Niet lang nadat Japan formeel besloot om in de jaren 1850 met het Westen te gaan handelen, kwam ook fotografie naar de eilandnatie. Beide duidden op een nieuw tijdperk van moderniteit.
De zoektocht om de ziel van Japan te begrijpen en uit te beelden terwijl deze evolueerde van imperialistisch, agrarisch en isolationistisch naar meer populistisch, mondiaal en stedelijk, is het thema van twee tentoonstellingen die nu te zien zijn in de Smitherian's Freer en Sackler Galleries in Washington, DC. De twee shows, "Japan Modern: fotografie uit de collectie Gloria Katz en Willard Huyck" en "Japan Modern: Prints in the Age of Photography, " delen veel, zegt Frank Feltens, curator van de printshow.
Evenmin in chronologische volgorde, maar beide groepsbeelden in gemeenschappelijke thema's - waarbij stad en land domineren. De fotografie show is zeer documentair; velen zijn in zwart en wit. De prints, gemaakt met bewerkte houten blokken, zijn vet, visueel en kleurrijk. Maar, zegt Feltens, "tussen de twee shows, begin je steeds meer overeenkomsten te vinden" - een interesse in oppervlakken, hoeken, fragmenten.
De kunstenaars "kijken naar de buitenwereld, maar denken er een keer over na door de lens en vervolgens door de houtblokken", zegt Feltens.
Net zoals in de westerse wereld wierp fotografie een grote schaduw. Wood block prints bestaan al minstens een millennium, vooral als middel om iets over de cultuur te communiceren - verhalen vertellen. Tegen het einde van de 19e eeuw was de prentkunst dood - een slachtoffer van de gemakkelijkere, goedkopere fotografie.
De eerste bekende foto genomen in Japan dateert uit 1848, zegt Feltens. Daguerrotypes waren populair in Japan - net als in Europa en Amerika - maar fotografie ging echt van start in de jaren 1920, met de opkomst van meer draagbare apparatuur zoals de zakcamera van Kodak, zegt Carol Huh, curator van de fotografieshow. De vestzak, die ongeveer de grootte heeft van een moderne camera, met een lens die eruit trekt, accordeonstijl, werd gemaakt tussen 1912 en 1926 en werd enorm populair in Japan, waardoor cameraclubs en de Besu-Tan School fotografische stijl.
De fotoshow werd mogelijk gemaakt door het gedeeltelijke geschenk in mei 2018 van een aantal van ongeveer 400 foto's verzameld door Gloria Katz en Willard Huyck, Japanse liefhebbers en scenarioschrijvers, vooral bekend van American Graffiti en Indiana Jones en de Temple of Doom . De collectie was grotendeels getoond op de muren van hun huis in Brentwood, Californië. Huh selecteerde voor de show 80 prints van twee dozijn kunstenaars, gericht op degenen die het traject van de Japanse fotografie hebben beïnvloed.
Simmon: A Private Landscape (# 1), door Hosoe Eikoh, 1971 (Freer | Sackler, Aankoop en gedeeltelijk geschenk van Gloria Katz en Willard Huyck) 
Seikan Ferryboat, uit de serie Karasu (Ravens) van Fukase Masahis, 1976 (Freer | Sackler, Aankoop en gedeeltelijk geschenk van Gloria Katz en Willard Huyck) 
Yokosuka, Kanagawa, door Tomatsu Shomei, 1959 (Freer | Sackler, Aankoop en gedeeltelijk geschenk van Gloria Katz en Willard Huyck) 
Koen Dori, Shibuya, uit de serie Karasu (Ravens), door Fukase Masahisa, 1982 (Freer | Sackler, Aankoop en gedeeltelijk geschenk van Gloria Katz en Willard Huyck) 
Pieken van Takachiho-vulkaan, Kagoshima en Miyazaki Prefecturen, door Hamaya Hiroshi, 1964 (Freer | Sackler, aankoop en gedeeltelijk geschenk van Gloria Katz en Willard Huyck) 
Kamaitachi # 8, door Hosoe Eikoh, 1965 (Freer | Sackler, aankoop en gedeeltelijk geschenk van Gloria Katz en Willard Huyck) 
Man in een traditionele Minobashi-regenjas, Niigata Prefecture, door Hamaya Hiroshi, 1956 (Freer | Sackler, aankoop en gedeeltelijk geschenk van Gloria Katz en Willard Huyck) 
My Wife on the Dunes, door Ueda Shoji, ca. 1950 (Freer | Sackler, Aankoop en gedeeltelijk geschenk van Gloria Katz en Willard Huyck) 
Boku To Neko (The Cat and Me), door Ueda Shoji, ca. 1950 (Freer | Sackler, Aankoop en gedeeltelijk geschenk van Gloria Katz en Willard Huyck) 
Evening View, door Moriyama Daido, 1977 (Freer | Sackler, Aankoop en gedeeltelijk geschenk van Gloria Katz en Willard Huyck) De eerste galerij - met afdrukken uit de jaren 1920 en 1930 - laat zien hoe Japanse fotografen zo sterk werden beïnvloed door Europese tijdgenoten, met name de soft-focus picturalists. "We bereiken een soort piek van bevestigende fotografie als een medium van expressie - een kunstmedium, en ook een overgang naar een meer modernistische esthetiek, " zegt Huh. Vroege foto's documenteerden de stad en het land - een kanaal; tarwe zwaait in de wind. De overgang is te zien in Ishikawa Noboru's jarenlange licht- en schaduwstudie, Barn Roof, die een fragment van een koepel met een mistige achtergrond aanscherpt.
An Afternoon on the Mountain, een gelatine zilverdruk uit 1931 van Shiotani Teiko, zou een abstract schilderij kunnen zijn. Een eenzame, kleine skiër lijkt zich een weg te banen naar de scherp hellende grijze helling die dwars door het onderste kwart van de foto snijdt en het scheidt van de even grijze lucht. Teiko schoot grotendeels in de prefectuur Tottori aan de westkust van Japan en creëerde vanuit de enorme duinen en bergen. "Het landschap wordt een kans voor deze vormstudies", zegt Huh.
Teiko maakte ook grillige afdrukken van onnatuurlijk gebogen objecten - een voorloper van het surrealisme dat zo duidelijk werd in het werk van zijn student Ueda Shoji. Shoji's 1950 My Wife on the Dunes toont zijn in kimono geklede echtgenoot, afgesneden op de knieën, starend vanaf de rechter voorgrond; rechts van haar staan drie mannen in pakken, in verschillende richtingen met enorme schaduwen opdoemen achter elk. Surrealistisch, het toont ook een Japan dat samen met zijn oude erfgoed en zijn moderne beeldspraak bestaat.
Veel van de foto's onderzoeken dat samenspel, vooral omdat Japan naar binnen keek en geconfronteerd werd met de realiteit van de verwoesting van de Tweede Wereldoorlog en hoe het land zichzelf zou herbouwen en opnieuw maken.
Japan is de enige natie die ooit de toorn van een atoombom heeft meegemaakt. De show raakt Nagasaki, waar de Amerikanen op 9 augustus 1945 om 11:02 uur een bom op de stad 200.000 lieten vallen. Japan blokkeerde fotografie in de nasleep van zowel Nagasaki als Hiroshima, maar zo'n 16 jaar later - in 1961 - de Japan Council Against Atomic and Hydrogen Bombs heeft Tomatsu Shomei de opdracht gegeven het herstel van de stad te documenteren. "Het was destijds niet ongebruikelijk dat veel Japanners niet hadden gezien wat daar gebeurde", zegt Huh. Dat omvatte Shomei. Hij dook in Nagasaki's stof, fotografeerde het huidige leven, overlevenden van bommen en objecten in wat nu het Atomic Bomb Museum is.
Een daarvan, geschoten op een eenvoudige achtergrond: een polshorloge stopte om 11:02. Een fles die door de explosie werd vervormd, neemt een verontrustend menselijke vorm aan. "Het ziet eruit als een karkas, " zegt Huh. Shomei's boek 11:02 Nagasaki is een persoonlijke afrekening en een belangrijk document van die gruwelijke gebeurtenis.
Hij was ook geobsedeerd door - en fotografeerde zijn kijk op - de naoorlogse bezetting van Japan door de Amerikanen, die officieel eindigde in 1952. De effecten waren echter blijvend. Veel van de afbeeldingen tonen de nieuwsgierigheid en ontzetting van fotografen bij deze buitenlanders die zich in hun land hadden ingebracht. De show bevat enkele afdrukken uit de serie 1959-62 van Yamamura Gasho op Washington Heights, een Amerikaanse militaire woonwijk in Tokio. In een groep drukt een groep ondeugende zwart-witte kinderen tegen een hek. Gasho staat letterlijk "buiten het hek en kijkt naar deze vreemde transplantatie in het midden van Tokio", zegt Huh.
De show eindigt met de 2009 Diorama Map of Tokyo, een modernistische collage van Nishino Sohei, een 36-jarige kunstenaar. Hij liep door Tokio, snauwde uitzicht op de straat en herhaalde een soortgelijk project uit de late 19e eeuw dat de eerste gemeten kaarten van Japan creëerde. Sohei knipte kleine afdrukken van contactbladen, legde ze naast elkaar neer en fotografeerde ze vervolgens opnieuw voor de definitieve afdruk. "De handeling om ze samen te stellen herinnert die reis, " zegt Huh.
Pre-fotografie, dat soort Tokio-kaarten zou op een minder grote schaal zijn gedaan door houtblokken te drukken. Maar drukkers worstelden om hun relevantie te bewijzen in het licht van de toenemende populariteit van fotografie. Al in de jaren 1870 begonnen ze te veranderen hoe ze werkten. Shinbashi-treinstation, een heldere, veelkleurige print uit 1873, was een voorbeeld van de nieuwe stijl, met bakstenen gebouwen en een trein die stationair draait buiten het station van Yokohama.
De verhoudingen tussen de figuren en gebouwen waren nauwkeurig, en het heeft een fotografisch gevoel van perspectief, zegt Feltens. Maar de opzichtige kleuren waren "nadrukkelijk onfotografisch" - een poging om te concurreren met het medium dat toen beperkt was tot zwart en wit.
De inspanning mislukte echter jammerlijk - en de prentkunst flitste uit. In de jaren 1920 probeerden twee nieuwe bewegingen afdrukken weer tot leven te brengen. In de "nieuwe druk" -school dacht een uitgever dat hij westerlingen kon lokken - die geïdealiseerde fotografische opvattingen die een perfect modern en tegelijkertijd oud Japan toonden, met houtblokkenafdrukken met vergelijkbare sentimentele portretten lokte.
Shin-Ohashi, uit 1926, probeert dit. Het is een nachtscène met het flikkeren van een gaslicht dat wordt gereflecteerd door de stalen bok van een spoorwegbrug; ondertussen trekt een man in een traditionele strohoed een riksja, terwijl een in kimono geklede vrouw met een grote parasol achter hem staat. Het was een naakt bod om zowel fotografie te overtreffen (foto's konden 's nachts niet worden genomen) als om buitenlanders tevreden te stellen. "Dit soort afdrukken werd zelfs vandaag niet aan Japanners verkocht", zegt Feltens. Ze zijn ook gemaakt als te verzamelen kunstwerken - een nieuwe richting voor afdrukken.
In de jaren dertig begon de 'creatieve' beweging op gang te komen. Japanse prentmakers hadden vanuit de westerse kunst het idee overgenomen dat het genie van de maker zichtbaar moest zijn. Zo begonnen printmakers handtekeningen - vaak in het Engels - en versienummers aan hun werken toe te voegen. Dit waren niet langer de productie van een leger carvers die hun werk overhandigden aan een drukkerij.
De printers gebruikten nog steeds houtblokken, maar op een steeds geavanceerdere manier. Kleur was een belangrijk kenmerk. En het perspectief was nog steeds erg fotografisch.
Ito Shinsui's 1938 Mt. Fuji van Hakone Observatory is een meesterwerk van fotografisch perspectief en gevoel. De enige vertellen zijn het bereik van blauw, wit en bruin.
Veel van de 38 prints in de show zijn verbluffend in de diepte van hun kunstenaarschap - een punt dat Feltens hoopte te maken. "We wilden de breedte van kleuren en tinten laten zien, en deze explosie van creativiteit gebeurt, " vooral vanaf de jaren 1930, zegt hij. "Deze mensen kenden geen grenzen", zegt Feltens.
Net als de fotografie tonen de prints aan dat de kunstenaars 'een analytische blik op Japan hadden', zegt Feltens. Maar in tegenstelling tot de fotografen, hielden de prentmakers geen direct of indirect politiek commentaar of observaties over de Tweede Wereldoorlog.
Maar er is een verband met die oorlog, zegt Feltens. Veel prentenverzamelaars - waaronder Ken Hitch, die de Freer | Sackler een groot aantal prenten in de show leende - woonden tijdens de Amerikaanse bezetting in Japan.
Zowel printmakers als fotografen worstelden om te worden geaccepteerd als beeldende kunst in Japan, zegt Feltens. Ironisch genoeg waren prints, die bijna waren gedoofd door fotografie, de eerste die als een ware kunstvorm werden herkend, zegt hij.
"Japan Modern: Photography from the Gloria Katz and Willard Huyck Collection, " samengesteld door Carol Huh, en "Japan Modern: Prints in the Age of Photography", samengesteld door Frank Feltens, zijn beide te zien in de Smithsonian's Freer en Sackler Galleries in Washington, DC tot en met 24 januari 2019.
