom die muziek tegen me sprak. Het sprak tot mij als een jonge, rare, niet-blanke man. '

Demian DinéYazhi, No. 3 van Jeffrey Gibson, 2019 (Courtesy the artist, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta en Roberts Projects) Demian DinéYazhi, nr. 4 van Jeffrey Gibson, 2019 (Courtesy the artist, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta en Roberts Projects) Emily Johnson, No. 1 van Jeffrey Gibson, 2019 (Courtesy the artist, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta en Roberts Projects) Emily Johnson, No 4 van Jeffrey Gibson, 2019 (Courtesy the artist, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta en Roberts Projects) Jackson Polys, No. 1 van Jeffrey Gibson, 2019 (Courtesy the artist, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta en Roberts Projects) Laura Ortman, No 1 van Jeffrey Gibson, 2019 (Courtesy the artist, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta en Roberts Projects) Regan de Loggans, No. 1 van Jeffrey Gibson, 2019 (Courtesy the artist, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta en Roberts Projects) Roxy Romero, No. 2 van Jeffrey Gibbons, 2019 (Courtesy the artist, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta en Roberts Projects) Roxy Romero, No. 3 van Jeffrey Gibson, 2019 (Courtesy the artist, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta en Roberts Projects)

Deze week brengt Gibson dat discours naar de Smithsonian's National Portrait Gallery in Washington, DC, met zijn multimediale choreografie, getiteld "To Name An Other". De uitvoering bestaat uit drums en 50 deelnemers, die zichzelf identificeren als inheemse, Indiaanse, LGBTQ, of als gekleurde mensen, uitgerust in de uitgebreide handgemaakte kleding van Gibson.

Het is de nieuwste versie van de "Identify" -serie van het museum. "We openen wat een portret kan zijn", zegt Dorothy Moss van het museum, die curator is van schilderen en beeldhouwen, evenals de directeur van Identify.

Gibson is zeer geschikt om de tiende "Identify" -kunstenaar te worden en voegt zich bij anderen zoals de beroemde James Luna, Martha McDonald, JJ McCracken, María Magdalena Campos-Pons en Wilmer Wilson. Het doel van het project is om licht op de gaten in de vroege collectie van het museum te laten schijnen, waarbij de vermiste personen worden erkend, zegt Moss. Terwijl musea in de VS worstelen met langdurige institutionele onevenwichtigheden, confronteert "Identify" raciale afwezigheid in kunst en Amerikaanse geschiedenis door de lens van prestaties.

"Ik hoop echt dat het werk van Gibson degenen die zich tijdens dit politieke moment stil voelden, een stem zal geven, " legt Moss uit over de 50 vrijwilligers en de tekst die Gibson in de voorstelling verwerkt. De felgekleurde kleding van Gibson voor elk van de deelnemers wordt gecombineerd met digitaal geprinte slogans zoals: "Ze vechten voor schoon water;" "Krachtig omdat ze anders zijn;" "Hun stemmen tellen;" "Ze spreken hun taal;" "Ze identificeren As She 'en' Hun donkere huid brengt licht '.

Het strategische gebruik van tekst is een kenmerk van de esthetiek van Gibson en herinnert aan het werk van Jenny Holzer en hiv-aids-activist David McDiarmid.

"Hij laat mensen zichtbaar zijn, die zich ongehoord en kwetsbaar hebben gevoeld in ons huidige klimaat", zegt Moss.

Gibson's gebruik van inheemse kralen, op quilt geïnspireerd vakmanschap en protestlogboeken wordt erkend voor het voortstuwen van hedendaagse kunst en sociale dialoog. Maar zijn creatie van zijn eerste iriserende bokszak, de Everlast 2011, was een diep persoonlijke ervaring. Gibson herinnert zich, een amorf gevoel van frustratie - zich afvragend of hij zelfs kunstenaar wilde worden - tijdens de door de arts aanbevolen therapie. "Tegen het einde van de eerste sessie waren er veel kwesties rond classicisme, racisme, homofobie, zeer specifiek voor de kunstwereld op een manier die duidelijk de oorzaak was van mijn frustraties, " zegt hij. "Het werken met die therapeut leidde tot een fysieke trainer en vervolgens boksen, als een manier om mijn geest en lichaam weer bij elkaar te brengen en te proberen die dingen te verenigen die me erg onsamenhangend voelden."

Voor de tweejaarlijkse Whitney-biënnale hing Gibson Keep on Moving (2019), een gewatteerde vlag-muurschildering prominent in de museumlobby, boven de loketten, met de verklaring: “Bedankt voor de ruimte die je hebt. Weet dat je geliefd bent. Blijf doorgaan. Stop niet. '

Bezoekers worden geconfronteerd met de prominente plaatsing van het kunstwerk terwijl ze 5 tot 20 minuten wachten om hun toegangspassen te kopen. "Het gaat erom te zeggen wat volgens mij moet worden gezegd, en wat het juiste is om te doen, " zegt Gibson. "Ik denk dat het onverantwoordelijk voor mij zou zijn geweest om sommige dingen niet uit te drukken met zo'n groot platform als dit."

Trouw aan het visuele lexicon van Gibson, grijpt de kunstenaar de kans aan om kijkers te machtigen. Whitney Biennial co-curator en kunsthistorica Jane Panetta zegt dat de tekst van Gibson - een krachtige samensmelting van kunst en taal - evenzeer een protest is van hedendaags onrecht , als een krachtverklaring tegen ongelijkheid en vooroordelen. "Terwijl hij altijd worstelt met lastige problemen over zijn eigenaardigheid, over het feit dat hij een inheemse kunstenaar is, " zegt Panetta, "heeft hij altijd geprobeerd te vragen, hoe kan ik met deze problemen omgaan, maar denken aan een positieve stem, een productieve stem."

Deze maand in New York City, zowel het New Museum, waar Gibson afgelopen voorjaar een artist-in-residence is geweest, en het Whitney Museum of American Art tonen Gibson's kledingachtige werken. Voor zijn 8 juni encore-presentatie van "To Name An Other", die plaatsvindt in het Nieuwe Museum, zullen artiesten zijn textiel opnieuw verlevendigen door drummen, optocht en beweging om het einde van Gibson's residentie te markeren. Verwijzend naar zijn diepe interesse in toe-eigeningskwesties en conflictverhalen, noemde Gibson het laatste werk van zijn residentieprogramma in het Nieuwe Museum, The Anthropophagic Effect, naar het 'Anthropophagic Manifesto' van dichter Oswald de Andrade uit 1928, een essay over hoe gemeenschappen 'zouden moeten verslinden' Of kannibaliseer de cultuur van een kolonisator om overheersing te verwerpen. Het werk omvat vier van zijn kledingstukken naast Choctaw- en Cherokee-jurken, en een scala aan materialen van plastic kralen, nylonlinten, messing doorvoertules, gedroogde perenpompoenen en manden.

Gibson is altijd bezig geweest met het verkennen van nieuwe geschiedenissen van inheems vakmanschap, tijdens zijn residentie in het New Museum. "Jeffrey is iemand die echt geïnteresseerd is in hoe verschillende culturele vormen constant zijn, elkaar altijd raken", zegt de verbonden curator Sara O'Keeffe van het Nieuwe Museum. "Een groot deel van de kleding die Jeffrey de afgelopen jaren heeft gemaakt, is te denken dat ze geactiveerd zijn en niet alleen als artefacten worden getoond in musea in het hele land."

"Identify: Performance Art as Portraiture - Jeffrey Gibson: To Name An Other" vindt plaats op 22 mei 2019 om 17.00 uur in de Smithsonian's National Portrait Gallery in Washington, DC