Al op jonge leeftijd wist Jacob Lawrence dat er iets ontbrak in zijn opleiding. “Ik ben altijd geïnteresseerd geweest in geschiedenis, maar ze hebben nooit negergeschiedenis op de openbare scholen onderwezen. Soms noemden ze het in geschiedenisclubs, maar ik heb die manier van presenteren nooit leuk gevonden. Het werd nooit serieus bestudeerd zoals gewone onderwerpen, 'zei de prominente zwarte kunstenaar ooit.
Het was deze afwezigheid van zwarte verhalen en zwarte geschiedenis - en zijn verlangen dat ze als essentieel werden beschouwd voor het begrijpen van de Amerikaanse ervaring - die zijn levenswerk inspireerde: van eenvoudige scènes tot ingrijpende series, zijn kunst vertelde de verhalen van het dagelijkse leven in Harlem, verhalen over segregatie in het Zuiden, en verhalen over bevrijding, verzet en veerkracht die integraal deel uitmaakten van de Afrikaanse Amerikaanse en Amerikaanse geschiedenis.
Lawrence werd 100 jaar geleden geboren in Atlantic City op 7 september 1917. Opgevoed voor een tijd in Philadelphia, werd hij volwassen in 1930 in New York, zwaar geïnspireerd door de culturele en artistieke ethos van de Harlem Renaissance. Een aantal van zijn werken behoren tot de collecties van de Smithsonian's musea.
In een tijd waarin de reguliere kunstwereld niet openstond voor zwarte kunstenaars, dompelde Lawrence zich onder in alles wat zijn buurt te bieden had: hij trainde in de Harlem Art Workshop, studeerde onder en deelde een werkruimte met schilder Charles Alston en werd begeleid, onder anderen, door beeldhouwer Augusta Savage, die hem hielp werk te vinden via het WPA Federal Art Project.
"Hij was een rustig persoon die luisterde, keek, toekeek, alles opnam wat er om hem heen gebeurde", aldus Virginia Mecklenburg, hoofdconservator van het Smithsonian American Art Museum, de thuisbasis van bijna een dozijn werken van Lawrence.
Jacob Lawrence door Alfredo Valence, 1957 (Archives of American Art) De onderwerpen en stijl van Lawrence waren bewuste, gewetensvolle keuzes. Hij vormde zijn praktijk in een periode waarin zwarte kunstenaars hun rol en verantwoordelijkheid bij het weergeven van de Afro-Amerikaanse geschiedenis en het hedendaagse leven zorgvuldig overdenken.
In Harlem werd Lawrence omringd en opgeleid door progressieve kunstenaars die 'de historische rebellen bewonderden die revolutionaire strijd hadden bepleit om de zaak van de onderdrukten te bevorderen', schrijft kunsthistorica Patricia Hill in haar boek Painting Harlem Modern: The Art of Jacob Lawrence . Van hen werd hij geïnspireerd om historische epische verhalen te vertellen rond grote figuren, die allemaal ooit tot slaaf zijn gemaakt. Zijn vroege serie vertelde de verhalen van Toussaint L'Ouverture (1938), die de strijd voor de onafhankelijkheid van Haïti leidde, Frederick Douglass (1939), de grote abolitionist en staatsman, en Harriet Tubman (voltooid 1940), de gevierde dirigent van de Underground Railroad .
En hoe hij die verhalen vertelde, deed er evenzeer toe als ervoor kiezen om ze te vertellen. Gedurende zijn carrière schilderde Lawrence met levendige en gewaagde kleuren en bleef hij toegewijd aan een expressieve figuratieve stijl, die zich leende voor visuele vertelling. Jacquelyn Serwer, hoofdconservator van het National Museum of African American History and Culture, waarin Lawrence's Dixie Café (1948) te zien is in de tentoonstelling 'Visual Art and the American Experience', zegt dat hij ervoor wilde zorgen 'dat belangrijke aspecten van de Afro-Amerikaanse geschiedenis gedocumenteerd op een manier die door een zeer breed publiek kan worden gewaardeerd en begrepen. 'Als hij zich te dicht aansloot bij de modernistische, abstracte trends van het midden van de 20e eeuw, riskeerde hij het beperken van degenen die verbinding konden maken met zijn kunst. Zeker, "de toewijding aan figuratie was een politieke, " zegt Evelyn Hankins, senior curator van het Hirshhorn Museum en de Beeldentuin, die Lawrence's Vaudeville (1951) tot zijn collecties rekent.
Voor zijn meest gerenommeerde werk wendde Lawrence zich tot een gebeurtenis die zijn eigen leven had bepaald. De zoon van ouders die verhuisden tijdens de Grote Migratie - toen miljoenen Afro-Amerikanen de Jim Crow South ontvluchtten om een beter leven te zoeken in het noorden en het westen - schilderde hij de verhalen die hem waren verteld. Over 60 panelen toonde hij, en spelde in de titels, het harde raciale onrecht en de economische moeilijkheden waarmee Afrikaanse Amerikanen in het Zuiden werden geconfronteerd en de kansen die hen naar plaatsen van grotere hoop brachten.
De Phillips Memorial Gallery (nu bekend als de Phillips-collectie) en het Museum of Modern Art (MOMA) kochten de Migration Series (1941) het jaar na de voltooiing ervan. Terwijl elk museum de helft van de serie voor hun permanente collecties nam - het verdeelde door even en oneven genummerde panelen - is de volledige serie een aantal keren tentoongesteld, het meest recent in 2016 bij de Phillips Collection. Lawrence had niet alleen een groot persoonlijk succes behaald op 24-jarige leeftijd, de verkoop was ook om een andere reden belangrijk: het was de eerste keer dat MOMA kunstwerken van een Afro-Amerikaanse kunstenaar had gekocht.
The Library, 1960 (geschenk van SC Johnson & Son, Inc., SAAM) Veel van zijn wonderlijke output was in genreschilderijen en in de weergave van dagelijkse scènes; hij tekende wat hij wist uit zijn leven in Harlem. Een voorbeeld, The Library (1960), toont enkele zwarte figuren die boeken lezen die verwijzen naar Afrikaanse kunstwerken. Curatoren speculeren dat de leeszaal 'misschien de 135th Street Library toont - nu het Schomburg Centre for Research in Black Culture - waar de eerste belangrijke verzameling Afro-Amerikaanse literatuur, geschiedenis en prenten van het land werd geopend in 1925.' In die bibliotheek bracht Lawrence uren onderzoek naar zijn historische epische verhalen over zwarte geschiedenis en erfgoed. Bij het schilderen van deze scène bracht hij de ontdekking en het leren onder de aandacht van de Renaissance van Harlem.
Als de bibliotheek een weergave biedt van een vergelijkende oase in het noorden, illustreert een blik op Lawrence's Bar and Grill (1941) een gevoel van de grimmige realiteit in het zuiden. De kunstenaar bezocht de regio voor het eerst toen hij en zijn vrouw, collega-kunstenaar Gwendolyn Knight, in 1941 naar New Orleans reisden. Hoewel hij Jim Crow segregatie in zijn Migration Series had afgebeeld, liet de persoonlijke blootstelling aan de strenge zuidelijke wetten Lawrence wankelen en hij ging de ervaring in een aantal werken onderzoeken.
Bar en Grill benadrukken de kunstmatige barrière tussen de twee races en laten duidelijk de valsheid zien van gescheiden maar gelijk: de witte klanten worden comfortabel en koel aan hun zijde gehouden, verzorgd door de barman, terwijl de zwarte klanten naar minder worden gedegradeerd ruim, over het hoofd gezien gedeelte, symbolisch voor hun tweederangs status in het zuiden.
Bar and Grill, 1941 (Legaat van Henry Ward Ranger via de National Academy of Design) De Tweede Wereldoorlog bracht Lawrence opnieuw in nauw contact met zuidelijk racisme: opgesteld in de kustwacht in 1943, trainde hij in St. Augustine, Florida. Hij werd later toegewezen aan het eerste geïntegreerde schip van de marine, waar hij kon schilderen als onderdeel van zijn inzet.
Lawrence en Knight zouden later in 1946 terugkeren naar het zuiden, waar hij een zomercursus gaf aan Black Mountain College, een school voor vrije kunsten in North Carolina. Daar uitgenodigd door de hoofdinstructeur, de Duitse abstracte kunstenaar Josef Albers, stuurden hij en Gwendolyn uit de buurt van Asheville, zich bewust van het racisme dat ze daar zouden kunnen tegenkomen. Op hun reis naar beneden reserveerde Albers zelfs een privé-treinauto voor het paar om te voorkomen dat ze de "vernederende overstap van geïntegreerde treinwagons naar Jim Crow-auto's moesten maken zodra ze de Mason-Dixon-lijn passeerden."
Na historische bevrijdingsstrijd gedocumenteerd te hebben, draaide Lawrence zich al snel om de hedendaagse burgerrechtenbeweging te verkennen. Zoals kunsthistoricus Ellen Harkins Wheat schreef: “reageren op dit tijdperk van onrust en anti-oorlogse opschudding. . . Lawrence produceerde een oeuvre dat zijn meest openlijke sociale protest manifesteert. ”Betrokken bij fondsenwerving voor de Student Geweldloze Coördinatiecommissie (SNCC), schilderde Lawrence scènes van counter sit-ins, vrijheid renners en demonstranten botsen met de politie.
Gedurende zijn zes decennia als praktiserend schilder, beïnvloedde Lawrence een aantal andere kunstenaars. Hij begon les te geven aan het Pratt Institute in 1956 en toen de Lawrences begin jaren 60 in Nigeria woonden, bood hij workshops aan jonge kunstenaars in Lagos. Na stints te hebben gegeven aan de New School, Art Students League en Brandeis University, was zijn laatste verhuizing naar Seattle in 1971 voor een hoogleraarschap aan de Universiteit van Washington. De gevierde carrière van Lawrence was gevuld met verdere mijlpalen: hij was een vertegenwoordiger voor de Verenigde Staten op de Biënnale van Venetië in 1956 en hij ontving zowel de NAACP's Spingarn-medaille in 1970 als de National Medal of Arts in 1990. Tot zijn dood in 2000 bleef hij schilder en exposeer zijn werk, zelfs gedurende een korte periode doorgebracht in een psychiatrische instelling om te herstellen van stress en uitputting.
Een eeuw na zijn geboorte blijft zijn werk relevant en resonerend, dankzij zijn opmerkelijke verhalen. “De menselijke dimensie in zijn kunst doet mensen die geen interesse hebben in kunst, of geen ervaring hebben met, of echte kennis van kunst, kijken naar het werk van Lawrence en. . . zie verhalen die ze in hun eigen leven konden vinden ', zegt Mecklenburg.
