Op een hoogte van 11 voet staat hij - torens eigenlijk - boven de kijker. Een rel van kleur barst los van een piramide-achtig frame opgehangen met rode, groene, blauwe en oranje manden gemaakt van kralen veiligheidsspelden. Onder hen staat een anonieme mannequin bedekt van top tot teen in een zwart en fuchsia rompertje.
Helemaal bovenaan, de pièce de résistance: een konijn van papier-maché, geaccentueerd in suikerspinroze, met cartoonogen en een vage, enigszins zenuwachtige glimlach. Het konijn houdt een ei vast met het bericht 'Happy Easter'.
Degenen die bekend zijn met het werk van kunstenaar Nick Cave zullen dit werk uit 2009 snel herkennen als een van zijn kenmerkende "Soundsuits", en daarin ligt een vegen, decennia-lange saga van draagbare sculpturen gemaakt van gevonden voorwerpen.
Het stuk, dat momenteel te zien is in het Hirshhorn-museum, is een eeuwige favoriet onder bezoekers. "Het is leuk, het is een beetje humoristisch, het is overdreven en het is iets waar mensen zich mee kunnen identificeren, " zegt curator Evelyn Hankins. “Maar ik denk dat het interessante aan Cave's werk is dat deze Soundsuits bedoeld zijn om te worden gedragen. Ze zijn performatief. "
Cave, een inwoner van Missouri, die nu voorzitter is van de modeafdeling van de School of the Art Institute in Chicago, studeerde als jonge man zowel beeldende kunst als dans. Hij behaalde zijn MFA aan de Cranbrook Academy of Art in Michigan in 1989, maar bracht ook tijd door in New York, waar hij studeerde bij het Alvin Ailey American Dance Theatre.
In de nasleep van de Rodney King die in 1991 sloeg, bevond Cave zich op een dag in het park, "zich weggegooid en afgewezen" als een Afro-Amerikaanse man. Hij boog zich voorover en pakte een takje van de grond, en vervolgens een ander, ze aan elkaar vastmakend in wat hij heeft beschreven als een poging om zijn eigen identiteit tegen de buitenwereld te beschermen.
Pas toen een vorm begon aan te nemen, kwam het idee van beweging bij hem op. "Ik was eigenlijk een sculptuur aan het bouwen", zegt hij. “En toen besefte ik dat ik het kon dragen, en dat door het dragen en bewegen er geluid was. Dus toen moest ik nadenken over [hoe] om gehoord te worden, je harder moest spreken, dus de rol van protest speelde een rol. Dit is echt hoe Soundsuits soort geëvolueerd. "
Sindsdien heeft Cave meer dan 500 alom geprezen Soundsuits geproduceerd in een duizelingwekkende reeks materialen en silhouetten. De werken hebben geresulteerd in verschillende openbare uitvoeringen, waaronder Heard Ÿ NY in 2013 in Grand Central Terminal.
De Soundsuits zijn in de loop van de decennia geëvolueerd, maar hun fundamentele principes zijn onveranderd gebleven. Alle zijn opgebouwd uit gevonden of weggegooide objecten; ze verbergen alle indicatoren van ras, geslacht of klasse; en ze zijn bedoeld om tijdens de uitvoering te worden gedragen, of op zijn minst om het idee van de uitvoering te suggereren, zoals het geval is bij het stuk op de Hirshhorn.
Kunstenaars gebruiken gevonden materialen in hun werk sinds het begin van de 20e eeuw, toen Pablo Picasso, Georges Braque en anderen krantenknipsels en andere alledaagse voorwerpen begonnen op te nemen in hun sculptuur, collage en assemblage. Cave blijft in deze geest, het meest recent de voorkeur aan vintage ambachtelijke items, die hij uit antieke markten in het hele land en internationaal.
"Het zijn geen traditionele kunstmaterialen, het zijn beslist ambachtelijke materialen", zegt Hankins. "Meestal vind je geen grote paashazen in kunstgalerijen."
Zoals later bleek, was het de paashaas - geen schets of blauwdruk - die als aanstichter voor dit specifieke stuk diende. “Ik hield van dit soort verwijzingen naar een bepaalde periode in mijn opvoeding als kind en met mijn zeven broers en gekleed zijn met Pasen en het hebben van deze verbazingwekkende, soort buitensporige Pasen-jachten op de boerderij ... Maar toen voelde ik me als kind dat je authentiek was en dat je mooi en mooi was, want dat werd je verteld. "
Het proces van Cave is zeer intuïtief en hij zegt dat het stuk pas echt vorm begon te krijgen zodra hij besloot het konijn bovenaan het beeld te plaatsen. Naarmate het vorderde, verzamelde het nieuwe lagen van betekenis en riep het ideeën op van lente en wedergeboorte, Afrikaans begrafenisritueel, ritme, identiteit, hoge en lage kunst, kleur, beweging en natuurlijk geluid.
In Cave's handen worden items net zo gewaardeerd om de nostalgie die ze oproepen als om hun potentieel om uit hun oorspronkelijke context te worden verwijderd. Men verwacht geen twijgen, lawaaimakers, porseleinen vogelbeeldjes of paashazen in een museum te zien, maar wanneer gepresenteerd als onderdeel van een Soundsuit, stelt de kijker zich de materialen voor die op een verrassende manier slingeren, jingling, zwiepen of rammelen. Deze objecten, die anders zouden worden afgedaan als 'low art', produceren een geheel nieuwe zintuiglijke ervaring.
Het geluidpak van Hirshhorn is momenteel te zien in "At the Hub of Things", de 40e verjaardagstentoonstelling van het museum. Hankins zegt dat zij en co-curator Melissa Ho besloten de show te organiseren door kunstenaars uit verschillende periodes rond losse thema's samen te brengen. The Soundsuit deelt een galerij met werken van Christo, Claes Oldenberg en Isa Genzken. Het oudste werk is de dam van Robert Rauschenberg, een maaidorser uit 1959, gemaakt in hetzelfde jaar dat Cave werd geboren.
"Rauschenberg was natuurlijk beroemd om te praten over het willen overbruggen van de kloof tussen kunst en leven - of werken tussen de twee, " zegt Hankins. “Ik denk dat een van de dingen waar musea nu mee worstelen, is hoe ze prestaties kunnen documenteren en vastleggen, wat per definitie een vluchtig evenement is. Zoals Rauschenberg de kloof tussen kunst en het dagelijks leven overbrugde, overbrugt Cave de kloof tussen statische objecten en prestaties. ”
"Meestal vind je geen grote paashazen in kunstgalerijen", zegt een van de curatoren van Hirshhorn. (Nick Cave 2009 Soundsuit, Hirshhorn Museum) Cave's werk wordt misschien herinnerd omdat het de kunstwereld dwong om deze kloof te heroverwegen, maar wat zijn werk zo aantrekkelijk maakt, is dat het zoveel verschillende thema's raakt. "Het kan spreken tot collage en assemblage, het kan spreken tot prestaties, het kan spreken tot ideeën over authenticiteit en originaliteit, en de rol van de kunstenaar en originaliteit in kunst, en al deze andere dingen", zegt Hankins. “En ik denk dat dat een van de redenen is waarom Cave zo wordt gerespecteerd, is omdat het werk - vooral in het geval van ons stuk - het werk in eerste instantie gewoon een beetje grappig en kitscherig lijkt, maar in feite is het deze zeer serieuze verloving met deze verschillende thema's en geschiedenis. ”
Cave zegt dat hij vaak getuige is geweest van kijkers die een levendig gesprek voerden over zijn werk. Dit is precies het effect dat hij nastreeft: “Ik wil dat de kijker naar het werk kan kijken en dat we over meerdere dingen kunnen praten. Maar het zit niet alleen in deze ene manier van denken over het object. We kunnen erover praten als een decoratief object. We kunnen erover praten als een sculpturale vorm. We kunnen het opsplitsen en over afzonderlijke stukken in het totale geheel praten. We kunnen praten over het patroon. We kunnen praten over kleur. We kunnen praten over ritme, geluid. Dus het wordt echt universeler in zijn boodschap. ”
Meer dan 20 jaar nadat Cave dat eerste takje oppakte, blijft de emotionele impuls voor de Soundsuits relevanter dan ooit. De kunstenaar zegt dat hij momenteel werkt aan een serie over Trayvon Martin voor een aanstaande show in Detroit. Hij zegt dat hij ook van plan is enkele recentere gevallen van raciaal profileren op plaatsen zoals Ferguson en New York aan te pakken.
"Al deze incidenten die zich het afgelopen jaar hebben voorgedaan, waren gewoon schandalig", zegt Cave. “Op dit moment werk ik naar wat ik achterlaat. Maar ik denk gewoon dat dit werk nooit kan eindigen. '
Zie Nick Cave's Soundsuit, 2009 op de Hirshhorn's tentoonstelling "At the Hub of Things: New Views of the Collection", momenteel te zien op de derde verdieping van het museum. De show onthult een frisse kijk op het moderne en hedendaagse kunstbezit van het museum en toont recente galerijrenovaties. De tentoonstelling is absoluut te zien en omvat grootschalige installaties van Spencer Finch, Robert Gober, Jannis Kounellis, Bruce Nauman en Ernesto Neto, evenals schilderijen en sculpturen van Janine Antoni, Aligheiro e Boetti, Cai Guo-Qiang, Isa Genzken, Alfred Jensen en Brice Marden, onder anderen.
