Dit bericht maakt deel uit van onze lopende serie waarin ATM af en toe een bericht uitnodigt van een aantal gastbloggers van het Smithsonian Institution: de historici, onderzoekers en wetenschappers die de collecties en archieven in de musea en onderzoeksfaciliteiten beheren. Tegenwoordig weegt Amy Henderson van de National Portrait Gallery in op cinema als kunst. Ze schreef voor het laatst over ons dat David McCullough het Smithsonian bezocht.
Waar gaat het over het "bewegende beeld" dat ons tegenhoudt in onze sporen? Als iemand een video op je Facebook-prikbord plaatst, heb je dan geen grotere kans om door te klikken dan naar andere links? Waarom kijken we films op onze mobiele telefoons? Waarom is er een winkelcentrum voor voetgangers op Times Square, waar miljoenen mensen op strandstoelen zitten en naar beelden kijken die in surroundgeluid worden teruggestuurd? In musea verdringen bezoekers zich altijd in de bewegende beeldgalerijen. Waarom stimuleert video zo de geest?
In het begin van de 20e eeuw, toen de film stil was en de acteurs anoniem, stroomden mensen naar theaters om projecties over het zilveren scherm te zien flikkeren. Na de komst van 'talkies' creëerden Hollywood-studio's een parallel universum van 'groter dan het leven'-sterren. Vrouwen bleken hun haar platinablond ter ere van Jean Harlow in Red Dust, en mannen dronken martini's alsof ze William Powell waren in The Thin Man. We wilden dragen wat sterren op het scherm droegen: te midden van de depressie verkocht het naaibedrijf Butterick 500.000 patronen van de jurk met pofmouwen die Joan Crawford droeg in de Letty Lynton uit 1932, suggereert zelfs minder dure materialen voor thuisriolen om de zijde van de filmster te vervangen. De opname lijkt onbegrensd.
Ik ben gefascineerd door hoe films cultuur definiëren. Pre-film Amerika staat in verschillende media, maar er beweegt niets - alles wat we uit die tijd moeten onderzoeken is statisch, als delicate vlinders in een vitrine. En in feite hebben we het moeilijk om ons voor te stellen dat mensen met een stilstaand beeld bewegen, ademen, praten, wandelen, zingen, zelfs gewoon hun dagelijkse routine volgen. Wanneer ik bezoekers door de tentoonstelling 'America's Presidents' van de Portrait Gallery leid, herinner ik hen eraan dat we niet echt weten hoe onze Founding Fathers er zelfs uitzagen, behalve zoals afgebeeld door verschillende kunstenaars; en we kunnen alleen raden naar hoe ze klonken.
The Maltese Falcon van detective-romanschrijver Dashiell Hammett werd in 1931 aangepast aan de film. (Afbeelding afkomstig van de National Portrait Gallery (c) 1937 Edward Biberman) Ik dacht aan de kracht van de film om onlangs te onthullen toen ik me voorbereidde om een screening van The Maltese Falcon in de Portrait Gallery te introduceren. Deze film uit 1941 markeerde het debuut van John Huston als regisseur en de overgang van Humphrey Bogart van typecast gangster naar ster. Het is onmiskenbaar Depressie-tijdperk in zijn lawaaierige schaduwen; zoals Dashiell Hammett's gelijknamige roman uit 1930, de verhaallijnen van de film klinken als een journaal; private eye Sam Spade (Bogart), de Fat Man (Sydney Greenstreet) en Joel Cairo (Peter Lorre) zijn dapper getekend en spreken in een snelle dialoog die de staccato-beat van de film versterkt. Het vastgelegde moment van het verhaal laat weinig tijd over voor nuance of subtiliteit; het verhaal beweegt meedogenloos en meedogenloos .
Deze staccato-beat is een thema dat ik benadruk wanneer ik mensen meenam door de tentoonstelling van de Portrait Gallery van de jaren 1920 tot de jaren 1940 - jaren waarin het moderne Amerika opkwam. Tussen 1890 en de jaren 1920 waren 23 miljoen immigranten aan de Amerikaanse kust aangekomen; de meeste kwamen uit Zuid- of Oost-Europa. Weinigen spraken Engels. In die periode veranderde het gezicht van het land. Tegelijkertijd veranderde het pastorale landschap van Emerson en Thoreau in stadsgezichten: de volkstelling van 1920 toonde aan dat Amerika voor het eerst meer stedelijk dan landelijk was. New York ontstond als een enorm centrum van consumentencultuur, een billboard-en-neonoven die - in een van mijn favoriete zinnen - stak - "een duizelingwekkende machine van verlangen." Het was een stad die een impuls gaf aan de ritmes van Gershwin, de choreografie van Martha Graham en Dashiell Hammett's hardgekookte fictie.
"Bewegende beelden" waren een perfecte metafoor voor de snel veranderende staccato-cultuur van Amerika. Opkomende in de dynamiek van het straatleven in New York, wonnen films onmiddellijk succes als pop-up entertainment toen ondernemers zoals Adolph Zukor, Louis B. Mayer en William Fox winkeltheaters opzetten in de immigrantenwoningen van de Lower East Side. Taal was geen obstakel, dus stille films hadden een kant-en-klaar publiek.
Het vermogen van films om ons te vervoeren is een van de belangrijkste attracties van dit medium gebleven. De ironie is dat hoewel film een opmerkelijk cultureel document is dat de tijd bevriest, het ons ook uit het alledaagse haalt.
Allison Jessing, een programmacoördinator die hier filmseries organiseert in de Portrait Gallery en het Smithsonian American Art Museum, vertelde me dat "film net zo subversief, krachtig en emotioneel resonerend kan zijn als schilderkunst, beeldhouwkunst of elke andere traditionele kunstvorm." Ze is van mening dat Smithsonian theaters op zichzelf als galerijen moeten worden beschouwd, "door meesterwerken te presenteren op dezelfde manier waarop we kunstwerken tentoonstellen die op een voetstuk staan of aan een muur hangen." Een van de manieren waarop Jessing dit doet is door de "pop te lenen" -up entertainment ”techniek van vroege ondernemers in films. Daartoe hebben de musea een opblaasbaar 16-voet pop-up breedbeeldscherm gekocht voor het projecteren van films in de Kogod Courtyard, en Allison zal het grote scherm gebruiken voor een meer dan levensgrote serie die ze "Courtyard Cinema Classics" noemt.
Een pop-upscherm van 16 voet toont binnenkort films in de Kogod-binnenplaats. (Foto door Allison Jessing) Op 15 november wordt de eerste in de serie gepresenteerd - de 1949 A Connecticut Yankee in King Arthur's Court, een tijdreizen musical met Bing Crosby en Rhonda Fleming. Ik ben verheugd deze film te kunnen introduceren, die (zeer grof) is gebaseerd op de gelijknamige roman van Mark Twain uit 1889; Ik mag mijn boa dragen.
De presentatie van films in musea bewijst eens te meer dat Sam Spade gelijk had: dat zijn dingen waar dromen van gemaakt zijn.
