Alle trends worden met de tijd duidelijker. Als je al 15 jaar naar kunst kijkt, kun je de patronen een beetje beter zien, zegt Melissa Ho, assistent-conservator van het Hirshhorn Museum. "Er zijn grotere, diepere trends die te maken hebben met hoe we in de wereld leven en hoe we het ervaren."
Dus wat is moderne kunst precies? De vraag, zegt ze, is minder beantwoordbaar dan eindeloos bespreekbaar.
Technisch gezien, zegt Ho, is moderne kunst 'de culturele uitdrukking van het historische moment van de moderniteit'. Maar hoe die verklaring moet worden uitgepakt, wordt betwist. Een manier om moderne kunst of iets anders te definiëren, is door te beschrijven wat het niet is. Traditionele academische schilderkunst en beeldhouwkunst domineerden de 17e, 18e en 19e eeuw. "Het ging om een perfecte, naadloze techniek en het gebruik van die perfecte, naadloze techniek om zeer goed ingeburgerd onderwerp uit te voeren, " zegt Ho. Er was een hiërarchie van genres, van historische schilderijen tot portretten tot stillevens en landschappen, en zeer strikte noties van schoonheid. "Een deel van de triomf van het modernisme is het omverwerpen van academische waarden", zegt ze.
In een beetje terugslag op traditionele academische kunst gaat moderne kunst over persoonlijke expressie. Hoewel het historisch gezien niet altijd het geval was, legt Ho uit, "nu lijkt het bijna vanzelfsprekend dat de manier waarop je over kunstwerken denkt, een uitdrukking is van een individuele visie." Het modernisme omvat een grote verscheidenheid aan kunstenaars en soorten kunst. Maar de waarden achter de stukken zijn vrijwel hetzelfde. "Bij moderne kunst wordt deze nieuwe nadruk gelegd op de waarde van origineel zijn en iets innovatiefs doen", zegt Ho.
Edouard Manet en de impressionisten werden deels als modern beschouwd, omdat ze scènes uit het moderne leven afbeeldden. De industriële revolutie bracht massa's mensen naar de steden en nieuwe vormen van vrije tijd ontstonden in het stadsleven. Binnen de galerijen van de Hirshhorn wijst Ho op Thomas Hart Benton's People of Chilmark, een schilderij van een massa verwarde mannen en vrouwen, die enigszins doet denken aan een klassieke Michelangelo of de beroemde Raft of the Medusa van Théodore Géricault, behalve dat het een eigentijdse strandtafereel is, geïnspireerd door de stad Massachusetts, waar Benton zomer was. Ringside Seats, een schilderij van een bokswedstrijd van George Bellows, hangt in de buurt, net als drie schilderijen van Edward Hopper, een getiteld First Row Orchestra of theatergoers die wachten op de gordijnen om te worden getrokken.
In de renaissancekunst werd een hoge premie op imitatie van de natuur gesteld. "Dan, zodra dat is afgebroken, mag abstractie floreren", zegt Ho. Werken zoals Benton en Hopper's zijn een combinatie van observatie en uitvinding. Kubisten begonnen in de vroege jaren 1900 met ruimte en vorm te spelen op een manier die het traditionele beeld vervormde.
Kunsthistorici gebruiken vaak het woord 'autonoom' om moderne kunst te beschrijven. "De volkstaal zou 'kunst omwille van de kunst' zijn", legt Ho uit. "Het hoeft niet te bestaan voor enige andere gebruikswaarde dan zijn eigen existentiële reden om te zijn." Dus het beoordelen van moderne kunst is een ander beest. In plaats van te vragen, zoals men zou kunnen doen met een geschiedenisschilderij, over het verhaal - Wie is de hoofdpersoon? En wat is de actie? - een schilderij beoordelen, zeg, door Piet Mondriaan, gaat meer over compositie. "Het gaat om de compositorische spanning", zegt Ho, "het formele evenwicht tussen kleur en lijn en volume aan de ene kant, maar ook alleen de extreme zuiverheid en strengheid ervan."
Volgens Ho zeggen sommigen dat het modernisme zijn hoogtepunt bereikt met het abstract expressionisme in Amerika tijdens de Tweede Wereldoorlog. Elke kunstenaar van de beweging probeerde zijn individuele genialiteit en stijl uit te drukken, met name door aanraking. "Dus je krijgt Jackson Pollock met zijn druipende en gooiende verf", zegt Ho. “Je krijgt Mark Rothko met zijn zeer lichtgevende, dun geschilderde kleurvlakken.” En, in tegenstelling tot het onzichtbare penseelwerk in academische schilderijen met zwaar glas, zijn de lijnen in schilderijen van Willem de Kooning los en soms dik. "Je kunt echt voelen hoe het is gemaakt", zegt Ho.
Kort na de Tweede Wereldoorlog begonnen de ideeën over kunst opnieuw te veranderen. Postmodernisme trekt af van de moderne focus op originaliteit en het werk is opzettelijk onpersoonlijk. "Je ziet veel werk dat mechanische of quasi-mechanische middelen of deskilled middelen gebruikt, " zegt Ho. Andy Warhol gebruikt bijvoorbeeld zeefdruk, in wezen verwijdert hij zijn directe aanraking, en kiest onderwerpen die afhangen van het idee van massaproductie. Terwijl moderne kunstenaars zoals Mark Rothko en Barnett Newman kleurkeuzes maakten die bedoeld waren om emotioneel contact te maken met de kijker, introduceren postmoderne kunstenaars zoals Robert Rauschenberg kans op het proces. Rauschenburg, zegt Ho, stond erom bekend verf te kopen in ongemarkeerde blikken bij de bouwmarkt.
"Postmodernisme wordt geassocieerd met de deconstructie van het idee:" Ik ben het artistieke genie en je hebt me nodig ", zegt Ho. Kunstenaars zoals Sol LeWitt en Lawrence Weiner, met werken in de Hirshhorn, onttrekken het auteurschap nog meer. Weiner's stuk met de titel “EEN RUBBEREN BAL DIE OP ZEE WORDT GEWORPEN, Cat. Nr. 146 'wordt bijvoorbeeld in het museum in grote, blauwe schreefloze letters weergegeven. Maar Weiner stond open voor de zeven woorden die worden gereproduceerd in elke kleur, grootte of lettertype. "We hadden een marker kunnen nemen en op de muur kunnen schrijven", zegt Ho. Met andere woorden, Weiner beschouwde zijn rol als kunstenaar meer om conceptie dan om productie. Evenzo zijn sommige van LeWitt's tekeningen uit de late jaren 1960 in wezen tekeningen op instructie. Hij geeft instructies, maar iedereen, in theorie, kan ze uitvoeren. "In deze naoorlogse generatie is er in zekere zin een trend in de richting van democratisering van kunst", zegt Ho. "Net als de Sol LeWitt-tekening is het deze mening dat iedereen kunst kan maken."
Labels als 'modern' en 'postmodern' en proberen de begin- en einddatum voor elke periode te bepalen, soms irk kunsthistorici en curatoren. "Ik heb allerlei theorieën gehoord", zegt Ho. “Ik denk dat de waarheid is dat moderniteit niet op een bepaalde datum is gebeurd. Het was deze geleidelijke transformatie die zich over een paar honderd jaar voltrok. ”Natuurlijk zijn de twee keren dat om praktische redenen datums moeten worden vastgesteld, het geven van cursussen kunstgeschiedenis en het organiseren van musea. In de ervaring van Ho begint moderne kunst meestal rond de jaren 1860, terwijl de postmoderne periode wortel schiet aan het einde van de jaren 1950.
De term 'hedendaags' is niet verbonden aan een historische periode, net als modern en postmodern, maar beschrijft in plaats daarvan eenvoudig de kunst 'van ons moment'. Op dit moment wordt werk uit ongeveer 1970 echter vaak als hedendaags beschouwd. Het onvermijdelijke probleem hiermee is dat het zorgt voor een steeds groter wordend geheel van hedendaags werk waarvoor professoren en curatoren verantwoordelijk zijn. "Je moet gewoon in de gaten houden hoe deze dingen verlopen", adviseert Ho. "Ik denk dat ze opnieuw worden gedefinieerd."
