Voor een keer is de hype correct: de kunstenaar is een eerlijk zwart-wit, stil, gepresenteerd in de ouderwetse Academie-beeldverhouding in plaats van in breedbeeld. Als je nog nooit een stille film hebt gezien, is dit een uitstekende plek om te beginnen. Als je een buff bent, is The Artist een schat aan filmreferenties, grapjes, pastiches en verwijzingen naar zowel bekende als obscure filmmakers. En als de Weinsteins dezelfde mediahamerlock toepassen die ze gebruikten met Shakespeare in Love, heeft dit een goede kans om als eerste stil te zijn om een Oscar te winnen sinds Tabu 80 jaar geleden.
We noemen ze vandaag stille films, maar ze gingen bijna altijd gepaard met een vorm van muziek en geluidseffecten. Thomas Edison beschouwde films oorspronkelijk als een aanvulling op zijn fonograaf, en zijn personeel experimenteerde al in 1895 met gesynchroniseerd geluid - je kunt de resultaten bekijken op de American Memory-site van de Library of Congress.
De taal of grammatica van de film die uit die tijd is geëvolueerd, wordt nog steeds gebruikt: close-ups, cross-cutting, tracks en pannen zouden allemaal bekend zijn bij vroege regisseurs. Maar het kijken naar een stomme film is anders dan het kijken naar een geluidsfilm. Ten eerste moet u zich meer concentreren - u hebt weinig speelruimte, geen mogelijkheden om weg van het scherm te kijken. Je moet altijd opletten. Personages maken zichzelf bekend door actie, niet door dialoog, dus stille regisseurs zochten altijd naar zaken of zelfs kostuums die persoonlijkheidstypen snel konden identificeren. Acteurs waren vaak fysiek expressiever, met hun handen en lichamen, maar ook met hun glimlach en grimassen.
Dujardin met Missi Pyle als Constance.
Sommigen beschouwen stiltes als een meer primitieve vorm van talkies, maar de beste filmmakers bereikten een verbinding met kijkers die de beperkingen van het medium overstegen. Regisseurs zoals FW Murnau, Buster Keaton, Carl Dreyer, Jean Renoir maakten van stilte een onderdeel van hun arsenaal. Vaak konden hun personages niet praten, vanwege de situatie waarin ze zich bevonden of vanwege hun natuurlijke terughoudendheid. Wanneer pasgetrouwden op huwelijksreis gaan in King Vidor's The Crowd, zijn hun gevoelens onmiskenbaar, ondanks de afwezigheid van dialoog. The Last Laugh van Murnau ontvouwt zich zonder enige ondertitels voor dialoog.
Bijna alle grote regisseurs in de jaren dertig trainden in stilte en als er een onderscheidend kenmerk is dat kunstenaars zo ongelijk verenigt als John Ford en Alfred Hitchcock, is het hun vermogen om een verhaal te vertellen in puur visuele termen. Wat er wordt gezegd in films als The Searchers of Psycho is belangrijk, maar je hoeft niets te horen om het verhaal te begrijpen.
Muziek was een cruciale component in vroege stille film: het kon de emoties in een scène kleuren, pacing verbeteren, karakters en hun motieven helpen identificeren. Naarmate de industrie volwassener werd, ontvingen prestigieuze films uitgebreide scores die werden geleverd door volledige orkesten in first-run theaters. Nog meer bescheiden films hadden speelbladen die liedjes of muzikale thema's voor scènes aanbeveelden.
De overgang van stiltes naar talkies eind jaren twintig was kort en pijnlijk. Carrières werden vernietigd, technieken verlaten, subtiliteiten verloren. Het duurde jaren voordat Hollywood zijn artistieke basis terugkreeg. Stilten werden tot ver in de jaren 1930 nog steeds gemaakt, meestal vanwege economische overwegingen. Afgezien van de incidentele stunt zoals Silent Movie van Mel Brooks, neigden “talkie” -filmmakers ertoe om stille strategieën in geluidsinstellingen te assimileren. Het einde van Jules Dassin's Topkapi is bijvoorbeeld bijna volledig stil. Dat geldt ook voor de opening van Pixar's WALL-E en een prachtige montage met details over het leven van een echtpaar in Up .
Regisseur Michel Hazanavicius leent in The Artist royaal uit verschillende stille films en filmmakers, maar hij haalt ook filmklassiekers aan als Singin 'in the Rain, A Star Is Born, Citizen Kane en The Thin Man . In zekere zin zijn deze referenties sneltoetsen, manieren om de stemming en sfeer voor kijkers in te stellen, om ze vast te houden met bekende en populaire verhaallijnen en personages, terwijl ze zich aanpassen aan het kijken naar een film zonder dialoog. Door bekende momenten uit klassieke geluidsfilms in stille omgevingen te plaatsen, geeft Hazanavicius aan hoe nauw het heden is gerelateerd aan het verleden. De beroemde montage aan de ontbijttafel in Citizen Kane, bijvoorbeeld, waar Kane's huwelijk uit elkaar valt over een reeks blikken en veranderende krantenkoppen, is een stille reeks die Hazanavicius moeiteloos kan verwerken in The Artist .
De regisseur koos voor een vergelijkbare aanpak in OSS 117: Cairo, Nest of Spies, een spoof van James Bond met de hoofdrolspelers Jean Dujardin en Bérénice Bejo van The Artist . Vermakelijk maar niet aardbevend, OSS 117 en het vervolg Lost in Rio waren aanhankelijk en respectvol. Als je van spionagefilms houdt, waardeer je de grappen meer dan iemand die er nog nooit een heeft gezien.
Een peinzende Dujardin vertoont een toekomst zonder stomme films.
Op dezelfde manier, als je Douglas Fairbanks-films hebt gezien, ben je in een betere positie om te beoordelen hoe gracieus en winnend Dujardin hem imiteert. Als je Fairbanks niet kent, ken je zijn type nog, en Hazanavicius geeft je nog een “in” aan het verhaal door je te herinneren aan Gene Kelly in Singin 'in the Rain .
Als je eenmaal voorbij de stuntaspecten van The Artist bent, blijf je achter met een verhaal dat vaak geen verhalende betekenis heeft, dat morose en maudlin verandert voor een groot deel van de tweede helft, dat stints op het karakter van Bejo, en dat de kinetiek mist actie die de beste stille komedies markeerde. De kunstenaar is een solide middenbrowser - vermakelijk, ja; goed gemaakt, zeker; maar niet de gelijke van de films die het imiteert. Aan de andere kant is het geen gezwollen 'meesterwerk', geen eindeloos, onheilspellend epos over het lot van de mensheid. Het is aanspreekbaar, leuk, niet veeleisend, zoals veel reguliere films uit het stille tijdperk. Waarom ontdek je niet hoe leuk films zoals My Best Girl with Mary Pickford of The Mark of Zorro with Fairbanks, of een van de shorts en functies van de grote komieken zoals Keaton, Charlie Chaplin en Harold Lloyd, kunnen zijn?
Ondanks de hoop van filmliefhebbers, denk ik niet dat The Artist een uitbarsting van copycat-stille functies zal inspireren. Maar als het ten minste sommige kijkers overtuigt dat stiltes niets zijn om bang voor te zijn, en mogelijk zelfs iets om van te genieten, zal het de moeite waard zijn geweest.
