"The Jazz Age" doet denken aan flappers, Gatsby, epische feesten en natuurlijk jazz. Maar als hoge energie het tijdperk definieerde, deed zijn spanning dat ook - het wilde nachtleven stuitte op Verbod; een snelle toename van Amerikaanse innovatie botste met een verlangen naar Europese traditie; grote voorspoed maakte plaats voor de Grote Depressie. De wrijving van al deze tegenstrijdigheden vormde de eeuw die volgde - in populair ontwerp misschien meer dan in enig ander deel van het Amerikaanse leven.
gerelateerde inhoud
- Luister naar This First 1920s Recording By One of the Kings of Jazz
- De romantiek en belofte van de 20e-eeuwse radio wordt vastgelegd in deze muurschildering
Deze contrasterende invloeden en de belangrijke rol die ze in de jaren 1920 speelden, zijn het onderwerp van een uitgebreide nieuwe show, 'The Jazz Age: American Style in the 1920s', de eerste grote museumtentoonstelling die tijdens dit creatief brandbare tijdperk recht naar Amerikaanse stijl keek.
De show, die loopt tot 20 augustus in het Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum in New York City en is georganiseerd in samenwerking met het Cleveland Museum of Art, belicht dit belangrijke tijdperk waarin de Amerikaanse smaak en levensstijl een transformatie ondergingen. Weerspiegeld in de meubels, sieraden en het ontwerp van die periode was dit een tijdperk waarin grenzen werden getest en in sommige gevallen overschreden.
"Het is de bron van zoveel dat gebeurt in de jaren '30 en daarna", zegt Sarah Coffin, curator van Cooper Hewitt en hoofd van productontwerp en decoratieve kunst.
De meer dan 400 werken van sieraden, mode, architectuur, meubels, textiel en meer schetsen een beeld van een wild energiek tijdperk van design, aangemoedigd door levendige kleuren en innovatie. Om zo'n gigantisch onderwerp te navigeren, is de show georganiseerd over twee verdiepingen in brede thema's die helpen bij het illustreren van de belangrijkste ontwerptrends en spanningen die het tijdperk vormen.
"Je verzamelt eerst het universum van objecten, dat veel meer is dan je kunt laten zien", zegt Stephen Harrison, conservator decoratieve kunst en design van het Cleveland Museum of Art, die het winnow-proces beschreef waar de organisatoren van de show voor het eerst mee te maken kregen. “Dan begin je jezelf af te vragen: welke vragen stellen ze? Welke nabijheid? Welke relaties ontwikkelen zich? En toen we onze ideeën begonnen te verfijnen, verfijnden we onze objecten. ”
Het eerste thema dat bezoekers tegenkomen, is misschien het thema dat ze misschien het minst verwachten: "Persistentie van traditionele goede smaak."
De Jazz Age ging niet alleen over het nieuwe en andere: dit was een tijd waarin Amerikanen Franse en Engelse ontwerpen uit de 17e en 18e eeuw omarmden, op zoek naar handgemaakt antiek om hun sociale status te verhogen.
"Er waren veel mensen in dit land die gedurende het decennium antiek verzamelden, reproducties kochten en dingen in traditionele smaak doen", zegt Coffin.
Terwijl de wereld snel veranderde, hadden originele werken in Amerikaanse koloniale ontwerpen en uit 17e en 18e-eeuwse Frankrijk en Engeland nog steeds een sociale status. Het meesterlijke traditionele ijzerwerk van een Samuel Yellin-vuurscherm, een dekenkist met elementen van Perzisch manuscript geschilderd door Max Kuehne en een secretaresse gemaakt voor een reproductie van het huis van John Hancock op basis van een model in het Metropolitan Museum of Art zijn voorbeelden van historische werken die musea, verzamelaars en rijke huishoudens hebben verzameld.
Maar nieuwe Europese stijlen hadden ook invloed op Amerikaanse stijlen. Evenementen zoals de 1925 Internationale tentoonstelling van moderne decoratieve en industriële kunst in Parijs hielpen Amerikanen bloot te leggen en te informeren over de nieuwe ontwerpen die hun debuut maakten over de Atlantische Oceaan. Musea in de VS (Cooper Hewitt en het Cleveland Museum, evenals Chicago Art Institute , het Newark Museum, Metropolitan Museum of Art, Brooklyn Museum) toonden de werken, veel van de stukken verwerven, en sommige beschikbaar stellen voor aankoop aan de put hakken.
The Jazz Age: American Style in de jaren 1920
Deze rijk geïllustreerde publicatie legt de dynamische pols van de jazzmuziek van de tijd vast en verkent de Amerikaanse smaak en stijl tijdens de gouden eeuw van de jaren 1920. Na de destructieve jaren van de Eerste Wereldoorlog, markeerde dit bloeiende decennium een wedergeboorte van esthetische innovatie die grotendeels werd gecultiveerd door Amerikaans talent en patronage.
Kopen"Deze musea richtten allemaal fondsen op voor de verwerving van moderne Europese decoratieve kunst in deze periode of organiseerden shows van modern Europees design die vervolgens in de detailhandel konden worden verkocht", zegt Emily Orr, de assistent-curator van Cooper Hewitt voor modern en hedendaags Amerikaans design.
Voor mensen met minder besteedbaar inkomen werden replica's snel wijdverbreid en gemakkelijk te verkrijgen - een onderwerp dat in de sectie 'Een kleinere wereld' van de tentoonstelling aan bod kwam. Een van de grote voertuigen voor deze vermenging van invloeden was het warenhuis. Plaatsen als Lord & Taylor en Macy's begonnen hun eigen workshops waar ambachtslieden stukken in Europese stijl maakten en betaalbaar maakten voor de gemiddelde consument.
"Het is heel moeilijk voor mensen om vandaag rond te komen, maar de president van het Metropolitan Museum schreef de inleiding tot een catalogus van een tentoonstelling die plaatsvond in Macy's", zegt Coffin. "Het museum merkte op dat het zijn taak was om de waarden van goed ontwerp, enzovoort, onder de aandacht van het Amerikaanse publiek te brengen en de Amerikaanse consument ervan bewust te maken dat zij het zouden ondersteunen - het kon niet alleen in een museum zijn."
Dit creëerde een bijzonder samenspel tussen het exclusieve en het reguliere, maar ook tussen privé en publiek. Doodskist wijst op een opvallend paar dubbele deuren van beeldhouwer Séraphin Soundbinine en ontwerper Jean Dunand die de tentoonstelling verankeren.
Solomon Guggenheim bestelde de deuren - elk met een engel bovenop een wolkenkrabber die een hoorn blaast. Nadat hij de Parijse beurs van 1925 bezocht en het lakwerk van Dunand zag, raakte Guggenheim ervan overtuigd dat de muziekkamer in zijn huis in Port Washington zo'n stuk nodig had.
"Je kunt je op geen enkele manier voorstellen dat de mensen die dit soort meubels in Baronial-stijl in dit huis hadden, mogelijk de smaak zouden kunnen hebben om dit te doen", zegt Coffin. "Maar blijkbaar besloten ze dat ze dit wilden doen."
Nadat de deuren waren voltooid, plaatsten de Guggenheim ze in een galerij voor het publiek voordat ze zelfs naar huis werden gebracht. Het was een vroeg begin van kunstaankoop en -beheer dat snel zou groeien (hun eerste aankoop van moderne kunst zou een jaar later gebeuren).
Natuurlijk kunnen we niet aan de jaren 1920 denken zonder rekening te houden met de rauwe en grensverleggende cultuur. De paragraaf 'Bending the Rules — Stepping Out' geeft dat gevoel van mogelijkheden en veranderende normen weer en laat zien hoe jazzmuziek en de sociale wereld eromheen vormgeven. Vazen met jazzdansers en een textiel genaamd Rhapsody, evenals filmfragmenten van Duke Ellington en andere Cotton Club-artiesten weerklinken met de energie van het tijdperk. Sieraden die een aanvulling vormen op de nieuwe mode - lange kettingen die de flappers zouden dragen, een bewerkte robijnrode ketting van Van Cleef & Arpels, een riemgesp uit 1926 met een scarabee-motief (het graf van King Tut werd opgegraven in 1922, dus een Egyptische look vond plaats in de sieradenmode ), en een paar Cartier-stukken van Linda Porter, de vrouw van componist Cole, evenals andere accessoires voor make-up en het roken van sigaretten, weerspiegelen allemaal de vrijgevochten bevrijding van de tijd en veranderende sociale mores.
Deze zorgeloze levensstijl was ook iets van een Europese import. Een schilderij van de kunstenaar Archibald Motley uit New Orleans "vat het samen" zoals Coffin het zegt - de kunstenaar bracht een jaar door in Parijs voor een Guggenheim-beurs, en de scène vangt de energie van het tijdperk - een club met gemengd ras, dansende mensen, muziek spelende, een vrouw die een sigaret rookt en wijn die vrij stroomt.
De Europese invloed kwam niet alleen voort uit een groter gemak en interesse in reizen, naarmate meer Amerikanen in het buitenland bezochten en studeerden, maar ook uit de trapsgewijze effecten van de Eerste Wereldoorlog. Veel ontwerpers waren voor en tijdens de oorlog naar de VS gevlucht en brachten hun eigen invloeden en interesses mee - emigranten zoals Paul T. Frankl, Joseph Urban, Walter von Nessen en Richard Neutra brachten ervaring met Europese abstractie mee, evenals een bewondering voor Amerikaanse wolkenkrabbers en kosmopolitische energie. Dit wordt misschien het best geïllustreerd in de show van Frankl's Skyscraper Bookcase Desk . De invloed strekte zich ook uit tot de materialen die deze Europeanen gebruikten.
"Europeanen waren de eersten die chroom voor hun meubels buigden, en het was dit onmiddellijke teken van de nieuwe, maar het heeft ook te maken met betaalbaarheid en een verlangen naar netheid in vergelijking met zwaar gedetailleerde, sierlijke Victoriaanse vormen, " zegt Orr. "Het werd ook gebruikt in auto's en radio's en symboliseerde de toekomst."
De vrijdragende stoel is een belangrijk icoon van dit tijdperk. De aanpassing van de vorm in verschillende materialen laat zien hoe industrialisatie het tijdperk heeft gevormd. Het was oorspronkelijk ontworpen om plat te worden verpakt en in massa te worden geproduceerd, maar werd opnieuw gemaakt in hout en leer en door Walt Disney-studio's geadopteerd voor zijn screeningkamers.
"De industrieel ontwerper is een figuur in deze periode die door zoveel fabrikanten in de media is geïntroduceerd die hun traditionele lijnen voor de moderne consument willen bijwerken", zegt Orr.
Zoals Harrison het stelt: "We wilden smaak definiëren door te kijken naar die modern ogende dingen versus die dingen die modern van vorm en innovatie en technologie waren."
"The Jazz Age: American Style in de jaren 1920" is te zien tot en met 20 augustus in het Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum in New York City.
