Nicholas Bell, verantwoordelijk curator bij de Renwick Gallery van het Smithsonian American Art Museum, is sinds 2009 in het museum. Hij heeft tentoonstellingen samengesteld over manden en op hout - ambacht zoals het traditioneel is bedacht - evenals op hedendaags ambacht (de tentoonstelling van het museum 2012, "40 onder 40: Craft Futures"). Hij benadrukt het belang van materialen en het idee van 'maken'. Zijn passie voor het museum, de renovatie en heropening op 13 november en de inaugurele 'Wonder'-tentoonstelling waren duidelijk toen we met hem spraken .
Van dit verhaal
Zich afvragen
KopenAllereerst, kun je ons vertellen waarom je het suggestieve woord 'wonder' hebt gekozen als titel van de inaugurele tentoonstelling van de Renwick Gallery? In de catalogus praat je over hoe het idee van verwondering " nu zo snel wordt gevolgd door weten".
Velen van ons beschouwen 'verwondering' als een beetje kinderlijk. Wat jammer is. Het heeft veel waarde om in contact te komen met dingen die u niet begrijpt - dingen die buitengewoon zijn en die ons dagelijks leven te boven gaan.
In de New York Times schreef kunstcriticus Holland Cotter onlangs over musea als 'krachtige machines voor het bewerken van geschiedenis'? Geldt dat voor de Renwick?
We openen dit gebouw voor de derde keer in drie verschillende eeuwen als kunstmuseum. Als cultuur en als samenleving maken we keuzes - we kunnen andere prioriteiten op de voorgrond plaatsen. Hoewel het gebouw in gebruik werd genomen als een kunstmuseum, werd het in gebruik genomen als een militair bevoorradingscentrum voordat het ooit daadwerkelijk als museum werd gebruikt. Dit dient om ons eraan te herinneren dat we als volk keuzes maken. Soms kiezen we tegen de kunst en soms kiezen we ervoor. De woorden boven de deur van Renwick, gebeiteld in steen, zijn "gewijd aan kunst."
In zekere zin gaat de 'Wonder'-show over het gebouw als een belangrijke ruimte om iets te komen en te ervaren. Wat het belangrijkste lijkt om te ervaren is verwondering. We hebben openbare plaatsen nodig waar we ons kunnen openstellen om ons af te vragen.
Je schrijft dat je doel was om een 'meeslepende hal van wonderen' te creëren. 'Meeslepend' is nu een kernbegrip - in films wordt 3D steeds populairder en in theater is het niet genoeg dat een publiek gewoon zit en observeert actie op een podium. En de "hal van wonderen" spreekt van de bijzaak of het carnaval, plaatsen die een duidelijk bod uitbrengen op onze aandacht.
Het is ironisch - zoveel van onze aandacht is gericht op zo'n kleine ruimte in ons leven. Wij zijn een schermgebonden cultuur. Ik heb drie kinderen jonger dan vijf. Ze hebben me hyper bewust gemaakt van hoe belangrijk het is om aandacht te besteden aan je directe omgeving. Kleine kinderen zijn ogen wijd open. Geen filters. Ze willen alles weten. Ze hebben me opnieuw geleerd hoe ik op moet letten. Het museum kan dit voor ons doen zoals een kind dat kan.
Een van de redenen waarom ik de negen kunstenaars in deze tentoonstelling heb aangescherpt, is dat ze dingen maken die heel groot zijn. Hun werk maakt je intens zelfbewust. Als we naar een museum gaan en dingen zien die klein zijn, op voetstukken - klei en glas, veel schepen - is het allemaal geweldig, maar het maakt je niet noodzakelijkerwijs bewust van je omgeving. Maar als je een galerij inloopt en een toren van indexkaarten ziet die 13 voet lang zijn, zoals je doet met het werk van Tara Donovan, krimp je bijna in relatie. Je denkt behoorlijk diep na over waar je bent.
Even belangrijk en kritisch als inspanningen als digitalisering, er is gewoon geen echte vervanging voor het persoonlijk ervaren van het kunstwerk. Ik geniet echt van het kijken naar bezoekers die elke opeenvolgende galerij binnenkomen. Ze schommelen letterlijk letterlijk op hun hielen - ogen verwijden zich, kaken vallen. Het is een fysiologisch element om deze kunstwerken tegen te komen.
Daarom moeten we naar openbare ruimtes gaan. Daarom moet dit gebouw hier zijn.
Hebben de door u gekozen kunstenaars op de een of andere manier commentaar op de permanente collectie van Renwick?
Zij doen. Het is niet noodzakelijkerwijs openlijk. Een van de redenen dat ik deze specifieke negen heb gekozen, is dat ze buitengewoon gepassioneerd zijn in het maken van dingen. Ze hebben een verhoogd gevoel om dingen te maken. Materiaal is zoveel groter dan jij. Het doemt op over jou. Door deze werken ga je nadenken over materialen in je leven en in je wereld. Ze herbevestigen de betekenis van het spul - het is waardevol om te overwegen hoe objecten in onze wereld tot stand komen.
Hoe zou u hedendaagse kunst en hedendaagse ambacht definiëren? Op welke manieren zijn ze verschillend en op welke manieren zijn ze vergelijkbaar?
Ik ben niet erg geïnteresseerd in de divisie, ik ben verdacht van een focus op de divisie. Ik neig er altijd naar de lijnen te vervagen in plaats van ze te onderscheiden. Wat er echt toe doet, zijn de mensen die dingen maken, die zich willen uiten. Ik ben niet noodzakelijkerwijs geïnteresseerd in wat mensen zichzelf noemen. Ik denk niet dat die labels veel waarde hebben.
De doe-het-zelfbeweging heeft de laatste tijd veel fantasie gegrepen. Er lijkt een nieuw respect te bestaan om dingen met je eigen twee handen te doen - beitsen, conserven, gisten. En buiten de keuken, in de technische wereld, zijn de "maker-beweging" en "maker-ruimtes" op dit moment erg au courant. De catalogus “Wonder” bespreekt het belang van materialen in het ambacht. Kun je daar wat meer over zeggen?
De interesse in vaardigheden, processen en arbeid zal doorgaan in onze toekomst als museum. Het heeft veel waarde om de hele wereld door de lens van ambacht te bekijken. Alle kunstenaars in de openingstentoonstelling zijn in wezen hedendaagse kunstenaars die zeer gepassioneerd zijn over maken en materialen. Wat hen verbindt met de geschiedenis van het ambacht.
Zijn er bijzondere interesses in de omgeving en de natuurlijke wereld onder de kunstenaars in deze show?
Ja! Hoe deze tentoonstelling tot stand kwam was: ik nodigde al deze kunstenaars uit om het gebouw te bezoeken als het leeg was. We waren verhuisd, het was versleten, de renovatie was nog niet begonnen. Ik had het nog nooit zo gezien, en het was een echte luxe om het zo te zien. De kunstenaars stelden voor wat ze wilden doen. Ik vroeg hen om naar de architectuur te kijken en na te denken over het thema verwondering. Ik heb ze geen andere criteria gegeven. Ik heb deze artiesten geselecteerd omdat ze allemaal gevoelig zijn voor ruimte, hun werk maakt je bewust van je eigen aanwezigheid.
Wat mij fascineert, is dat nogal wat van hen naar de natuur gingen als een startpunt, volledig zonder enige druk van mij: Maya Lin, werkend met het idee van de Chesapeake. John Grade, bomen. Patrick Daugherty, stokjes. Jennifer Angus, insecten. Er is heel veel de gevoeligheid van de buitenwereld als je door deze galerijen loopt. Het versterkt het idee dat musea een plek zijn die je kan helpen na te denken over de buitenwereld. Wanneer mensen naar het museum en naar deze show komen, staan ze voorover en verbaasd. Wat dit doet, is je helpen met nieuwe ogen te zien en op een andere manier over de wereld om je heen te denken.
Ik merk dat een van de evenementen die de heropening van het museum markeren, ambachtelijk bier bevat! Is dat slechts een woordspeling - ambachtelijk bier in een museum gewijd aan ambacht?
Het hele ambachtelijke brouwfenomeen is eigenlijk een van de meest zichtbare voorbeelden van bekwaam maken. Telkens wanneer u een sixpack bier koopt bij een kleine brouwerij, steunt u mensen die gepassioneerd zijn in het maken van dingen.
De Renwick Gallery, de thuisbasis van de ambachtelijke en decoratieve kunstcollecties van het Smithsonian American Art Museum, heropent vrijdag 13 november na een 2-jarige renovatie van $ 30 miljoen. De inaugurele tentoonstelling 'Wonder' bevat galerijen ter grootte van negen hedendaagse kunstenaars.
