Luister goed naar een verre dreun: 100 jaar geleden, op 29 mei 1913, explodeerde de schok van het nieuwe in een theater in Parijs toen Diaghilev's Ballets Russes Stravinsky's Rite of Spring uitvoerden . Het bedekte en met juwelen getooide publiek in het Theater des Champs-Elysees barstte los bij de folk-achtige dansen en discordante muziek waarmee ze geconfronteerd werden. In plaats van de gratie en traditie van balletten als het Zwanenmeer van Tchaikovsky , lanceerde Spring's onsamenhangende choreografie en Russische heidense setting een koor van boos dat in vechtpartijen veranderde: waar liep al die voet over? Waar waren de tutu's van traditie? Tot verbazing en ontsteltenis van het publiek was het 'modernisme' net aangekomen met een gigantische bekkenslag.
Serge Diaghilev en Igor Stravinsky wilden deze voorstelling gebruiken als een proclamatie van het modernisme - een spektakel gericht op het doorbreken van traditionele grenzen in kunst, muziek en dans om iets totaal nieuws en innovatiefs te presenteren. Het idee van dance-as-spectacle is iets dat me heeft geïntrigeerd, want ik heb een Portrait Gallery-tentoonstelling over dance georganiseerd in Amerika, die 4 oktober werd geopend. Zonder rellen te stimuleren, heeft spektakel een bepalende rol gespeeld in de dans van Ziegfeld's Follies tot Beyonce's toneelvoorstellingen; publiek wordt altijd geklonken door veren, pailletten en mooie bewegingen. Zoals componist-tekstschrijvers Kander en Ebb in het themanummer 'Razzle Dazzle' van Chicago schreven : 'Geef ze een act met veel flash erin / en de reactie zal gepassioneerd zijn.'
Igor Stravinsky door Alvin Langdon Coburn. Gelatine zilverdruk, 1921 (Foto met dank aan de National Portrait Gallery) Ik ben graag verblind. En als een verstokte culturele ontdekkingsreiziger ben ik altijd op zoek naar de "wow" -factor - dat magische ding dat je ogen doet knallen. In de podiumkunsten kan het een show-stopmoment op het podium of scherm zijn, een prachtige sprong van de danser in de ozonlaag of een spannende stem die je buiten adem houdt. Dit zijn kristallijne momenten die je psyche voor altijd kenmerken.
De laatste tijd ben ik verbluft door een paar buitengewone uitvoeringen - een concert van het Philadelphia Orchestra onder hun opwindende nieuwe dirigent, Yannick Nézet-Séguin, en een Kennedy Center Gala-uitvoering van My Fair Lady waarin Jonathan Pryce en Laura Michelle Kelly je hebben gemaakt denken dat ze voor het eerst de rollen van professor Higgins en Eliza creëerden.
Maar ik ben ook verblind door een megatentoonstelling die net is geopend in de National Gallery of Art: "Diaghilev and the Ballets Russes, 1909-1929: When Art Danced with Music." Baz Luhrmann heeft misschien veel glamour en glitter in zijn nieuwe 3D-versie van The Great Gatsby, maar de Gallery heeft de glinsterende wereld van Diaghilev gecreëerd in een weelderige weergave van het echte werk - de kunst, muziek, dans en kostuums die de "zoektocht naar het nieuwe" een eeuw geleden uitdrukten . Zoals de curator van de tentoonstelling Sarah Kennel uitlegt, wilde Diaghilev 'nooit op zijn lauweren rusten. Hij was altijd aan het innoveren en opnieuw ontwerpen. "
Michel Fokine van Clara Sipprell. Gelatine zilverdruk, 1923, legaat van Phyllis Fenner (National Portrait Gallery) Een samenwerking tussen de National Gallery of Art en het Victoria and Albert Museum. De tentoonstelling is voor het eerst geopend in Londen in 2010. De tentoonstelling is een hybride van die show, met 80 werken uit de V & A-collectie en ongeveer 50 nieuwe objecten. "Diaghilev" toont de verbazingwekkende artistieke partnerschappen die zijn gesmeed door het Russische impresario, en belicht componisten als Stravinsky, Prokofiev en Satie, en kunstenaars zoals Bakst, Picasso en Matisse. Twee grote Diaghilev-choreografen - Michel Fokine, die de eerste jaren met hem samenwerkte, en George Balanchine, die aan het einde van het leven van de Ballets Russes samenwerkte - zou naar de VS emigreren; Fokine richtte een balletschool op in New York, en Balanchine zou een iconische impact hebben op de Amerikaanse dans, zowel op Broadway als in ballet.
Pablo Picasso kostuum voor de Chinese Conjuror uit Parade, c. 1917 (© Victoria and Albert Museum, Londen) De vijf grote tentoonstellingssecties zijn chronologisch georganiseerd en vertellen het verhaal van Diaghilev's carrière: 'The First Seasons', 'Vaslav Nijinsky — Dancer and Choreographer', 'The Russian Avant-Garde', 'The International Avant-Garde' en 'Modernism, Neoklassiek en surrealisme. ”Er is ook een fascinerende audiovisuele component met zeldzame beelden van de Ballets Russes en Nijinsky, Rudolf Nureyev die optreden in Afternoon of a Faun en Mikhail Baryshnikov die The Prodigal Son danst .
Dertig jaar geleden zou deze fantastische tentoonstelling een 'kaskraker' worden genoemd. In de hedendaagse museumtaal is dat woord uit de gratie: blockbusters vielen op een gegeven moment in het vizier van kritische harrumphing en de hedendaagse museumwereld is vaak voorstander van een reductionistische afhankelijkheid van grijze muren en grijze vloerbedekking in plaats van flamboyantere benaderingen. Als iemand die begon in het blockbuster-tijdperk, vind ik het gebrek aan verblinding vandaag een verontrustende opmerking over hoe ver musea afstand hebben genomen van een publiek dat hongerde naar inspiratie.
Henri Matisse Costume for a Mourner from The Song of the Nightingale, 1920 wolvilt en fluweel overall (V&A, Londen) Maar de tentoonstelling Diaghilev liet me glimlachen op het moment dat ik de omhelzing binnenliep: van het geparelde Boris Godunov- kostuum dat Chaliapin droeg in 1908 tot het gigantische toneelgordijn van The Blue Train (1924) , de Diaghilev-show is een herinnering aan wat tentoonstellingen kunnen zijn.
Mark Leithauser is hoofd van het ontwerp en senior curator bij de National Gallery of Art, en hier heeft hij een enorme wereld van wow gecreëerd. Verantwoordelijk voor het ontwerpen van veel van de historische shows van dat museum, sprak hij met me over hoe het begrip "blockbuster" echt niet over de grootte gaat: het gaat over een fenomeen. De eerste kaskraker, "King Tut", had slechts 52 objecten. Toen het in 1976 in de Gallery werd geopend, stonden mensen uren in de rij. Regisseur J. Carter Brown zei dat de show populair was vanwege de 'pure visuele kwaliteit' en de 'adembenemende ouderdom' van de objecten, samen met het sensationele gevoel op een schattenjacht te zijn. Aan de andere kant had “Treasure Houses of Britain” in 1985 meer dan duizend objecten en hielp het om “grootheid” te verbinden met het populaire idee van kaskraker.
Leithauser is ervan overtuigd dat een tentoonstelling geworteld moet zijn in het vertellen van verhalen. In 'Treasure Houses' ging het verhaal over 500 jaar verzamelen in Groot-Brittannië, maar het ging ook over 500 jaar architecturale transformatie in het Britse landhuis - een transformatie die werd opgeroepen in de architecturale scènes en de omgeving die in de tentoonstelling werd gecreëerd.
Serge Diaghilev (© Victoria and Albert Museum, Londen) Voor de Diaghilev-show zei Leithauser dat het ontwerp even theatraal moest zijn als het verhaal - de installatie moest een theatrale ervaring creëren die de wereld van Diaghilev omvatte. De waarheid is volgens Leithauser dat tentoonstellingen 'moeten zijn wat ze zijn'.
Het vermogen van de ontwerper om het podium zo briljant te plaatsen, stelt bezoekers in staat om de artistieke samenwerkingen van Diaghilev zowel intellectueel als visceraal te begrijpen. Leithauser is een showman die spektakel waardeert: duimen omhoog voor verblindend verblinden!
