Als mensen zeggen dat iemand haar kunst echt 'leeft', kunnen ze betekenen dat ze haar werk zeer serieus neemt. Maar bijna drie maanden lang bestond het leven van Linn Meyers echt uit haar kunst - ze deed nauwelijks iets anders. Ze bracht maar liefst 11 uur per dag door op de ronde tweede verdieping van het Smithsonian's Hirshhorn Museum, tekenen op de muren. Dat klinkt misschien als kinderspel, maar dat is het absoluut niet.
gerelateerde inhoud
- Museumbezoekers kunnen deze kunst aan de muur spelen als een instrument
- Waarom een vrouw steeds opnieuw hetzelfde gitaarakkoord speelt op de Hirshhorn
Meyers gebruikte een combinatie van uiterste precisie en volledige kans om Our View From Here te maken, een supergrote tekening die de kijkers betovert. Haar werk, dat 400 strekkende meter museumwandruimte vult, is tot en met 14 mei 2017 te zien en maakt deel uit van een recente poging om nieuwe ruimtes in de Hirshhorn te gebruiken.
Het museum was een groot deel van de tijd open dat ze aan het stuk werkte, en gefascineerde bezoekers gapen terwijl ze haar één gekozen hulpmiddel - een soort dikke marker begunstigd door graffitikunstenaars - op de muren aanbracht, die in twee neutrale kleuren waren geschilderd tinten. Hoewel ze zich aan een enkele kleur houdt, is het effect allesbehalve eentonig. De bochtige lijnen vormen golven en patronen die zich samen met de museummuren ontvouwen en bijna lijken te bewegen. Zoals de curator van de tentoonstelling Stéphane Aquin zegt: “Ze danst gewoon mee met het gebouw. Haar kunst past prachtig bij de architectuur. Ze onthult de beweging die inherent is aan het gebouw. ”
Meyers, een in Washington, DC gevestigde kunstenaar, maakt zowel individuele kunstwerken in haar studio als locatiespecifieke installaties zoals die in de Hirshhorn (andere installaties zijn te zien in het Hammer Museum in Los Angeles en de Phillips Collection in Washington, DC). Meyers legt uit dat wanneer ze een stuk in een bepaalde omgeving maakt, ze natuurlijk aandacht moet besteden aan het gebouw, aan de ruimte die haar werk zal huisvesten: 'Een van de eerste vragen die ik mezelf stel is:' Hoe goed kan ik de eigenaardigheden van de architectuur? ' ”
De belangrijkste "eigenaardigheid" aan de donut-vormige Hirshhorn is dat museumbezoekers, kijkers van de installatie van Meyers, de cirkelvormige binnengang zullen volgen. "De ruimte vereiste dat ik een stuk maakte dat rond de ruimte was gewikkeld, rond dat pad dat bezoekers door het museum nemen, " legt ze uit.
Meyers gebruikte een combinatie van uiterste precisie en volledige kans om Our View From Here te creëren. (Hirshhorn Museum en Beeldentuin) “En dan zijn er pauzes in de ruimte - deuren, ingangen naar galerijen. In bestaande ruimte of architectuur is er altijd iets dat een uitdaging wordt. Ik bedoel dat niet op een negatieve manier. Een uitdaging kan een nieuwe aanpak uitlokken voor de manier waarop een stuk zou evolueren. Dus in dit geval is het de manier waarop de cirkel van de galerij in acht delen is verdeeld. En die openingen zijn niet altijd open. Soms wordt de ruimte aangepast voor een tentoonstelling en is een deel van de ruimte afgesloten. Mijn stuk zal overlappen met drie verschillende shows, en de ruimte zal voor elke show veranderen. Daar moest ik aan denken. Dat is nieuw. Ik heb nog nooit een dynamische galerijruimte gehad. "
De eerste stap van Meyers was het maken van voorbereidende tekeningen op schaal van een kwart inch. Vervolgens gebruikten Hirshhorn-medewerkers CAD-software (Computer Assisted Design) om een kader (de cirkels van de tekeningen van Meyers) direct op de museummuren te traceren. Meyers ging vervolgens aan de slag met haar graffiti-pen van het Molotow-merk en liet haar hand gaan waar het zou zijn. Hier komen toeval en toeval binnen.
"Alle beweging die je in die tekeningen ziet, is slechts een resultaat van het proces", legt ze uit. “Het evolueert gewoon, de lijnen zijn niet gepland. Maar de composities zijn gepland. Dat is een spel tussen het beoogde en het onbedoelde. De geometrie is vooraf in kaart gebracht in mijn voorbereidende werk. Wanneer ik een sectie zou beginnen, zou ik een cirkel volgen. Dat is het plan, het beoogde. Na dat punt reageert elke regel op de regel ervoor - een soort entropie, buiten mijn controle. Dus: zowel bedoeld als niet-bedoeld. Een mooie metafoor voor het leven! ”
Meyers gebruikte een dikke marker, begunstigd door graffitikunstenaars, om de muren in twee neutrale tinten te bedekken. (Hirshhorn Museum en Beeldentuin) De gekozen kleur van Meyers voor dit project was een blauwgrijs genaamd Payne's grijs. Omdat de kunstenaar de kleur in verschillende graden verdunde, was ze in staat om verschillende kleurdichtheden te bereiken in het hele werk.
Terwijl kijkers rond de rotonde lopen, kunnen ze zien dat de lijn van de markering soms zo vaag is dat het slechts een fluistering is, terwijl het op andere momenten dikker wordt tot een vlek en nog elders, is er een gevlekt effect. In bepaalde delen van de installatie is er veel muurruimte die niet is ingetrokken, maar andere secties zitten vol met opeengepakte golvende lijnen.
Meyers realiseerde zich dat de eerste secties die ze deed het resultaat waren van alle energie die ze had opgeslagen tijdens het nadenken over en plannen van het project: “De eerste paar muren die ik deed zijn anders dan de laatste paar muren. In het begin wilde ik gaan: al die maanden van voorbereiding en verwachting. Het merk is agressiever. Ik viel de muren aan! 'Maar tegen het einde, toen ze meer van de muren liet staan, merkte ze' een soort lichtheid 'op.
"Haar kunst combineert mooi met de architectuur", zegt curator Stéphane Aquin. (Hirshhorn Museum en Beeldentuin) Vanwege de cirkelvormige afmetingen van de rotonde kunnen kijkers niet het hele stuk in één keer zien. Het is gewoon niet mogelijk. En dat beïnvloedt hoe ze het werk waarnemen. Het was hetzelfde voor Meyers. “Ik had een visioen van hoe het hele ding eruit zou zien, maar het is niet zoals in de studio waar mijn oog heen en weer kan schuiven over een stuk. In de studio maak ik discrete kunstwerken waar je voor kunt staan. Hiermee kun je gewoon fysiek niet. Ik kon bijvoorbeeld het gedeelte zien dat ik had voltooid, maar toen niet het gedeelte waaraan ik werkte. Je kunt zelfs een kwart ervan niet tegelijk bekijken, als je op één plek staat. '
Een dergelijke mammoetonderneming vereiste mammoetconcentratie. Meyers, die meestal dagelijks naar haar studio gaat en aan meerdere stukken tegelijk werkt, deed geen van beide.
"Het was de langste tijd dat ik weg was van mijn studio", zegt ze. “Ik heb niets anders gedaan. Het was goed. Die hectische manier waarop we in de tijd bestaan - van sociale media tot opstaan en boodschappen doen tot aan de telefoon - het is gewoon onze manier van leven. Maar hiermee, om op één ding te focussen - het was zo geweldig om elke dag vooruitgang te zien. Uren lang niet echt mijn hoofd opheffen. ”Terwijl ze in het hyper-geconcentreerde werk in het museum werkte, benaderden museummedewerkers of curator Stéphane Aquin haar, probeerden ze met haar te praten, en ze zou ze niet eens opmerken. “Ik zou gewoon zo gefocust zijn. Ik moest mijn oogkleppen aandoen. Dat is iets dat we gewoon niet kunnen doen. '
Misschien omdat de foto van Meyer te zien is bij de receptie van het museum of misschien vanwege de stille autoriteit die ze uitstraalt als ze door de voltooide installatie loopt, voelen de kijkers dat ze de kunstenaar is. Ze willen praten, haar complimenteren, haar vragen stellen, zelfs poseren voor telefoonfoto's. Meyers begrijpt haar nieuwe mini-beroemdheid uit te leggen. “Er zit een mysterie in wat er in de studio gebeurt, waar het werk vandaan komt. Niet dat ik al die elementen voor mensen kan destilleren, maar ze kunnen zien hoe eenvoudig het is: alleen ik teken een lijn en trek vervolgens een andere lijn. "
"Linn Meyers: Our View From Here" is te zien in het Hirshhorn Museum en de Beeldentuin tot en met 14 mei 2017 in Washington, DC Linn Meyers geeft een lezing over haar werk als onderdeel van de Hirshhorn's Meet the Artist-serie op woensdag mei 25, om 6:30 in het auditorium van het museum. Het is gratis en open voor het publiek.
UPDATE 25-5-2016: Een eerdere versie van dit verhaal gaf aan dat het de kunstenaar was die met een CAD-programma werkte. Zij deed het niet. Museummedewerkers hebben dit proces gebruikt. Wij betreuren de fout.
