De dood van het schilderen werd voor het eerst voorspeld in het midden van de 19e eeuw, toen de komst van fotografie de realiteit uit de hand van de schilder leek te rukken. "Als fotografie in sommige functies mag opkomen voor kunst", schreef de Franse dichter en kunstcriticus Charles Baudelaire in 1859, "zal het deze spoedig volledig vervangen of corrumperen." Sindsdien proberen kunstenaars de implicaties van fotografie onder ogen te zien.
Impressionisten zoals Monet en Renoir, die de statische, mechanische beelden van foto's evenals de oude academische schilderkunst van hun tijd verwerpen, wilden hun eigen indrukken schetsen van hoe het oog licht en atmosfeer in de natuur waarneemt. Sommige van hun tijdgenoten, waaronder Degas en Toulouse-Lautrec, namen een andere weg. Ze begonnen foto's te gebruiken voor inspiratie - hun afbeeldingen bijsnijden zoals de camera bijvoorbeeld, en perspectiefvervormingen introduceren op basis van de lens van de camera.
Honderd jaar geleden maakten Matisse en Picasso de radicale schilderijen die een nieuw tijdperk van moderne kunst zouden definiëren. Matisse misvormde de figuur met zijn uitpuilende Blue Nude in 1907, schilderde van een foto om zijn verbeelding te bevrijden en gewoonten te breken gevormd door tekenen uit het leven. Picasso gebruikte ook foto's om zijn 1907 Les Demoiselles d'Avignon te schilderen, waarbij elke figuur op een meervoudige belichting leek, tegelijkertijd gezien vanuit verschillende invalshoeken - een beslissende stap in het kubisme.
Naarmate de 20e eeuw vorderde, verlieten schilders zoals Wassily Kandinsky en Jackson Pollock het concept van kunst als representatie helemaal en produceerden ze doeken die helemaal geen herkenbare objecten bevatten. In hun "abstracte" werken werd de verf zelf het onderwerp. In de jaren zestig namen conceptuele kunstenaars - geïnspireerd door Marcel Duchamp en andere dadaïsten uit de jaren twintig - het standpunt in dat kunst zich moest richten op de geest, niet op het oog, en schilderijen moesten maken waarin het idee achter het werk belangrijker was dan het werk zelf. . Met een paar voor de hand liggende uitzonderingen - Pop Art, Photo Realism en kunstenaars zoals David Hockney - werd representatieve of figuratieve kunst grotendeels als iets uit het verleden tegen het einde van de 20e eeuw beschouwd. Maar in de afgelopen jaren zijn een aantal hedendaagse schilders teruggegaan naar de wortels van de moderne kunst om nieuwe uitdrukkingswijzen te vinden. Ze mengen de menselijke figuur en andere herkenbare vormen met elementen van abstractie en ambigue verhalen op manieren die nog niet eerder werden gezien.
"De opwinding rond mijn beroep is enorm, " zegt Joachim Pissarro, conservator schilderen en tekenen in het Museum of Modern Art in New York. "Dertig jaar geleden was er al dat gepraat over het einde van het schilderen. Tegenwoordig geeft niemand daar om." Voor de jonge generatie, zegt hij, "is de polarisatie tussen abstractie en representatie die in de laatste helft van de 20e eeuw bestond gewoon zinloos. Wat we nu zien is heel interessant. En helemaal nieuw."
Verspreid van Brooklyn tot Trinidad tot Leipzig, Duitsland, vernieuwen de kunstenaars op deze pagina's "een geloof in schilderen", zegt Laura Hoptman, senior curator bij het New Museum of Contemporary Art in New York City.
Peter Doig
"Toen mensen zich eind jaren tachtig in mijn werk begonnen te interesseren, stond schilderen helemaal niet op de agenda", zegt Peter Doig, een 49-jarige Schot die in Trinidad woont. "Wat de galerijen als baanbrekend beschouwden, was allemaal conceptueel - schilderen over schilderen, kunst die iets zei over de manier waarop het is gemaakt. Ik heb daar doelbewust tegen gewerkt. Als je eenmaal schilder bent, moet je constant kijken naar de wereld als een potentieel onderwerp voor schilderen. En dat gaat van iets op straat zien, tot iets in een film, in een tijdschrift, alles eigenlijk. "
De studio van Doig, in een gerenoveerde rumdistilleerderij in de hoofdstad van Trinidad, Port of Spain, staat vol met grote doeken met junglelike landschappen, met verf besmeurde rivieren en ambigue figuren. Toen hij in 2003 Londen verliet om naar Trinidad te verhuizen, noemden veel van zijn vrienden het "een Gauguin doen", naar de Franse kunstenaar Paul Gauguin, die in 1891 naar Tahiti verhuisde om één te worden met de natuur. De stijl van Doig wordt soms vergeleken met die van Gauguin, maar zijn benadering van schilderen is heel anders. Zijn methode hangt af van een soort informatieverwerking die vaak begint met een foto, zegt hij, omdat schilderen vanaf foto's hem distantieert van wat echt of waar is. "Waarom moet een schilderij waarheidsgetrouw zijn?" hij vraagt.
Doig heeft verschillende schilderijen gemaakt van een oude ansichtkaart die hij kocht in een Londense rommelwinkel die een riviertafereel in India weergeeft. "Als ik rechtstreeks vanuit de natuur schilder, " zegt hij, "raak ik te verstrikt in proberen het goed te krijgen. Met fotografie of een ansichtkaart kan ik gewoon nemen wat ik wil en de rest weglaten. Ik heb een foto gemaakt van de kleine goeroe op de ansichtkaart, en nam er nog een foto van, en ik blies het op zodat het een wazige klodder werd, en ik schilderde daaruit, en hij werd een soort bebaarde man, iets mysterieus en zwart. ik weet niet of hij een religieuze figuur of een fanaticus is, maar er is iets spiritueels aan hem. '
Hij wijst naar een 9-bij-12-voet canvas van een schetsmatig figuur klimmen een palmboom, knuffelen de stam en turen uit een abstracte leegte van penseelstreken, druppels en scheuren. "Die druppels en scheuren zijn het soort mooie dingen in het schilderen die uniek zijn, " zegt hij. "Je neemt risico's en ze worden je gegeven, maar ik zou ze haten om een maniërisme of gimmick te worden." Het was echter de figuur die de meeste SITE Santa Fe-regisseur Laura Heon trof toen het schilderij op de Biënnale van 2006 werd getoond. "In zekere zin is het een terugkeer naar het humanisme", zegt ze. "Er is iets heel gul aan het maken van een foto van een mens."
Een groot overzicht van het werk van Doig zal in februari in het Tate Modern in Londen worden geopend.
Dana Schutz
In de schilderijen van Dana Schutz zijn nep en echt moeilijk uit elkaar te houden. "Ik weet dat mijn beelden geconstrueerd zijn, maar ik geloof er in als ik schilder", zegt ze in haar studio in een oud industrieel gebouw, een coöperatie voor kunstenaars in Brooklyn. Schutz, 30, maakt graag figuren en plaatst ze in verschillende scenario's in een reeks schilderijen, waar ze een eigen leven lijken te leiden. Een dergelijke serie is van figuren die ze 'zelfeters' noemt - een uitgeklede vorm van mensen die overleven door zich te voeden met delen van hun eigen lichaam en vervolgens zichzelf te reconstrueren. De schilderijen, met hun fantastische beelden en wat zij haar "extraverte kleuren" noemt - felroze en rood, elektrische paars en jungle groen - zijn geprezen als een nieuw expressionisme, en het is gemakkelijk om ze te interpreteren in termen van sociale kwalen - van anorexia modellen tot vraatzuchtig consumentisme - of zelfs een kijkje in de psyche van de kunstenaar. Maar Schutz is het daar niet mee eens.
"Ik ben geen expressionist, " protesteert ze. "Bij deze schilderijen gaat het helemaal niet om hoe ik me voel." De zelfeters, zegt ze, "zijn een picturale oplossing; je kunt ze uit elkaar halen en weer in elkaar zetten. Het is alsof ze net materiaal zijn geworden."
Maar Schutz zegt wel dat haar schilderijen soms geïnspireerd zijn door wat ze op internet ziet of waar ze aan denkt. "Ik wil dat deze schilderijen ergens in de publieke verbeelding beginnen, waar mensen het gevoel hebben dat verhaal te kennen, zoals plastische chirurgie of productie-consumptie, of de manieren waarop we alternatieve geschiedenissen voor onszelf maken", zegt ze. "Ik voel steeds meer dat het meest radicale dat kunst kan doen, is iemand een ervaring te geven waarvan hij denkt dat die op een bepaalde manier onbekend is."
Voor Schutz is er geen harde lijn tussen abstract en figuratief schilderen. "Ik denk niet dat ze iets aparts zijn." In een nieuw schilderij van een man en een vrouw die rijden, lijken de figuren in de auto bijna plastic, alsof ze smelten in een heet Hawaiiaans landschap. "De manier waarop ik over ze denk, " zegt ze, "is dat in de toekomst, als je naar ons terugkijkt, welke functies zouden blijven, op een enigszins vervormde of algemene manier?
"Misschien geven we de figuur een nieuwe impuls", gaat ze verder. "Het maken van schilderijen over schilderen klinkt gewoon gek. Al dat gepraat over de verf. Ik denk dat kunstenaars nu betekenis willen hebben en een effect willen hebben. Het is heel anders dan in de 20e eeuw."
Een tentoonstelling van Schutz's werk opent in november in de Contemporary Fine Arts Gallery in Berlijn, Duitsland.
Neo Rauch
In Leipzig beïnvloedt de 47-jarige Duitse kunstenaar Neo Rauch een generatie naoorlogse schilders met ambigue schilderijen die realisme combineren met fantasie, het gewone met het bizarre. Rauch schildert op basis van de grafische stijlen van Oostblokstrips en commerciële kunst, het sociaal realisme van het communistische Oost-Duitsland, zijn eigen droombeelden en elementen van zijn stadslandschap, het soort figuren dat je misschien tegenkomt in propagandaposters, maar hij plaatst ze in scènes die, zegt hij, "verwarrend aannemelijk" zijn - die eens bekend en vreemd zijn.
Rauch beschrijft zijn schilderijen als allegorieën met een persoonlijke iconografie die privé blijft. Hij vertelde onlangs een interviewer voor het Metropolitan Museum of Art in New York dat zijn beslissingen als schilder de rede kunnen trotseren - zelfs de zijne. Maar wat hij in een schilderij opneemt, heeft zijn eigen realiteit, zegt hij, omdat 'ondanks alle verlangen naar interpretatie, het schilderen het voorrecht moet behouden om wat niet kan worden verwoord in een voor de hand liggende structuur te plaatsen'. Rauch beschrijft zijn proces van het maken van een schilderij als een strijd om het herkenbare in evenwicht te brengen met het onverklaarbare. "Voor mij heeft hij gezegd, " schilderen betekent de voortzetting van een droom met andere middelen. "
Een tentoonstelling van Rauch's werk is momenteel te zien in het Metropolitan Museum of Art in New York City (tot en met 14 oktober).
Barnaby Furnas
Barnaby Furnas heeft, net als collega-kunstacademie Dana Schutz aan de Columbia University, zijn studio opgezet in een verbouwde industriële loft in Brooklyn. Zijn schilderijen, geïnspireerd op de Franse geschiedenis van de late 19e eeuw, combineren figuratieve elementen met technieken die hij heeft ontleend aan graffiti en abstract expressionisme.
"Als tiener die opgroeide in het centrum van Philadelphia, was ik eerst graffitischrijver", zegt hij. "Ik kwam in allerlei problemen, werd gearresteerd, maar ik had altijd één voet in de kunstles." Uiteindelijk nam de vader van een vriend hem mee naar enkele kunstgalerijen in New York City. "Dat is echt de enige manier waarop ik zelfs zou hebben geweten dat de kunstwereld ooit heeft bestaan", zegt hij.
Furnas, 34, schildert zijn doeken plat op de vloer, zoals Jackson Pollock deed. Maar in plaats van druipende olieverf à la Pollock, creëert hij plassen op waterbasis verf die hij op elkaar stapelt om vorm te creëren. Voor een serie over de burgeroorlog vulde hij een spuit met rode acrylverf die hij over zijn doeken spoot om bloed te vertegenwoordigen. "Oliën zouden nooit op tijd drogen voor de manier waarop ik verf gebruik", zegt hij, "plat op de grond, in plassen. Veel daarvan gaat terug naar graffiti. Een van de dingen die ik leuk vond aan graffiti is dat het opzettelijk materiaal misbruikt. Je kunt spuitdoppen van één spuitbus afnemen, bijvoorbeeld een aanrechtreiniger, en het op een verfspuitbus plaatsen en een heel ander effect krijgen dan het mondstuk ... Ik heb er nooit last van gehad ezels of borstels zelfs. Ik heb een enorme collectie spuitbusdoppen, zoals ik me voorstellen dat sommige olieverfschilderijen borstels hebben. In mijn werk is er een soort opzettelijke mix van wat er in de ijzerwinkel en wat in de kunstwinkel zit. "
Op de kunstacademie in Columbia rebelleerde Furnas tegen een oudere generatie leraren die, zegt hij, 'conceptuele en postmoderne kunstenaars, bijna geen schilders' waren. Hij zag schilderen als een daad van zelfexpressie die uit de mode was. Hij wilde ook dat zijn werk toegankelijk was voor kijkers zonder dat academici het moesten interpreteren. "Ik wilde niet dat deze mensen in zwarte pakken over mijn werk praatten, " zegt hij. "Ik wilde geen tussenpersoon." Hij besloot om "terug te gaan naar de zaden van het modernisme", zegt hij, "tegen Courbet en Géricault en Manet, naar de Franse geschiedenis van de late 19e eeuw. Ik was in staat het genre opnieuw te onderzoeken en er op een andere manier op in te gaan. Dus ik ben een soort modernistische tweedehandswinkel geworden! "
Een tentoonstelling van het werk van Furnas staat gepland voor de lente in de Stuart Shave / Modern Art-galerij in Londen.
Katherine Lee
In een oude legerbarak die in het atelier van Santa Fe aan het College van Santa Fe is gemaakt, vraagt Katherine Lee (22) zich af hoe haar bekabelde generatie naar kunst zal kijken. "We lezen tegenwoordig zoveel visuele beelden, " zegt ze, "zoals reclamespots - lees het en krijg het - en ik wil dat een schilderij langer interessant is dan een reclameblok. Ik denk dat er angst is voor een verhaal, en het komt van het idee 'het te krijgen'. Mensen zijn zo gewend aan adverteren dat ze willen dat wat ze op een schilderij zien vooraf door iemand anders is bedacht. Maar adverteren doet zo goed dat je misschien een nieuwe strategie moet vinden. "
Een mysterieus, bijna zwart landschap met een stukje verre licht is vastgemaakt aan Lee's studiomuur. Het heeft de humeurige sfeer en diepte van een 19e-eeuws landschap, maar Lee schilderde het op verschillende foto's met een mengsel van grafiet, oliën en spuitbussen. Het donkere gebladerte suggereert een jungle of bos, en er is iets dat eruitziet als een rode paraplu in het midden van dit alles. Maar er zijn geen mensen. Het is moeilijk om iets te weten over de scène, en dat is precies wat ze wil. "Die paraplu in het bos suggereert dat er iets aan de hand is", zegt ze. "Ik hou van het idee dat alles fungeert als potentiële inhoud. Ik denk echt niet na over wat het betekent als ik het maak, omdat ik weet dat het zijn eigen betekenis gaat krijgen."
Wanneer ze menselijke figuren schildert, zoals in een olie- en grafietbeeld van een romantisch koppel dat ze Untitled Love noemt, wil Lee dat de verf een kijker evenveel interesseert als het beeld. "Het is niet bepaald figuratief schilderen, " zegt ze, "omdat het niet echt om deze mensen gaat. Toen ik begon met schilderen, ging het echt alleen om de figuur, maar al snel leek dat te vlak. Ik werd echt gefrustreerd en een beetje vernietigd het grootste deel van het schilderij, en toen was het een stuk beter. Ik nam een penseel en vervaagde gewoon alles gewelddadig. Door alles zo te abstraheren, wordt het schilderij open en krijgt het veel potentiële inhoud in tegenstelling tot het expliciet zelf uitleggen. "
De schilderijen van Katherine Lee zijn te zien in een scriptietentoonstelling in de Fine Arts Gallery van het College of Santa Fe in mei.
Elizabeth Neel
Elizabeth Neel, 32, pas afgestudeerd aan de Hogeschool voor de Kunsten van de Columbia University, is een schilder wiens werk bijdraagt aan de nieuwe opwinding over hedendaagse schilderkunst die abstractie en representatie combineert. In haar studio in Brooklyn zijn doeken bedekt met grote abstracte penseelstreken die doen denken aan De Kooning, maar ze bevatten het soort figuren dat een schilder zoals Matisse zich had kunnen voorstellen. Neel zegt dat haar eigen gevoeligheid wordt gevormd door de stroom beelden om haar heen, van reclame en televisie tot films, video's en internet. "We zijn consumenten van afbeeldingen bijna vanaf de dag dat we geboren worden", zegt ze, en ze denkt dat kunst nu met die omgeving te maken heeft.
Als kleindochter van de 20e-eeuwse figuratieve schilder Alice Neel, surft Elizabeth vaak op internet naar afbeeldingen voordat ze aan een schilderij begint. Ze projecteert geen foto's op een canvas, maar maakt schetsen van de afbeeldingen die ze wil gebruiken. Soms, zegt ze, kunnen de puur formele aspecten van het maken van een schilderij - de schaal van haar penseelstreken bijvoorbeeld - haar interesse in de foto veranderen en haar terugsturen naar het internet voor nieuwe afbeeldingen en ideeën. "Ik denk dat schilderen een prachtige dualiteit kan hebben; het kan over zichzelf gaan en het kan over de wereld gaan, " zegt ze, "en het is een goede passage in een schilderij als dat gebeurt."
De Britse verzamelaar Charles Saatchi heeft verschillende van Neel's schilderijen gekocht en neemt enkele daarvan op in zijn lopende reeks tentoonstellingen, "The Triumph of Painting", in zijn Londense galerij. Neel zal in het voorjaar van 2008 een solo-show houden bij Deitch Projects in New York City. Haar werk is te zien op de website van Deitch Projects.
Schrijver en schilder Paul Trachtman woont in New Mexico. Zijn artikel over de dadaïsten liep in het Smithsonian van mei 2006 .
