Honderd jaar later blijft het gespannen realisme van Edgar Degas boeien

In de onopgesmukte ruimte van een dansstudio met een hoog plafond worden een schare jonge ballerina's in opleiding geassembleerd. Gekleed in trapsgewijze witte tutu's en kleurrijke sjerpen, zijn de meisjes op verschillende manieren bezig. Op de voorgrond kijkt een danseres die haar been uitstrekt of met haar jurk speelt, neer op een zittende klasgenoot, wiens voeten rakish zijn gespreid op een manier die natuurlijk op het podium lijkt, maar die vreemd grotesk lijkt in haar schijnbare vrijetijdsbesteding. Naast haar op de donkere houten bank liggen een half dozijn ongebruikte balletschoenen.

Achter het zittende meisje, in het midden van de afbeelding, steekt de achterkant van een danseres de lucht in terwijl ze buigt om haar eigen schoenen aan te passen. Verder terug oefenen een paar studenten bij het raam de vijfde positie van de armen; voorlopig zijn ze tenminste niet gesynchroniseerd. Bij de achterwand richt een rij van vier meisjes zich op voetenwerk. Van bovenaf dalen er nog twee via een smalle trap het toneel in, met alleen hun benen zichtbaar. Het is een moment van chaos en dynamiek, één die alle onvermijdelijke imperfectie van een dansles uit de kindertijd vastlegt met als doel uiteindelijk perfecte dansers te produceren.

Dit tableau, geschilderd c. 1873, is de creatie van de Franse kunstenaar Edgar Degas, die deze week 100 jaar geleden stierf. Gehuisvest in de National Gallery of Art in Washington, DC, "The Dance Class" dient als een pretentieloze herinnering aan de genialiteit van de Parijzenaar.

"Dit zijn echte vrouwen", zegt Kimberley Jones, de curator van de 19e-eeuwse Franse schilderkunst van de National Gallery. “Ze zijn niet alleen de prachtige fantasie van het podium. Degas herinnert je altijd aan de realiteit onder het vernisje van glamour. '

Hoewel opgegroeid in een conservatief huis uit de hogere middenklasse, en buitengewoon goed thuis in de idealistische stijl van de oude meesters - een jonge Degas bracht uren door met het kopiëren van met de hand beroemde kunstwerken uit het Louvre - de Fransman werd altijd aangetrokken door de gruizigheid van de actualiteit. "Hij is in de eerste plaats een realist, " zegt Jones.

Degas aantrekking tot ballet was alleen natuurlijk; zijn in Amerika geboren moeder was een gepassioneerde operazangeres en bracht haar jonge jongen een liefde voor opera bij voor haar vroege dood. "In de 19e eeuw maakte ballet deel uit van de opera, " merkt Jones op. “Elke opera had dit soort dansintermezzo. En ik denk dat hij geïntrigeerd raakte toen hij die dansers zag. '

In het bijzonder wijst Jones op de fascinatie van Degas voor de belasting van de lichaamsbouw van de dansers, de ontberingen van hun training en conditionering, de strijd om hun lichaam klaar te stomen voor de showtime. "Hij toont uitvoeringen [in zijn schilderijen], " zegt Jones, "en ze zijn erg mooi. Maar hij ontdoet ook veel van de romantiek ervan. Hij laat je achter de schermen zien. ”Degas houdt zich veel minder bezig met noties van klassieke vrouwelijkheid, stelt ze, dan met de ruige atletiek van getrainde artiesten.

Dit thema wordt overgenomen door het paardenwerk van Degas. Hij was een normale racebaan en was geboeid door de pezige lichamen van volbloed-renpaarden, klaar om onmiddellijk in actie te komen. "Zien hoe die slungelige veulens deze ongelooflijke atleten en deze wezens van snelheid en elegantie zouden worden" liet nooit de indruk achter, zegt Jones.

Degas werd al vroeg verworpen door de kunstarbiters van de beroemde salon van Frankrijk en besloot samen met de leden van de ontluikende impressionistische school, mede-traditie-kopers die contacten en tentoonstellingsruimte nodig hadden, in te gaan. Zelfs onder de impressionisten vond Degas echter al snel een controversiële uitbijter.

"Er is een zekere ironie dat we hem altijd als een impressionist beschouwen, " merkt Jones op. 'Hij haatte die term. Daar was hij heel vocaal over. ”Degas - die nauwgezet aandacht besteedde aan realistische details en die talloze uren besteedde aan het reviseren en opnieuw reviseren van elk van zijn doeken - waardeerde de nutteloze moeiteloosheid die de term 'Impressionisme' met zich meebracht niet. kunst was niet 'iets spontaan, zorgeloos, samengegooid', zegt Jones. “Hij was heel nauwgezet, attent. En het grote citaat dat hij zei is: 'Geen kunst is minder spontaan dan de mijne.' "

Degas was al een zwart schaap in de ogen van sommige impressionisten ten tijde van hun inaugurele voorstelling in 1874 en Degas bereikte in de daaropvolgende jaren alleen meer controverse. Vurig in zijn verlangen om breed talent in de schoot te brengen, rekruteerde Degas een aantal buitenstaanders wiens werk hij bewonderde, ongeacht of het zich aan het impressionistische ideaal vasthield of niet. Degas omhelzing van collega-realisten zoals Jean-Louis Forain en Jean-Francois Raffaelli trok wenkbrauwen op onder de impressionistische kliek - velen vreesden dat de artistieke identiteit van de beweging onherkenbaar zou worden verwaterd.

De Amerikaanse Mary Cassatt was een genodigde waarvan Jones zegt dat hij eigenlijk 'heel goed bij de groep past'. Degas was Cassatt voor het eerst tegengekomen in haar studio in Monmartre en merkte dat hij meteen in beslag werd genomen door haar werk. "De eerste keer dat hij haar kunst zag", zegt Jones, merkte hij op: "Er is iemand die voelt zoals ik." Deze eerste ontmoeting, in 1877, leidde tot een tientallen jaren lange vriendschap. Het was Degas die Cassatt (evenals andere impressionisten zoals Camille Pissarro) introduceerde in het vak van prentkunst, dat ze zou beheersen op een manier die hij nooit deed.

Degas was ook verantwoordelijk voor het onder de aandacht brengen van het schilderij van Paul Gaugin in de kunstwereld. "Je zou niet aan die twee samen denken, " zegt Jones, "maar Degas erkende dat Gaugin dit enorme talent had, bracht hem binnen en ondersteunde hem." Ze citeert als bewijs van hun band met Gaugin's aanhankelijke toespelingen op het werk van Degas in zijn eigen scènes. In Gaugin's 'Stilleven met pioenen' bijvoorbeeld, verschijnt een pastelcompositie van Degas op de achtergrond opvallend.

Hoewel de persoonlijkheid van Degas schurend en confronterend kan zijn - vooral in zijn latere jaren, terwijl zijn gezichtsvermogen aan het markeren was - valt niet te ontkennen dat hij een talent bezat voor het samenbrengen van opmerkelijke individuen, en een niet-aflatende inzet voor zowel de creatie als de viering van origineel, baanbrekend kunstwerk op meerdere media.

Vanwege zijn obsessie met de voortdurende verfijning van zijn eigen werk, was Degas er tijdens zijn leven niet van af te zien. "Hij verkocht wat hij nodig had, " zegt Jones, en "hij exposeerde niet veel." Degas schoot niet omhoog naar internationale bekendheid tot na zijn dood, toen de doeken, sculpturen en andere creaties die zijn atelier bezaaiden eindelijk toegankelijk werden gemaakt voor verzamelaars.

Degas 'obsessie met het nastreven van een altijd ongrijpbaar perfect product was tragisch, zegt Jones, maar ook een integraal onderdeel van zijn kunst. In Degas's weergave van paarden die rondhangen op gras en ballerina's die voor hun moment in de schijnwerpers repeteren, onderscheidt Jones een fixatie op het potentieel - wat zou kunnen zijn, wat het op het punt staat te gebeuren. Zoals zijn onderdanen, zegt Jones, stelde Degas zichzelf voortdurend voor in het ongewisse, altijd een haar verlegen van grootheid, altijd een moment verwijderd van het wonderbaarlijke. "Ik denk dat hij altijd naar zijn kunst keek en dacht:" Ik zou dit beter kunnen doen ", zegt ze.

In het leven gemarteld door zijn onverzadigbare ambitie, werd Degas in de dood een held voor kunstenaars over de hele wereld. Een van zijn belangrijkste bewonderaars was Pablo Picasso, die verbluft was door de avant-garde monotypes en andere materialen die werden onthuld tijdens de postmortem Degas studioverkoop, en die vervolgens een fervent verzamelaar van Degas 'werk werd.

"Als ik een kunstenaar zou kunnen kiezen die de echte erfgenaam van Degas is", zegt Jones, "zou het Picasso zijn." Hoewel stilistisch gezien verschillen, zijn de twee innovators volgens haar verbonden door de mate waarin ze leefden en hun kunst ademden . Jones zegt voor hen: “Alles draait om creëren. Elk materiaal is een kans om iets nieuws te produceren, om de grenzen uit te dagen, om zichzelf ook te testen. En om iets buitengewoons te creëren. ”

In de loop van de 20e eeuw achtervolgde Degas 'unieke visie de verbeelding van kunstenaars over de hele wereld. "Hij wordt een van die figuren zoals Paul Cezanne en Van Gogh, die er gewoon zijn, " zegt Jones, "en is een hoeksteen. Hij staat centraal bij zoveel kunstenaars die er niet eens aan denken. Hij zit in hun achterhersenen en beïnvloedt hen. '

Tegenwoordig vindt Jones, terwijl ze door de gangen van het eeuwenoude Prado-museum in Madrid, Spanje loopt, haar perspectief onontkoombaar gekleurd door het raadselachtige werk van de Fransman. Overweegt een van Alexandre Cabanels schitterende neoklassieke naakten, ze kan het niet helpen, maar het gevoel dat er iets cruciaal is ontbreekt.

"Het is allemaal schijn, " zegt ze, "het is allemaal zorgvuldig georkestreerd - het is niet echt. En het voelt nep, op een manier die het niet zou hebben zonder Degas als referentiepunt. "

Degas, zei ze, was nooit tevreden met het creëren van een eenvoudige, aangename scène en verder. Hij "wilde er zeker van zijn dat je werd uitgedaagd", net zoals hij tijdens het compositieproces was. Jones puzzelt al tientallen jaren over de kunstenaar, maar heeft nog steeds het gevoel dat ze alleen 'aan het oppervlak is gekrast'.

Kunstenaars van zijn kaliber "geven hun geheimen niet op", zegt ze. “Hoe meer tijd ik naar hem kijk, hoe minder ik denk dat ik hem echt ken. En dat is opwindend. "