Jules Feiffer prikte en vermaakte Amerikanen met zijn scherpe humor al meer dan 50 jaar door middel van tekenfilms, illustraties, toneelstukken en boeken - inclusief zijn memoires uit 2010, Backing Into Forward . Onlangs sprak hij in het Reynolds Center for American Art and Portraiture over het ongelofelijke portret van fotograaf Bob Landry van danser Fred Astaire. Feiffer werd geïnterviewd door Jesse Rhodes van het tijdschrift.
gerelateerde inhoud
- Kirk Savage op de National Mall
In je memoires refereer je naar Astaire als je goeroe. Hoe is die liefde en eerbied voor hem tot stand gekomen?
Ik was een kind van de Grote Depressie en het enige gejuich dat velen van ons in die tijd kenden, was in de vorm van populair amusement. Mensen leefden van hand tot mond en in bijna-armoedesituaties en terwijl we niet leden of honger leden of zoiets, het was geen gelukkige tijd. En de gelukkige tijden waren op het scherm of de gelukkige tijden waren op de radio of de gelukkige tijden waren, in mijn geval, de strips en later in stripboeken. Een van de gelukkigste tijden was dat mijn ouders met ons drieën naar de plaatselijke bioscoop gingen om Fred en Ginger te zien. Dat was een gedenkwaardige gelegenheid omdat het gemak en de moeiteloosheid - of schijnbare moeiteloosheid - van Astaire's dansen een vorm van opgewektheid en optimisme uitten die zichzelf als hoop communiceerde - althans voor een aanzienlijk deel van de bevolking, of althans voor mij.
Zou je zeggen dat Fred Astaire een persoonlijke held van je is?
Er waren veel persoonlijke helden, de meeste cartoonisten.
Welke cartoonisten?
Als kind was het EC Segar die Popeye schreef en tekende. Milton Caniff die Terry and the Pirates schreef en tekende. Al Capp die Lil Abner deed en later Walt Kelly die Pogo deed, Crockett Johnson die Barnaby deed. Dit waren briljante, briljante mannen die in die tijd opmerkelijk werk deden.
Wat is heroïsch aan Fred Astaire?
Ik denk dat heroïsch het verkeerde woord is. Inspireren is een veel beter woord. Hij was inspirerend. Godzijdank was hij niet heldhaftig, omdat heroïsche mensen meestal in de problemen komen - ze sturen je de oorlog in en dat soort dingen. Er waren maanden en maanden hard werken om een film te maken met slechts één doel voor ogen en dat was om iets moeilijks te doen en het er gemakkelijk uit te laten zien.
De danser als figuur is een beeld dat steeds weer in je werk opduikt. Waarom spreekt dat beeld je aan?
Het is moeilijk uit te leggen. Het is een ingewikkelde vraag en ik weet niet zeker hoe ik het eenvoudig moet beantwoorden, maar vanaf het moment dat ik met mijn Village Voice- cartoon in de jaren 50 begon, kwam moderne dans op gang en bezocht ik regelmatig die wereld en nam dans op en had vrienden die waren dansers. Ik zag de danser als een ideaal onderwerp voor het soort opmerkingen dat ik wilde maken en belichaamde alle ambivalente ambiguïteit, twijfel, zelftwijfel, zelfverwijt en al die andere gevoelens - neurotisch en niet neurotisch, politiek en niet -politieke. En ook omdat ze de hele tijd bewoog, sprong en arabesk en deed dit en deed dat en in tegenstelling tot de meeste van mijn figuren die gewoon stonden te praten. Het was dus veel leuker om haar te tekenen dan mijn andere personages.
Zie je de kunst van dans en de kunst van illustratie als gerelateerd?
Ik heb er nooit aan gedacht. Ik denk dat alles met elkaar verband houdt, maar ik heb er nooit zoveel over nagedacht.
Is je reis door het leven zoiets als Milo's in The Phantom Tollbooth geweest ?
Het enige dat ik deed was het boek illustreren. Ik had niets te maken met het schrijven ervan.
50 jaar na het doen van The Phantom Tollbooth hebben Norton Juster en ik voor de tweede keer samengewerkt in onze carrière en dat fotoboek dat door Scholastic is gepubliceerd en in de herfst uitkomt.
Je bent al meer dan 50 jaar in de media aanwezig. Is uw mening over uw werk ooit veranderd?
Allereerst is het werk altijd leuk geweest. Ik heb er altijd van genoten. De enige keer dat ik er niet van hield, was toen het niet langer een uitdaging was en de kwaliteit achteruit zou gaan. Maar toen ik manieren kon bedenken om mezelf uit te dagen, kwam het plezier terug en verbeterde het werk en wat mij het meest onder de indruk van mezelf maakte, is hoeveel beter ik leerde tekenen gedurende 50 jaar.
In je memoires open je met een regel: "Succes is niets om te niezen, maar falen biedt ook geweldige mogelijkheden." Het idee van falen is een ander thema in je werk. Wat is de waarde van mislukte ervaringen?
Vooral als Amerikaan, als ons wordt geleerd - zoals andere culturen niet leren - is falen een slechte zaak. Er is op neergekeken. Wees geen loser. We hebben allerlei negatieve opvattingen over falen en dus is de verborgen boodschap niets. Neem geen risico. Wees een brave jongen. Blijf binnen de grenzen. Blijf binnen de juiste grenzen en zo kom je niet in de problemen en faal je niet. Maar natuurlijk in de kunst en vrijwel alles wat een bevredigend leven leidt, is falen impliciet. Je probeert dingen, je valt op je gezicht, je ontdekt wat er mis is gegaan, je gaat terug en probeert ze. En wat ik hoopte te doen voor de lezers van mijn boek - vooral jonge lezers - was hen vertellen dat veel van het goede advies dat ze kregen gewoon genegeerd moest worden.
Je hebt stripverhalen, kinderboeken, toneelstukken en films gedaan. Wat is je volgende creatieve project?
Afgezien van het hebben van een paar kinderboeken om te illustreren en een die ik zojuist heb geschreven en ook zal illustreren, ben ik bezig met een boek over humor tijdens de Grote Depressie en hoe humor ons door die tijden heeft gebracht op een manier die afwezig is in deze tijden.
Jules Feiffer's 'moderne danser'. (Met dank aan Arthur Renwick en Leo Kamen Gallery / NMAI, SI) 
Feiffer sprak onlangs in het Reynolds Center for American Art and Portraiture over het portret van fotograaf Bob Landry van danser Fred Astaire. (Suzanne Dechillo / de New York Times / Redux)
