Je kunst op je mouw dragen

Kunst om te dragen neemt een unieke plaats in in het creatieve universum. Modieus, ambachtelijk en kunstachtig, heeft deze hybride classificatie van oudsher geprobeerd om kleding boven zijn praktische rol te verheffen. Van de pre-Rafaëlieten uit de jaren 1890 tot de surrealistische metaalsmeden uit de jaren 1930 tot de hedendaagse eco-ontwerpers, dergelijke ambachtslieden erkennen dat de kleren die we dragen ideeën en meningen vertegenwoordigen.

Van dit verhaal

Kunst om te dragen

Erte: Art to Wear: The Complete Jewellery

Vaak verbonden met de voorschriften van het surrealisme of Dada, begonnen deze kunstenaars te experimenteren met de vormen, patronen en materialen van sieraden en kleding. Surrealisme als een beweging verwierf feitelijk waardering vanwege haar uitstapjes naar mode.

Aan het hoogtepunt van deze samensmelting van avant-gardekunst en haute couture werkte een geprezen Italiaanse ontwerper genaamd Elsa Schiaparelli samen met surrealistische beroemdheden als Jean Cocteau en Salvador Dalí. Met Dali creëerde Schiaparelli een van haar meest opvallende kledingstukken: de Lobster-jurk, een crèmekleurige zijden organza-jurk geaccentueerd met synthetisch paardenhaar gemaakt door Schiarparelli, die Dali vervolgens versierde met een grote, peterselie-gespikkelde kreeft.

Ook wel de ambachten om te dragen beweging genoemd, en inclusief fiber art, lederen ambachten, sieraden van alle materialen, en alles wat je maar kunt bedenken om het zelf te sieren, identificeerde de wearable art beweging zich pas als zodanig tot de jaren 1960. Velen erkennen echter dat modernistische kunstenaars en juweliers die tussen 1920 en 1950 creëren tot de eerste producenten van ambachten om te dragen behoren.

Deze week zijn de werken van 50 kunstenaars die alles verkopen, van sieraden, kleding, sjaals en handtassen, te zien in het jaarlijkse Craft2Wear-fondsenwervingsevenement van het Smithsonian Institution in het National Building Museum in Washington, DC. Opbrengst van de show, geproduceerd door het Smithsonian Women's Committee, ondersteunt beurzen en giften voor onderzoek bij de instelling.

Drie kunstenaars, Starr Hagenbring, Susan Sanders, en Kathleen Nowak Tucci, die in verschillende fysieke materialen en met tientallen jaren ervaring in ontwerp werken, behoren tot de items die tijdens het evenement artikelen te koop aanbieden. Hun kunst is over de hele wereld verschenen - van een cover van Vogue Italia tot de revers van Margaret Thatcher op uitgezonden televisie.

Het verenigen van deze drie kunstenaars en de Crafts2Wear-show is een blijvende interesse in het combineren van hoge en lage kunst en materialen, in overeenstemming met de ontwrichtende missie van de milieubewuste Wearable Art Movement van de jaren 1960 en 70.

Hagenbring transformeert wijd verbreide insecten in complexe, iriserende wandtapijten, die 'het lelijke in mooi' veranderen. Tucci verheugt zich in het creëren van 'iets van buitengewone waarde uit iets dat op onze stortplaatsen zou zijn beland.' En Sanders, die de juxtapositie tussen hoge en lage materialen, werkt in een ultra-technisch platform - 3D-printen - met goedkope industriële materialen, kunst tegenkomen waar het niet wordt verwacht.

Starr Hagenbring: The Beauty of Bugs

Het in New York gevestigde Hagenbring zet de geschilderde vezelkunsttraditie van Dali en Schiaparelli voort, met behulp van stof als canvas, verweven gekleurde draden en het aanbrengen van heldere en opaalachtige verven om opvallende tableaux te creëren. Haar ambacht, dat te zien en te kopen is in haar winkel Art & Eyes in New Orleans, neemt tal van onderwerpen aan: klassieke en exotische silhouetten, abstracte ontwerpen, en het meest recent, realistische en abstracte insecten.

Haar creativiteit komt voort uit een verlangen om persoonlijke aversies te overwinnen.

Als kind raakten spinnen in paniek totdat ze zichzelf uitdaagde om diep deel te nemen aan hun wereld. Ze vond hun ingewikkelde schoonheid. En de ervaring zorgde voor een levenslange fascinatie.

Ongeveer 25 jaar geleden, tijdens een bezoek aan Birma, kwam Hagenbring een carportmuur tegen, die bijna volledig bedekt was met insecten van verschillende soorten en maten. Het was zoals ze zich herinnert, "een weergave van insecten van het Smithsonian Institute." Te verrast om walgelijk te zijn, onderzocht ze in plaats daarvan de "weergave" en ontdekte een verscheidenheid aan afmetingen, vleugelvormen, geometrische patronen, verborgen cantilevers en algehele schoonheid. Nu, de veelheid en kracht van dit wezen doordrenkt veel van haar draagbare kunst.

Insecten hebben eeuwenlang de creatie van kunstobjecten geïnspireerd, van traditionele Afrikaanse maskers tot kubistische schilderijen van Picasso, een erfgoed dat Hagenbring erkent. Door zich te concentreren op hun onverwachte schoonheid en niet afstand te doen van grote en realistisch ogende details, zegt Hagenbring dat ze de " ew- factor" heeft overwonnen die veel mensen associëren met insecten. Haar doel is om mensen te verleiden om de onverwachte schoonheid te vinden en informeert een breder verlangen om mensen aan te moedigen om, zoals ze nadrukkelijk zegt: “Stop, stop, stop. Kijk wat we om ons heen hebben. '

Kathleen Nowak Tucci: Ecological Aesthetics

In de jaren 1960 en 1970 omarmde de nieuw genoemde Wearable Art Movement ook milieubewustzijn als onderdeel van haar missie, met nadruk op de texturen en kwaliteiten van natuurlijke, duurzame materialen. Leden van de ontluikende gemeenschap versmolten esthetiek met functie en probeerden de traditionele ranglijsten of hiërarchieën binnen artistieke gemeenschappen te verstoren die "schone" kunst boven bruikbare ambachten verheffen. De nadruk op textielwerk - voorheen afgewezen uit het legioen van hoge kunstenaars als 'vrouwenwerk' - paste bij de groeiende bevrijdingsbeweging van vrouwen.

Op dezelfde manier doordrenkt met politieke valuta, sluit het recente werk van Kathleen Nowak Tucci aan bij de toenemende wereldwijde bezorgdheid over ecologische vernietiging, afval en vervuiling, en breidt de interesse van de traditionele draagbare kunstenaars in "laag" of outré-materiaal uit naar afgedankte fietsbinnenbanden, afgevoerde stalen remkabels en gebruikte Nespresso-koffiecapsules. Haar gerecyclede sieraden begonnen met binnenbanden die "bevrijd" waren van de vuilnisbakken van fietsenmakers.

Hoewel getroffen door de hoeveelheid menselijk afval die ze tegenkomt, het verzamelen van afval van fiets- en Harley-Davidson-motorwinkels in Pensacola, Florida, voelde Tucci zich aanvankelijk aangetrokken tot het werken met rubber omdat de "materialen zo fantastisch zijn." De kneedbare eigenschappen van rubber, en de beschermende eigenschappen van staal creëren een edgy look die doet denken aan middeleeuwse maliënkolder, maar veel draagbaarder.

In 2010 publiceerde Vogue Italia de sieraden van Tucci op de cover van een probleem dat rapporteerde over de recente olieramp in BP in de Golf. Toen iemand getuige was van de vettige plassen het water besmeerde, was Tucci dankbaar dat ze in staat was een boodschap van veerkracht en de hoop op opstanding te materialiseren door haar teruggewonnen versieringen. Niet lang daarna ontdekte Tucci een doos snoepkleurige Nespresso-capsules in het kantoor van haar grafisch ontwerper en begon het matzwarte binnenhuis aan te vullen met de sprankelende juweeltonen van geanodiseerd aluminium die uit de vuilnisbakken op kantoor waren gered. Uiteindelijk realiseerde ze zich dat de Nespresso-capsules hun eigen karakter hadden en standalone fel heldere stukken creëerde. In mei 2015 won Tucci de Saul Bell Design Award in alternatieve materialen, een categorie met materiaal dat geen edelmetaal is. De volgende stap voor de eco-ontwerper? Tucci zou graag een gerecycled statement zien lopen op de rode loper van Hollywood tijdens een groot evenement (Maggie Gyllenhaal of Tilda Swinton kunnen dat prachtig meenemen).

Susan Sanders: 3D-printen van haar boeiende handwerk

In de jaren tachtig weerspiegelde draagbare kunst de destijds populaire pop-esthetiek en kunstmatige materialen. Grafische stijlen en platte applicaties benadrukten oppervlaktebeelden. In de 21e eeuw zijn makers van art-to-wear-modellen blijven experimenteren met technieken en materialen, waaronder recentelijk 3D-printen. Washington, DC-inwoner Susan Sanders begon haar uitstapje naar het medium een ​​paar jaar geleden nadat ze jarenlang haar esthetiek had besteed aan verschillende materialen, waaronder zilver, goud, zijde, microfiber en steen. Haar werk is verschenen in galerijen over de hele wereld en is verkocht aan een breed spectrum van klanten.

Jaren geleden, toen Sanders grote, volledig gearticuleerde insectenbroches maakte uit edele metalen, produceerde ze een bijzonder grote en opvallende mug. Niet lang nadat de museumwinkel in de Whitney in New York de creatie had verkocht, verscheen de Amerikaanse minister van Buitenlandse Zaken Madeleine Albright op televisie op het dragen. De pin verschijnt ook in Albright's boek Read My Pins: Stories from a Diplomat's Jewel Box en als onderdeel van een reizende tentoonstelling die in 2010 aankwam bij het Smithsonian Institution.

Sanders heeft in haar 42-jarige carrière zoveel verschillende materialen gebruikt - gedurende de hele periode dat ze heeft gewerkt in Alexandria, de Torpedo Factory in Virginia - omdat ze haar artistieke perceptie graag regelmatig opfrist. Toen ze een paar jaar geleden voor het eerst 3D-geprinte sieraden zag, was haar interesse gewekt. Na een softwarecursus community-college, een weekendworkshop, talloze instructievideo's op YouTube en nog meer gissingen en experimenten, begon Sanders haar eigen 3D-geprinte sieraden te maken, eerst in matzwart en vervolgens met de hand beschilderd in schitterende tinten die de veel in elkaar grijpende hoeken van haar boeiende handwerk. Sanders, afgestudeerd in industrieel ontwerp aan Carnegie-Mellon, zegt dat haar "smaak neigt naar geometrische vormen" en het abstracte proces van het formuleren van haar ontwerpen voelt alsof ze "thuiskomt".

Haar 3D-ontwerpen zijn allemaal uit één stuk gemaakt, maar hebben vaak veel bewegende delen: onzichtbare gewrichten, scharnieren en nieuwsgierig gekooide ballen. Het lichtgewicht nylon plastic dat wordt gebruikt in het drukproces maakt het mogelijk voor Sanders om grotere stukken te maken die nog steeds zeer draagbaar zijn - en betaalbaar. De relatief lage kosten van het proces stellen haar in staat om een ​​breder koperspubliek te bereiken, een leuke verandering van het werken met edelmetalen.

Alle drie de vrouwen zijn het erover eens dat de klanten die hun producten dragen zelfbezeten moeten zijn, bereid moeten zijn gezien te worden. Jurk, of het nu een joggingbroek of een briljant geïllustreerde jas met kever is, is performatief. Wat we dragen is de altijd fascinerende link tussen ons privé-zelf en de perceptie van het publiek. De artiesten van Craft2Wear bieden dit jaar talloze manieren om die kloof te overbruggen met humor, flair en individualiteit.

De Smithsonian Craft2Wear-show 2015 vindt plaats van 1 tot 3 oktober in het National Building Museum in Washington, DC De show opent donderdag 1 oktober met de Advance Chance Party & Fashion Show van 17.30 tot 21.00 uur. Tickets zijn $ 75 en moeten vooraf worden gekocht. Dagelijkse toegang voor vrijdag van 10.00 tot 20.00 uur en zaterdag van 10.00 tot 17.00 uur kost $ 10 (alleen contant), te betalen aan de deur. Op 2 oktober, van 17:30 tot 20:00 uur is Artful Happy Hour (17:30 tot 20:00 uur) dat shoppers de kans krijgen om te proosten op de vaardigheden van de kunstenaars en de langdurige steun van het Smithsonian Women's Committee voor wetenschap en kunst te vieren . Loterijtickets voor een paar zwarte parel mica pod oorbellen geschonken door kunstenaar Keith Lewis en een pauwennet handtas geschonken door ambachtelijke kunstenaars Bozenna en Lukasz Bogucki kunnen worden gekocht voor $ 5 per stuk of vijf voor $ 20 per dag van de show.