Tijdens het onderzoek naar foto's voor 'Four for a Quarter' (september 2008) over oude fotohokjes, kwam Jeff Campagna van Smithsonian een boeiend fotostripbeeld uit 1966 tegen van socialite Gerard Malanga, een fotograaf die de New York Times 'Warhol's belangrijkste medewerker' noemde. Malanga besprak zijn carrière - waarin hij de beroemde en niet-beroemde, Boheemse en niet-Boheemse beschrijft - via e-mail met Campagna.
Wat was je eerste indruk van Andy Warhol toen je in 1963 met hem begon te werken als zeefdrukker?
Andy stond vrijwel open voor ideeën of suggesties die ik zou bijdragen. Ik denk dat een deel van de hele reden dat hij me inhuurde, te wijten was aan mijn expertise in zeefdrukken. Hij was pas een paar maanden eerder begonnen met het rechtstreeks in de zeefdruk fotograferen van foto's, zoals foto's van kranten en tijdschriften. Dus toen ik aankwam, wist ik precies hoe ik met de schermen moest omgaan, vooral de grotere.
Je hebt uiteindelijk de kans gekregen om met verschillende media, waaronder film, te werken in The Factory [Warhol's studio]. Hoe denk je dat je vroege filmprojecten en je Screen Tests-samenwerking met Andy je fotografische stijl hebben beïnvloed?
Vrienden hebben een fotografische stijl in mijn werk opgemerkt, maar ik denk dat dit meer te maken heeft met aura - de aura die een foto geeft - dan met iets anders. Ik zou niet eens weten hoe ik "stijl" moet benaderen als ik een foto maak. Ik werk meestal intuïtief. Het is wisselvallig. Weet je, het grappige is dat Andy nooit invloed op mijn werk heeft gehad, althans niet bewust. August Sander en Walker Evans waren meer de rolmodellen voor mij toen ik voor het eerst begon en meestal om verschillende redenen, maar er was hier een soort samenvloeiing. Maar toen ik al op jonge leeftijd naar foto's in boeken en kranten keek, heb ik me misschien voorbereid op wat later kwam. Ik weet dat ik gefascineerd was door transformatie - hoe hetzelfde beeld of onderwerp met de tijd verandert.
Ik heb gelezen dat je bijna uitsluitend mensen fotografeert die je kent. Wat betekent dat gedeelde comfortniveau en vertrouwen tussen de fotograaf en het onderwerp voor jou, en wat denk je dat het toevoegt aan dat moment?
Nou, dat is niet bepaald nauwkeurig. Soms ontstaat er een grote vriendschap als gevolg van een fotosessie. Vorig jaar, terwijl ik mijn tentoonstelling met kattenportretten onderzocht, goot ik over pagina's met kattenfoto's, meestal uit de jaren 1950 hier in mijn bibliotheek, en voelde ik een spirituele verwantschap met de kattenfoto's van één fotograaf omdat ze me aan mijn eigen foto's deden denken. Zijn naam is Wolf Suschitzky. Dus ik Google hem en ontdek dat hij in Londen woont, en ik belde hem op - iets wat ik zelden meer doe! - en stelde mezelf voor. We hadden direct een rapport en omdat ik van plan was om een show van mijn werk in Parijs bij te wonen, heb ik met mijn kunsthandelaar een tussenstop in Londen geregeld. Ik stuurde hem van tevoren een exemplaar van een van mijn boeken en het was afgesproken dat ik hem de dag na mijn aankomst zou bezoeken. We hadden de beste tijden, en ik ontdekte dat zijn kattenfoto's eigenlijk maar een onderdeel waren van zijn enorme oeuvre, waaronder het documenteren van Londen tot de jaren 30 tot nu! De verrassing was dat hij zich in die tijd al had onderscheiden als een van de meest gerenommeerde cinematografen van Engeland ... Wat een eer om deze man te ontmoeten en hem te fotograferen, en nu schrijven we elkaar regelmatig of praten we aan de telefoon. Er is iets met zijn foto's en met hem dat me zo heeft geraakt dat dit soort werkervaring des te meer de moeite waard is.
Vindt u dat u naar buiten verlangt, bijvoorbeeld voor fotografie en poëzie, versus creatief zijn in een meer geïsoleerde omgeving?
Ik verlang nooit naar iets en ik weet nooit wanneer de toverstok me zal raken. Poëzie en fotografie zijn verschillend van aard en aanpak. Poëzie is een introspectief medium dat veel eenzaamheid vereist of op zijn minst wetende dat het voor mij bestaat, zelfs als ik in de metro zit om aantekeningen te maken; terwijl fotografie zeker extravert is. Het soort foto's dat ik maak, vereist een beetje vasthoudendheid en altijd contact maken met mensen. De vijand van de fotograaf is zelfgenoegzaamheid; vasthoudendheid zijn kracht. Ik ben soms zelfgenoegzaam geworden. Ik geef het toe. Ik heb dus duidelijk een aantal portretten gemist. Zoals Cartier-Bresson ooit zei: "Je kunt een herinnering niet fotograferen." Maar ik heb een punt in mijn leven bereikt waar het soms het beste is om het rust te geven of andere soorten foto's te maken. Mijn laatste show waren mijn foto's van katten ...
Mick Jagger. The Rolling Stones, Frankfurt, Duitsland, 1970. (Gerard Malanga) 
Charles Bukowski. Dichter en romanschrijver, Los Angeles, 1972. (Gerard Malanga) 
Taylor Mead. Acteur en dichter, Southampton Beach, Long Island, 1971. (Gerard Malanga) 
Candy Darling. Warhol Superstar, The Death of a Hollywood Star, NYC, 1971. (Gerard Malanga) 
Tennessee Williams. Playwright, NYC, 1975. (Gerard Malanga) 
William Burroughs op het hoofdkantoor van de Burroughs Corp., NYC, 1975. (Gerard Malanga) 
Nul Mostel. Acteur en schilder. In zijn NYC-studio, 1975. (Gerard Malanga) 
Dennis Hopper. Filmmaker en filmster, NYC, 1976. (Gerard Malanga) 
Keith Richards. The Rolling Stones, North Salem, NY, 1977. (Gerard Malanga) 
Asako Kitaori. Fotograaf, 1998. (Gerard Malanga) 
Burgemeester van Bruxelles Freddy Thielmans, 1999. (Gerard Malanga) 
Mimmo Rotella. Artist, 2000. (Gerard Malanga) 
Albert Cossery. Frans / Egyptische romanschrijver (recent overleden), 2000. (Gerard Malanga) 
Fernanda Sottsass Pivano. Schrijver en redacteur, 2004. (Gerard Malanga) 
Wolf Suschitzky. Fotograaf / cinematograaf, 2008. (Gerard Malanga) 
Gerard Malanga met Archie, 2005. (Asako Kitaori) Vanwege je sociale kringen in de jaren zestig en zeventig, werd je uiteindelijk geassocieerd met portretten van enkele opmerkelijke jonge muzikanten. Ben je als kunstenaar erg geïnteresseerd geweest in de muziek, of meer in de beeldtaal en mogelijke ideeën erachter?
GM: Het was niet de muziek op zich die me inspireerde, of de beelden erachter die meespeelden in mijn fotografie. Het was zelfs het laatste waar ik aan dacht. Ik voelde gewoon dat het belangrijk was om tenminste het milieu te documenteren waar ik deel van uitmaakte, omdat wat er gebeurde belangrijk was. Muzikanten fotograferen was als het fotograferen van iemand anders, vooral als de persoon ervan hield gefotografeerd te worden ... In mijn benadering probeer ik iemand te fotograferen die zich duidelijk bewust is van het fotograferen terwijl ik een moment bereik dat het natuurlijker is zonder bewust te lijken. Dat is het beste dat ik het kan beschrijven en dat is het beste soort portret. Dick Avedon, een goede vriend, en ik deelden een vergelijkbare benadering, hoewel hij uiteindelijk een meer gecontroleerde fotograaf was en meer controle over zijn onderwerp, terwijl ik mijn onderwerp probeer te versoepelen in een meer ontspannen situatie waarin het soort effect dat ik ben zoeken heeft meer kans van slagen. Ik probeer vriendelijk te zijn zonder te vriendelijk te zijn. Wat is er te winnen als het onderwerp dat je fotografeert wegkomt van de ontmoeting met een slecht gevoel erover? Kunst moet leuk zijn als het überhaupt kunst moet zijn.
Denk je dat er een speciale eigenschap aan je persoonlijkheid is waardoor mensen zich comfortabel voelen bij het laten vallen van hun verdediging voor de camera?
Ja en nee. Eerste vuistregel: in alles wat de foto-ontmoeting presenteert, moet ik een gevoel van vertrouwen uitstralen, anders kan ik van mijn stuk zijn. Het is interessant aan fotografie. Al het talent in de wereld zal niet produceren wat ik voel als een artistiek succes. Ik heb uit ervaring geleerd dat wat moet klikken het rapport is tussen het onderwerp en de fotograaf, zelfs al is het maar voor een paar minuten of een hele middag. Ik zou een geweldig onderwerp kunnen fotograferen en gemakkelijk met een fout kunnen wegkomen; terwijl met iemand die niet in de schijnwerpers staat het resultaat totaal dramatisch zou kunnen zijn. Het is niet te zeggen wat het resultaat zal zijn. Als de persoon de minste hint van ongeduld vertoont, ben ik het kwijt!
Ben Maddow, een zeer goede vriend en duidelijk een van de grote fotohistorici, zei ooit over mijn werk, dat ik het griezelige vermogen heb om beroemde mensen er anoniem uit te laten zien en anonieme mensen er beroemd uit laten zien ... Ik heb altijd geloofd dat de persoon me hun portret. In zekere zin draagt ieder van ons een foto in ons die wacht om tevoorschijn te komen. Er zijn de juiste omstandigheden voor nodig om dit te bewerkstelligen. Dat is de magie van fotografie voor mij. Het is volkomen onvoorspelbaar. Ik denk er niet echt aan hoe mijn persoonlijkheid ervoor zorgt dat mensen zich comfortabel voelen bij het laten zakken van hun verdediging voor mijn lens en dat is nooit een tactiek voor mij geweest. Dat was zeker de techniek van Diane Arbus en tot op zekere hoogte Dick Dickson, maar niet de mijne. Het is altijd de foto geweest tussen de foto's voor mij, waar iets anders het overneemt en hopelijk kan ik het vinden op het contactblad.
Van de foto's die je in de loop der jaren hebt genomen, welke vallen op in je gedachten of zou je favorieten overwegen? Waarom?
Mijn favoriete zijn altijd degenen die nog moeten worden genomen. Ik denk dat dat komt omdat ik het resultaat nooit kan weten. Of het is altijd de foto-ontmoeting die bijna niet is gebeurd of bij het denken erover, wou dat het had ... Ik kan me niet zoals de psychische energie herinneren die nodig was om een bepaald beeld te krijgen, om een bepaald moment vast te leggen. Ik ben zowel de vrienden als vreemden dankbaar die me in hun wereld hebben toegelaten en een paar filmpjes hebben samengevat. Want uiteindelijk is dat alles wat we hebben. Elk gezicht, elke persoon heeft een verhaal te vertellen en deze portretten zijn echt een herinnering dat ze bestaan voor het vertellen.
Het grootste deel van je fotografie die ik heb gezien, is portretten. Wat trekt jou naar deze stijl toe, in tegenstelling tot andere stijlen?
Ten eerste begon de bron voor al mijn portretwerk met het schot dat ik in '69 van Charles Olson maakte, en ik wist niet eens dat ik dat de rest van mijn leven zou doen! Ik neem aan dat je zou kunnen zeggen dat het een soort van ontwaken was. Iets raakt je ziel en je weet dat het goed is. Ik besefte dat ik het goed kon doen en als ik terugkijk op een deel van het vroege werk duiken er veel goddelijke ongelukken op. Ten tweede is er een traditie in wat ik doe, dus ik voel me daar comfortabel bij, wetende dat ik hopelijk iets terug geef. De beste manier waarop ik het gevoel kan beschrijven, is dat portretfotografie je uitdaagt om de beste te zijn die je kunt zijn.
