Het werk van Diane Arbus was opgenomen in slechts een handvol museumtentoonstellingen voordat ze op eigen leeftijd op 48-jarige leeftijd in 1971 stierf. Toch had ze al bekendheid verworven met een reeks onvergetelijke beelden - een 'Joodse reus' die opdoemt over zijn bebrilde ouders, een ouder echtpaar naakt in een hut voor nudistenkamp, een grijnzende jongen die een speelgoedhandgranaat vasthoudt - die onze diepste angsten en de meeste privéwensen lijken te weerspiegelen.
De eerste grote overzichtstentoonstelling van Arbus 'werk werd gehouden in 1972, een jaar na haar dood, in het Museum of Modern Art (MOMA) in New York City, waar ze het grootste deel van haar leven woonde. De show trok enorme menigten en lof voor de menselijkheid en formele schoonheid van haar werk. Maar sommigen vonden haar beelden verontrustend, zelfs afstotelijk: criticus Susan Sontag bijvoorbeeld noemde haar portretten van 'diverse monsters en gevallen aan de grens. . . . anti-humanist. ”Arbus 'werk, schreef Sontag, “ toont mensen die zielig, zielig en weerzinwekkend zijn, maar het wekt geen medelevende gevoelens op. ”
Vandaag is Arbus, die ooit zei dat haar foto's 'de ruimte wilden vastleggen tussen wie iemand is en wie ze denken te zijn', een van Amerika's bekendste fotografen en een van de meest controversiële geworden. Maar haar prestaties als kunstenaar zijn enigszins overschaduwd door haar zelfmoord en door de verontrustende vreemdheid die opwelt in haar foto's. Beroemd als een "fotograaf van freaks", wordt ze zelf beschouwd als iets van een freak.
Nu debatteert een nieuwe generatie kijkers en critici over de betekenis en het belang van de fascinerende, verontrustende beelden van Arbus, dankzij "Diane Arbus Revelations", een tentoonstelling van bijna 200 van haar foto's te zien in het Los Angeles County Museum of Art tot mei 31. Het eerste Arbus-retrospectief sinds de MOMAshow van 1972, 'Revelations' plaatst haar in het centrum van de 20e-eeuwse Amerikaanse fotografie.
"Arbus casten in de rol van een tragische figuur die zich identificeert met freaks, is haar verwezenlijking bagatelliseren", zegt Sandra S. Phillips, senior conservator fotografie bij het San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), waar de show is ontstaan. "Ze was een geweldige humanistische fotograaf die voorop liep in wat erkend is als een nieuw soort fotografische kunst."
De tentoonstelling heeft al sterke kritische reacties opgeroepen. San Francisco Chronicle kunstcriticus Kenneth Baker prees het werk van Arbus om zijn intelligentie en compassie, en Arthur Lubow, die in het New York Times Magazine schreef, noemde haar 'een van de machtigste Amerikaanse kunstenaars van de 20e eeuw'. Maar anderen hebben haar afgewezen als schuldig en morbide. "Arbus is een van die sluwe bohemiens, " schreef Jed Perl van The New Republic, "die de excentriciteiten van anderen vieren en ondertussen hun eigen narcistische pessimistische kijk op de wereld verheerlijken."
De meningen zullen waarschijnlijk nog dieper worden verdeeld als de show door het land beweegt - naast het Museum of Fine Arts in Houston (27 juni-29 augustus) en vervolgens naar het Metropolitan Museum of Art in New York City (1 maart-29 mei), 2005). Extra locaties zijn het Museum Folkwang in Essen, Duitsland, het Victoria and AlbertMuseum in Londen en het WalkerArtCenter in Minneapolis.
Jeff Rosenheim, de geassocieerde conservator van fotografie van Metropolitan, is van mening dat de foto's van Arbus provocerend blijven omdat ze verontrustende vragen oproepen over de relatie tussen fotograaf, onderwerp en publiek. "Haar werk impliceert u en de ethiek van visie zelf, " zegt hij. “Onze licentie om die ervaring te hebben met het bekijken van een andere persoon is veranderd en uitgedaagd, ondersteund en verrijkt. Ik ben er vast van overtuigd dat dit misschien wel de belangrijkste fotografie-tentoonstelling voor één kunstenaar is die ons museum ooit zal doen. "
Tot voor kort omringde mysterie veel van de details van het leven en werk van Arbus. Decennia lang weigerde haar nalatenschap mee te werken aan elke poging om een Arbus-biografie te schrijven en liet het publiek slechts een klein deel van haar werk zien. Dit alles is veranderd met de nieuwe tentoonstelling, die werd ontwikkeld met de medewerking van het landgoed en zijn beheerder, Doon Arbus, de oudste van de twee dochters van Arbus. De show omvat niet alleen de beroemdste foto's van Arbus, maar ook vroege foto's en volwassen werk dat nog nooit eerder is tentoongesteld. Bovendien geven displays van haar boeken, camera's, brieven en werkboekjes een krachtig gevoel van de persoonlijkheid van de fotograaf weer - grillig, intelligent en eindeloos nieuwsgierig.
"Dit is een nieuwe kijk op Arbus, volgens haar eigen woorden", zegt onafhankelijk curator Elisabeth Sussman, die de retrospectieve organiseerde met Phillips van SFMOMA. "Ze was extreem slim en geestig en ongelooflijk scherpzinnig, en de foto's maken daar slechts een deel van uit."
De tentoonstellingscatalogus, Diane Arbus Revelations (Random House), biedt niet alleen de meest complete selectie van Arbus-afbeeldingen die ooit tussen covers zijn geplaatst, maar ook een fascinerende 104-pagina geïllustreerde chronologie van het leven van Arbus, bezaaid met fragmenten uit haar brieven en andere geschriften. De chronologie, samengesteld door Sussman en Doon Arbus, is in feite de eerste geautoriseerde biografie van de fotograaf en de eerste die op haar papieren kan tekenen.
Arbus werd geboren als Diane Nemerov in 1923. Haar moeder, Gertrude, koos de naam van haar dochter en noemde het 'Dee- Ann'. Talent was overvloedig aanwezig in de familie Nemerov, een rijke clan uit New York die Russek's runde, een trendy warenhuis op Fifth Avenue. De oudere broer van Diane was Howard Nemerov, een Pulitzer Prize-winnende dichter die in 1988 de Amerikaanse dichter laureate werd genoemd. Haar jongere zus, Renée Sparkia, werd beeldhouwer en ontwerper. Nadat hij zich had teruggetrokken uit Russek, begon zijn vader, David Nemerov, een tweede, succesvolle carrière als schilder.
De artistieke en literaire gaven van Diane waren al vroeg zichtbaar. Haar vader moedigde haar aan om schilder te worden en ze studeerde kunst op de middelbare school. Op 14-jarige leeftijd werd ze verliefd op Allan Arbus, de 19-jarige neef van een van de zakenpartners van haar vader. Haar ouders keurden haar verliefdheid af, maar de romantiek bloeide in het geheim. Al snel verloor Diane haar interesse in schilderen en studeren, en zei ze dat haar enige ambitie was om Allan's vrouw te worden. "Ik haatte het schilderen en ik stopte meteen na de middelbare school omdat me voortdurend werd verteld hoe geweldig ik was", zei ze vele jaren later. "Ik had het gevoel dat het niet de moeite waard was als ik er zo geweldig in was."
Diane en Allan trouwden zodra ze 18 werd, in 1941, met de wrok van haar familie. Het echtpaar streefde een gedeelde interesse in fotografie na en veranderde de badkamer van hun appartement in Manhattan in een parttime donkere kamer. David Nemerov gaf hun werk fotografische foto's maken voor advertenties van Russek.
Tijdens de Tweede Wereldoorlog diende Allan als militair fotograaf. Een van de vroegste foto's in de show 'Revelations' is een zelfportret uit 1945 dat Diane voor Allan maakte terwijl hij in het leger zat. Hoewel ze zwanger is van Doon, die later dat jaar zou worden geboren, is ze op de foto nog steeds slank en heel mooi, met donkere ogen en een weemoedige, buitenaardse sfeer.
Na de oorlog nam de carrière van de Arbuses als commerciële fotografen een vlucht en al snel werkten ze voor damesbladen en reclamebureaus. Meestal maakte Allan de foto's terwijl Diane met slimme ideeën en rekwisieten kwam. Diane zorgde ook voor Doon en hun tweede dochter, Amy, geboren in 1954. (Doon, nu 59, werd een schrijver, werkte aan verschillende tijdschriftprojecten met haar moeder en publiceerde later twee boeken met fotograaf Richard Avedon. Amy volgde in haar moeder's voetstappen en werd een fotograaf.)
Een foto die Allan en Diane voor het tijdschrift Vogue maakten van een vader en zoon die een krant lazen, was opgenomen in de populaire 'The Family of Man'-show van het Museum of Modern Art in 1955. Maar beiden voelden zich gefrustreerd door de beperkingen en stress van de mode werk. Diane wilde kunstenaar worden, niet alleen stylist, terwijl Allan ervan droomde acteur te worden. Hun groeiende ontevredenheid zette hun huwelijk onder druk. Dat deden de depressieve afleveringen die Diane leed, vergelijkbaar met de wanhoop die haar moeder periodiek had verlamd. In 1956 stopte Diane met het bedrijf om zelf foto's te maken. Allan bleef werken onder de naam Diane & Allan Arbus, terwijl hij acteerlessen volgde en een carrière in het theater begon.
Hoewel tijdschriften als Life, Look en de Saturday Evening Post een bloeiende markt voor fotografie hadden gecreëerd, was er weinig belangstelling voor foto's met als enig doel een kunstwerk te zijn, in plaats van sociale realiteit te documenteren of producten te verkopen. Desondanks volgden Robert Frank, William Klein en andere vluchtelingen uit de modewereld hun eigen visie op wat fotografie zou kunnen zijn, en een favoriete benadering was straatfotografie, die onverwachte schoonheid en betekenis ontdekte bij gewone mensen en plaatsen.
Verschillende vroege foto's van Diane Arbus in de huidige tentoonstelling laten zien hoe ze haar eigen versie van straatfotografie uitprobeert. Maar ze had haar onderwerp nog niet gevonden. Een keerpunt kwam toen ze een les volgde bij de in Wenen geboren fotograaf Lisette Model aan de NewSchool in New York City.
"Ze kwam naar me toe en zei: 'Ik kan niet fotograferen', " vertelde Model later aan Doon Arbus. "En ik zei: 'Waarom niet?' En ze zei: 'Omdat ik niet kan fotograferen.' ”Model zei tegen Diane dat ze naar huis moest gaan om erachter te komen waar ze echt foto's van wilde maken. "En de volgende sessie kwam ze naar me toe en zei: 'Ik wil fotograferen wat slecht is.' En dat was het, 'zei Model.
"Ik denk dat wat ze bedoelde niet was dat het slecht was, maar dat het verboden was, dat het altijd te gevaarlijk, te beangstigend of te lelijk was geweest voor iemand anders om naar te kijken, " schreef Doon in een herinnering kort na haar gepubliceerd moeders dood. "Ze was vastbesloten om te onthullen wat anderen was geleerd om de rug toe te keren."
Gefascineerd door het nemen van risico's, had Diane de levenskunst van New York City over de rand van geld, sociale status en seksuele vrijheid al lang omarmd. Nu achtervolgde ze dezelfde sensatie in haar foto's. "Ik dacht altijd dat fotografie een stout ding was om te doen - dat was een van mijn favoriete dingen, en toen ik het voor het eerst deed, voelde ik me erg pervers, " herinnerde ze zich later. Model had vaak foto's gemaakt van de mooiere delen van de stad, waaronder Coney Island en Hubert's Museum, een bijzaak op Times Square. Arbus ging zelfs nog verder en verkende waxmusea, danshallen en flophouses. "Mijn favoriete ding", wordt Arbus vaak geciteerd, "is om te gaan waar ik nog nooit ben geweest."
We zien een glimp van haar allesetende gevoeligheid in de weergave van persoonlijk materiaal in de tentoonstelling. Er zijn goedbeduimelde kunstboeken (over Delacroix, Picasso, Berenice Abbott, El Greco) en teksten zowel zwaar (filosofische essays van Schopenhauer) als hip (Allen Ginsberg's epische gedicht Howl ) naast ideeënlijsten voor projecten ("seance, zigeuners, tatoeage, opera opening backstage "), collecties krantenknipsels (" Woman Tortured by Agonizing ITCH ") en aandenkens van vreemde karakters (de 942-pond" Human Blimp "). Arecreation van een van haar prikborden combineert haar eigen foto's (van een drieogige circusfreak en zijn vrouw, van een mooi meisje en haar moeder) met ansichtkaarten, snapshots, tabloidfoto's (een onverpakte mummie, een grommende J. Edgar Hoover) en een paneel gescheurd door een komische waarschuwing "Orphan Annie": "De beste dingen die overdreven zijn, zijn verkeerd."
In 1959 gingen de Arbuses uit elkaar en verhuisde Diane met hun twee dochters naar een klein koetshuis in Greenwich Village. Haar nieuwe situatie en haar vastberadenheid om onafhankelijk te zijn, zorgden voor druk op haar om meer inkomsten te genereren. Gelukkig gingen er nieuwe kansen open. Sommige tijdschriften begonnen met het publiceren van een meer persoonlijk, nieuw journalistiek merk dat een nieuw, bewust kunstzinnig soort fotografie nodig had om het aan te vullen. In de herfst van 1959 verkreeg Diane haar eerste tijdschriftopdracht, een foto-essay over New York City voor Esquire met portretten van een excentrieke Skid Row, een bijzaak performer bekend als de Jungle Creep, een jonge socialite en een anoniem lijk.
De foto's hadden echter niet het onderscheidende scherpe uiterlijk dat we doorgaans associëren met Arbus. In de jaren 1950 en vroege jaren '60 gebruikte ze een 35-millimeter camera en natuurlijk licht, en haar werk uit die periode toonde de invloed van Model, Robert Frank en andere beoefenaars van straatfotografie. Net als zij gaf ze de voorkeur aan wazige oppervlakken en korrelige structuren, ver weg van het nette uiterlijk van reguliere commerciële foto's.
Toen, ergens rond 1962, schakelde ze over op een 2 1/4 formaat camera, waardoor ze scherpere beelden met briljante details kon maken. Beschrijvend deze verschuiving jaren later, herinnerde ze zich dat ze moe was geworden van korrelige texturen en wilde "het verschil zien tussen vlees en materiaal, de dichtheden van verschillende soorten dingen: lucht en water en glanzend." Ze voegde eraan toe: "Ik begon word vreselijk gehyped op helderheid. "
Deze verschuiving was ook niet alleen een kwestie van cameragrootte of belichtingskeuzes (ze voegde later een stroboscoopflits toe). Arbus maakte meer en meer een intense relatie met de mensen die ze fotografeerde over het onderwerp van haar werk - haar nieuwsgierigheid naar de details van hun leven, hun bereidheid om hun geheimen te delen en het opwindende ongemak dat ze voelde tijdens deze ontmoetingen. "Ze zou mensen kunnen hypnotiseren, ik zweer het, " zegt collega-fotograaf Joel Meyerowitz in de ongeoorloofde biografie van Arbus uit 1984 van Patricia Bosworth. "Ze zou met hen beginnen te praten en ze zouden net zo gefascineerd zijn als zij." Dit gevoel van wederkerigheid is een van de meest opvallende en originele dingen aan de foto's van Arbus, waardoor ze even helder en scherp worden psychologisch als fotografisch.
Arbus, een lezer van Freud, Nietzsche en James Frazer's verhandeling over religie en mythologie, The Golden Bough, zag de circusartiesten, excentrieken, dwergen en travestieten die ze fotografeerde als fascinerende real-life personages en als mythische figuren. Via hen vond ze haar weg naar nog meer mensen en plaatsen, ver van haar eigen achtergrond. "Ik heb geleerd om langs de deur te komen, van buiten naar binnen, " schreef ze in een fellowship-aanvraag uit 1965. “Het ene milieu leidt naar het andere. Ik wil kunnen volgen. ”
Haar intelligentie en elfachtige schoonheid bleken waardevolle troeven. En haar opgewonden waardering van wie haar als buitengewoon opviel, stond haar toe om toegang te krijgen tot het boudoir van een vrouwelijke imitator, de hotelkamer van een dwerg en talloze andere plaatsen die gesloten zouden zijn geweest voor een minder persistente, minder aantrekkelijke fotograaf. Als ze eenmaal toestemming heeft gekregen om foto's te maken, kan ze uren, zelfs dagen doorbrengen met het fotograferen van haar onderwerpen opnieuw en opnieuw en opnieuw.
Haar onderwerpen werden vaak medewerkers in het creatieproces, soms gedurende vele jaren. De Mexicaanse dwerg die ze in 1960 in een hotelkamer fotografeerde, stond bijvoorbeeld tien jaar later nog steeds op haar foto's. En ze fotografeerde eerst Eddie Carmel, die ze de Joodse reus noemde, met zijn ouders in 1960, tien jaar voordat ze eindelijk het portret vastlegde waarnaar ze op zoek was.
Toen Arbus in 1967 naar San Francisco ging, stelde fotograaf Edmund Shea haar voor aan een paar "hippie-kuikens" die als topless dansers werkten. Hij was niet verrast dat Arbus hen kon overtuigen om voor haar te poseren. “Sommige mensen beschouwen haar graag als cynisch. Dat is een totale misvatting, zegt hij. “Ze was erg emotioneel open. Ze was heel intens en direct, en daar hadden mensen mee te maken. 'Arbus zelf had gemengde gevoelens over haar vermogen om onderwerpen uit te tekenen. "Soort twee gezichten" is hoe ze zichzelf ooit beschreef: "Ik hoor mezelf zeggen: 'Hoe geweldig.' . . . Ik bedoel niet dat ik wou dat ik er zo uitzag. Ik bedoel niet dat ik wou dat mijn kinderen er zo uitzagen. Ik bedoel niet dat ik je in mijn privéleven wil kussen. Maar ik bedoel, dat is verbazingwekkend, onmiskenbaar iets. ”
Sinds enkele jaren bleken de opvallende foto's van Arbus populair bij redacteuren van tijdschriften. Na dat eerste Esquire- foto-essay publiceerde ze meer dan 250 foto's in Harper's Bazaar, het Sunday Times Magazine van Londen en meer dan een dozijn andere tijdschriften, en genereerde ze honderden extra foto's die werden toegewezen maar niet werden gepubliceerd. Ze deed ook een klein aantal particuliere commissies, waarvan er één de basis vormt van een kleinere Arbus-tentoonstelling die dit jaar en het volgende ook door het land reist. Met de titel 'Diane Arbus: Family Albums', ontstond de show in het Mount Holyoke College Art Museum in Massachusetts en presenteert een aantal van Arbus 'tijdschriftportretten van beroemdheden samen met de volledige contactbladen van een nieuw ontdekte fotosessie met een familie uit Manhattan. De run van de show omvat stops in Maine, Oregon en Kansas.
Hoewel Arbus veel van haar fotografie-fotografie beschouwde als louter het betalen-van-de-rekeningen-werk, overtuigde ze tijdschrifteditors vaak om te helpen bij het financieren en verkrijgen van toegang voor haar artistieke projecten. Sommige van haar meest persoonlijke, bekendste foto's, bijvoorbeeld het portret uit 1970 van de koning en de koningin van de dans van een bejaarde, verschenen voor het eerst in tijdschriften met grote oplage. Tegelijkertijd begon de kunstwereld te erkennen dat de foto's van Arbus meer waren dan slimme tijdschriftjournalistiek. In 1967 werden 32 van haar foto's gekozen door MOMA voor de tentoonstelling 'Nieuwe documenten'. De show omvatte ook werk van twee andere belangrijke jonge fotografen, Lee Friedlander en Garry Winogrand, maar Arbus trok de meeste aandacht. Het tijdschrift New York noemde haar werk 'brutaal, gedurfd en onthullend' en Newsweek schreef haar 'de scherpe kristalheldere gulle visie van een dichter' toe. Maar criticus Jacob Deschin van de New York Times schreef dat haar werk soms. . . grenzen dicht bij slechte smaak, "en andere kijkers vonden haar foto's irritant.
"Ik herinner me dat ik naar 'Nieuwe documenten' ging toen ik op de universiteit zat en een man op haar werk zag spugen, " zegt Phillips van SFMOMA. “Mensen hadden nog geen eenduidig beeld gezien van een man in krulspelden met lange nagels die een sigaret rookte, en op dat moment leek het confronterend. Nu, op deze afstand in de tijd, lijkt het eerder elegisch en empathisch dan bedreigend. ”Arbus vond de aandacht moeilijk om mee om te gaan. "De show was prachtig, maar te veel telefoontjes en brieven en mensen die dachten dat ik een expert of ongelooflijk liefhebbend ben, " schreef ze aan een vriend. "Ik moet verlaten en anoniem zijn om echt gelukkig te zijn." Ze vertelde een interviewer van Newsweek, "ik dacht altijd dat ik zou wachten tot ik negentig ben om een show te hebben. . . Ik wilde wachten tot ik alles had gedaan. '
Pervers viel haar groeiende bekendheid samen met een daling van opdrachten, deels vanwege veranderende mode, deels omdat beroemdheden misschien op hun hoede waren dat ze werden gefotografeerd door een vrouw die beroemd werd (in de woorden van een recensent) als 'de tovenaar van kansen. ”Om de zaken nog ingewikkelder te maken, verhuisde Allan, met wie ze dichtbij bleef, in 1969 naar Californië om een fulltime acteercarrière na te streven. Hij landde uiteindelijk het werk in tientallen films en, vanaf 1973, een langlopende rol in de populaire tv-serie "M * A * S * H" als psychiater Dr. Sidney Freedman.
In de hoop wat inkomsten te genereren, lanceerde Diane plannen om een gelimiteerde editie van tien van haar foto's te verkopen, ingepakt in een doorzichtige plastic doos die als kader zou fungeren, voor $ 1.000 per set. Het project was zijn tijd echter ver vooruit en er werden tijdens haar leven slechts vier sets verkocht: één aan kunstenaar Jasper Johns, de andere drie aan goede vrienden. "Ze probeerde fotografie te verpakken als een kunstvorm voordat het echt als zodanig werd geaccepteerd", zegt Phillips. Onlangs beval een van de sets $ 380.000 op een veiling.
Maar als geld haar ontglipte, deed erkenning dat niet. Musea namen haar werk op in shows en uitgevers verzochten tevergeefs een boek met haar afbeeldingen uit te brengen. In 1971 werd ze gekozen om de Verenigde Staten te vertegenwoordigen op de Biënnale van Venetië in 1972 - de eerste Amerikaanse fotograaf die ooit zo werd geëerd op dit prestigieuze kunstevenement. Maar ze lijkt dergelijk bewijs van succes te beschouwen als een afleiding van haar verlangen om aan haar fotocatalogus - ze noemde het haar vlindercollectie - van vreemde en intrigerende mensen te blijven toevoegen. A1971 fellowshipvoorstel (dat niet werd aanvaard) beschreef een verlangen om 'Het verschil' te fotograferen. Die van geboorte, ongeval, keuze, overtuiging, voorliefde, inertie. ”De uitdaging, schreef ze, was“ ze niet te negeren, niet allemaal bij elkaar te klonteren, maar om ze te bekijken, op te letten, op te letten. ”
Een project dat haar in het bijzonder bezighield, was een serie foto's die in 1969 werd gestart van bewoners van staatsinstellingen voor ernstig achterlijken. Op zoek naar een nieuwe look, worstelde ze met het gebruik van natuurlijk licht, in combinatie met stroboscoop of op zichzelf, "probeerde mijn scherpe foto's wazig te maken, maar niet teveel", schreef ze in augustus aan haar ex-man. Tegen het einde van het jaar behaalde ze resultaten die haar opwonden. "Ik nam de meest geweldige foto's, " meldde ze in een andere brief aan Allan en noemde ze "lyrisch en zacht en mooi." Deze beelden markeerden een nieuwe richting, met hun zachte belichting en meer informele compositie - "zoals snapshots maar beter, " Schreef Diane. Nooit getoond tijdens haar leven, vallen ze op als een van haar meest ontroerende, krachtigste foto's. Maar noch de erkenning die ze kreeg, noch het werk zelf kon de periodes van depressie voorkomen, waarschijnlijk verergerd door verschillende aanvallen met hepatitis, die haar plaagden. In 1968 beschreef ze haar donkere buien voor een vriendin als 'chemisch, ik ben ervan overtuigd. Energie, een speciaal soort energie, lekt gewoon weg en ik heb nog steeds geen vertrouwen om de straat over te steken. 'In de zomer van 1971 werd ze opnieuw overweldigd door' de blues '. Deze keer bleken ze fataal. Op 26 juli nam ze een grote hoeveelheid barbituraten en sneed haar polsen. Twee dagen later ontdekte een vriend haar lichaam in de badkuip van haar appartement WestVillage.
De dood van Arbus en de daaropvolgende show van 1972 maakten haar beroemd op een manier die ze nog nooit was geweest toen ze nog leefde. Maar sommige critici vonden in haar zelfmoordbewijs dat haar foto's pathologie meer weerspiegelden dan kunst. Inderdaad, het drama van haar leven heeft soms gedreigd de reputatie van haar werk te verduisteren. Maar hoezeer haar kunst en leven ook samengevoegd zijn, de impact van Arbus 'foto's en hun vermogen om het mythische te vermengen met het intens persoonlijke is sterker dan ooit.
Door het publiek de kans te geven een ongekend aantal van haar foto's tegen te komen, toont de tentoonstelling 'Revelations' aan dat ze een kunstenaar van de eerste rang was en een pionier in het afbreken van de muren die fotografie scheiden van schilderkunst en de rest van de zogenaamde beeldende kunst.
De show vraagt ook of de verontrustende intimiteit die nog steeds als een zwakte wordt gezien, in plaats daarvan geen bron van artistieke kracht is in de foto's van Arbus. In haar catalogus-essay merkt Phillips de hoge waarde op die de kunstwereld van de jaren zestig op het werk zette die 'assertief, zelfs arrogant en verdacht van inhoud' was, vooral inhoud die smaakte naar emotie of verhalen vertellen. Volgens die standaard zou het werk van Arbus gemakkelijk kunnen worden afgedaan als te persoonlijk, te neurotisch. In de 21e eeuw echter, met persoonlijke identiteit en verhalende centrale kwesties voor kunstenaars, is Arbus naar voren gekomen als een gedurfde innovator.
"Ik ben nog nooit door een andere kunstenaar ontroerd zoals ik door Arbus ben geweest", zegt Rosenheim van het MetropolitanMuseum. “Haar foto's hebben deze kracht die precies overeenkomt met de intieme relatie die ze moet hebben gehad met haar onderwerpen. Ze beïnvloeden voor altijd de manier waarop je naar de wereld kijkt. 'Of Arbus een getatoeëerde man, een drag queen of een jammerende baby fotografeert, hoe meer we naar haar foto's kijken, hoe meer we voelen dat ze naar ons terugkijken.
