Waar gaat het over kleine, eigenzinnige musea die ze zo aantrekkelijk maken? Misschien is het omdat ze terug te voeren zijn tot de oudheid, toen de Grieks-Romeinse tempels zowel wonderlijke kunstwerken als heidense relikwieën zouden tonen - de speer van Achilles, Helen van Troy's sandaal of "reuzenbotten" (meestal versteende mammoetresten). Middeleeuwse kathedralen volgens de traditie: schildpaddenschelpen of "griffin's eieren" (eigenlijk die van struisvogels) kunnen naast de relieken van heiligen worden geplaatst. In de Renaissance begonnen Italiaanse vorsten kabinetten van curiosa te assembleren, eclectische displays die elke creatie van mens of natuur konden omvatten: Egyptische mummies, parels, klassieke sculpturen, insecten, gigantische zeeschelpen of "eenhoornhoorns" (meestal van narwallen). De Italiaanse verzamelmanie verspreidde zich, zodat er tegen het einde van de 18e eeuw duizenden particuliere galerijen waren in welgestelde huizen in heel Europa. Tijdens hun grote rondreizen door het continent konden reizigers van de ene prachtige woonkamer naar de andere reizen en prachtige en mystificerende objecten bekijken.
gerelateerde inhoud
- Tony Perrottet op "Small Wonders"
Tegen het midden van de 19e eeuw waren door de staat gefinancierde instellingen zoals het Louvre, het British Museum en het Prado van Madrid begonnen met het verwerven van deze privécollecties, waarvan vele waren geërfd door familieleden die noch de financiën, noch het enthousiasme hadden om ze te onderhouden. Ondanks het financiële voordeel van grote musea hebben kleine, esoterische musea het echter volgehouden. In feite zit Europa er nog steeds vol mee, en ze wekken een toewijding op die hun grotere collega's vaak niet doen.
Veel van deze kleine collecties zijn nog steeds ondergebracht in de oorspronkelijke huizen van hun eigenaren en weerspiegelen hun persoonlijkheden. Een aantal van hen heeft collecties die in grotere musea hoog in het vaandel staan, maar de huiselijke omgevingen laten een gevoel van intimiteit toe dat moeilijk te vinden is in grote galerijen. En ondanks hun eigenaardigheden, bieden deze huismusea vaak een zeldzame toegang tot de geschiedenis en het karakter van een stad. Hier zijn vier favorieten:
Londen
Sir John Soane's Museum
Het was een vochtige Londense avond toen ik het grote, groene plein van Lincoln's Inn Fields overstak naar een smaakvolle rij dungekleurde Georgische herenhuizen. Bij nadere inspectie kondigde de gevel van nr. 13 aan dat dit geen gewoon huis was: met mortel in de Italiaanse loggia, of veranda, van romige portlandsteen waren vier gotische sokkels, terwijl een paar replica's van oude Griekse kariatiden erboven waren gemonteerd. Maar deze bloeit slechts een hint naar de prachtige wereld die zich bevindt in het voormalige huis van Sir John Soane (1753-1837), een van de meest vooraanstaande architecten van Groot-Brittannië - en ijverige verzamelaars. Soane veranderde niet alleen zijn huis in een weelderig privémuseum, hij voorzag dat er niets kon worden veranderd na zijn dood. Als gevolg hiervan is het Sir John Soane's Museum misschien wel de meest excentrieke bestemming in een stad die bruist van excentrieke attracties. Als je het bezoekt, heb je het gevoel dat Soane zelf elk moment kan binnenkomen om de klassiekers over een brandewijn te bespreken. Om de intimiteit van de ervaring te behouden, zijn slechts 50 bezoekers tegelijk toegestaan. En de evocatie van een verleden tijd is nog intenser als je bezoekt - zoals ik deed - op de eerste dinsdagavond van de maand, wanneer het museum bijna volledig wordt verlicht door kaarsen.
Toen ik aanbelde, ging de imposante houten deur open om een heer met grijs haar te onthullen die misschien de butler van Soane was. Terwijl ik het gastenboek tekende, ruziede een bediende over mijn jas en paraplu en bewaarde ze voor bewaring. Ik werd toen naar een Pompeiaanse rode salon gebracht.
"Ik hoop dat je geniet van het huis, " fluisterde de bediende.
Op elke tafel en mantel brandden kaarsen in glazen cilinders. Terwijl ik voorzichtig door een gang liep, pasten mijn ogen zich aan het licht aan en begon ik arrangementen te maken van artefacten en meubels die in 170 jaar nauwelijks zijn veranderd. Het huis is een ingewikkeld ontworpen labyrint, vol met kunst: klassieke bustes, fragmenten van kolommen en Griekse friezen, Chinese vazen en beelden van Griekse en Romeinse goden, waaronder een cast van de beroemde Apollo Belvedere . Er is nauwelijks een centimeter muurruimte verspild, en toch is het effect niet claustrofobisch: bogen en koepels stijgen omhoog, bolle spiegels bieden weids uitzicht en balkons geeuwen over binnenplaatsen. Zoals elk fatsoenlijk kabinet van curiosa, bevatten de displays ook zulke eigenaardigheden als een "grote schimmel uit de rotsen van het eiland Sumatra" (zoals Soane het in zijn eigen inventaris uit 1835 beschreef) en een vreemd ogende tak van een asboom. Dit draagt bij aan het gevoel van mysterie, en in overeenstemming met de wensen van Soane, zijn er geen labels op de artefacten, hoewel sommige informatie nu wordt gegeven over handbediende houten "vleermuizen" die discreet op tafels in elke kamer zitten.
"Mensen reageren echt op de avond bij kaarslicht", zegt de directeur van het museum, Tim Knox. In feite zijn bewakers, zoals de bewakers van het museum worden genoemd, tijdens de daglichturen begonnen met het uitdoen van het licht, zegt hij, "om de historische sfeer te verbeteren. Het halflicht laat mensen echt naar de exposities kijken."
Soane was bijna vijf decennia de grootste architect van Groot-Brittannië en zijn talloze opdrachten zijn overal in Londen te vinden - de Dulwich Picture Gallery; het koninklijk ziekenhuis, Chelsea; Pitzhanger Manor-House. (Zelfs de iconische rode telefooncellen van Groot-Brittannië werden geïnspireerd door Soane's ontwerp voor het graf van zijn vrouw in St. Pancras Gardens.) Maar het was in zijn eigen huis - ontworpen om te benadrukken wat Soane de 'fantasievolle effecten die de poëzie van de architectuur vormen' noemde - dat zijn creativiteit kreeg de vrije loop. Van 1792 tot 1824 kocht, sloeg en herbouwde Soane drie herenhuizen langs het plein, beginnend met nr. 12 en verder naar 13 en 14. Aanvankelijk waren ze de thuisbasis van zichzelf, zijn vrouw en hun twee zonen, maar vanaf 1806, toen hij werd benoemd tot hoogleraar architectuur aan de Koninklijke Academie, begon hij ze te gebruiken om zijn architecturale ontwerpen en modellen te tonen. Na verloop van tijd werd zijn groeiende verzameling oudheden belangrijker en met eindeloze inventiviteit herontworpen hij zijn interieurs om de artefacten volledig te laten zien.
Objecten werden zo geplaatst dat elke beurt een ontdekking biedt. Het ene moment sta je voor een prachtig Romeins marmeren beeld van Diana van Efeze. De volgende keer betreed je de Picture Room, bekleed met schilderijen zoals Hogarth's Rake's Progress, een serie van acht afbeeldingen die de achteruitgang van een hedonistische jonge aristocraat in kaart brengen. Zodra je klaar bent met het bewonderen van een reeks Piranesi-tekeningen van Romeinse ruïnes, opent een bewaker een paneel in de muur om een groep schilderijen van Joseph Michael Gandy, de tekenaar van Soane, te onthullen. De grijze tempeler warder, Peter Collins, sport een anjer in zijn revers en een rode zakdoek in zijn bovenste zak. Hij heeft tien jaar in het museum gewerkt en kent zijn publiek. Hij pauzeert voor effect voordat hij nog een paneel opent, dit keer een balkon onthullend dat uitkijkt op de middeleeuwse collectie - de Monk's Par-lour genoemd - gevuld met gotische fragmenten en grijnzende waterspuwers. In een nabijgelegen alkoof staat een bronzen nimf met blote borsten behendig op ooghoogte boven een schaalmodel van Soane's meest indrukwekkende architectonische prestatie, de Bank of England. (De bank, waaraan hij 45 jaar werkte, werd in de jaren 1920 afgebroken als verouderd - een beweging die veel architectuurhistorici als een travestie beschouwen.)
Het hoogtepunt van de collectie is te vinden in de kelder, waar grafkunst rond de albasten sarcofaag van de Egyptische farao Seti I - Soane's trots en vreugde, rond 1824 gekocht voor de som van £ 2.000 (vandaag ongeveer $ 263.000) van de Italiaanse avonturier Giovanni Belzoni . In 1825 organiseerde Soane een reeks 'sarcofaagpartijen' bij kaarslicht om de komst te vieren. De sociale extravaganzas werden bijgewoond door sterren zoals de hertog van Sussex, de bisschop van Londen, dichter Samuel Colidge en landschapschilder JMW Turner. Barbara Hofland, een gast, zou schrijven dat tijdens het evenement figuren tevoorschijn kwamen als spoken uit de "diepe massa's van schaduwen" en kaarsen schenen "als glanzende halo's rond marmeren koppen, " een effect creërend "als in een droom van het elysium van de dichter."
Onder de vele beelden in het museum, is het gemakkelijk om de buste van Soane uit 1829 op de eerste verdieping te missen, geplaatst boven de beeldjes van Michelangelo en Rafaël. Soane, de zoon van een metselaar, stond op van bescheiden afkomst; vanwege zijn vaardigheid in schetsen won hij een beurs om door Europa te reizen, waardoor hij Italië kon bezoeken en een passie voor Grieks-Romeinse kunst kon ontwikkelen. Toen hij stierf op 83-jarige leeftijd, was Soane een van de meest vooraanstaande personen in Groot-Brittannië, een man, zoals Hofland schreef over de gasten van de sarcofaagpartij, schijnbaar "vrijgesteld van het gewone kwaad van het leven, maar wakker voor al zijn genereuze gevoeligheden" ."
Deze gelukkige indruk wordt versterkt door een Gandy-tekening van de familie in 1798: Soane en zijn vrouw, Elizabeth, eten boterhammen terwijl hun twee jonge zonen, John en George, in de buurt rennen. Soane was natuurlijk niet meer immuun voor de grillen van het lot dan de rest van ons. Zijn meest geliefde ambitie was om een "dynastie van architecten" te vinden door zijn zonen, maar John werd in zijn dertiger jaren getroffen door consumptie en George groeide op tot de grote rake, enorme schulden aan het maken en zelfs anonieme aanvallen op de architectuur van zijn vader publiceren . Ook dan was Soane misschien niet de gemakkelijkste vader. "Hij kan een man van grote charme zijn", zegt museumarchivaris Susan Palmer, "maar hij was ook erg gedreven, zeer gevoelig en humeurig, met een echte chip op zijn schouder over zijn slechte afkomst."
Uit angst dat George zijn verzameling zou verkopen wanneer hij stierf, zorgde Soane voor de bestendiging ervan in zijn testament en wist hij in 1833 een handeling van het Parlement veilig te stellen om ervoor te zorgen dat zijn huis een locatie zou blijven, zoals hij schreef, voor "Amateurs en studenten in Schilderen, beeldhouwen en architectuur. " Als gevolg hiervan wordt het Soane-museum tot op de dag van vandaag beheerd door de Soane Foundation, hoewel de Britse regering in de jaren veertig de onderhoudskosten heeft overgenomen om het voor het publiek vrij te houden, zoals het is sinds de dood van Soane in 1837. " Godzijdank kon Mr. Soane niet opschieten met de jonge George, 'merkte een van de bewakers lachend op. "Ik zou werkloos zijn!"
Ik schuifelde naar beneden door het halflicht, pakte mijn jas en paraplu op en liep naar de Ship Tavern, een 16e-eeuwse pub om de hoek. Terwijl ik in een herderspastei groef, herinnerde ik me de woorden van Benjamin Robert Haydon, een andere gast van de sarcofaagpartij: "Het was de beste pret die je je kunt voorstellen om de mensen de Bibliotheek binnen te zien komen na ronddwalen, te midden van graven en kapitelen, en schachten, en neusloze hoofden, met een soort uitdrukking van opgetogen opluchting dat ze zich weer onder de levenden bevinden, en met koffie en cake. '
Parijs
Musée Jacquemart-André
Er zijn tientallen kleine musea verspreid over Parijs, en hun meest toegewijde beschermheren zijn de Parijzenaren zelf. Sommige hebben substantiële collecties, zoals het Musée Carnavalet, dat gespecialiseerd is in de dramatische geschiedenis van de stad en items zoals een buste van Marat, een model van de Bastille en lokken van Marie Antoinette's haar vertoont. Anderen zijn de voormalige residenties van gewijde Franse kunstenaars en schrijvers - het atelier van Delacroix, het appartement van Victor Hugo en het aantrekkelijke 'Maison Balzac', waarvan de meest illustere tentoonstelling de monogram koffiepot van de auteur is.
Maar niemand wekt zoveel loyaliteit op als de Jacquemart-André.
Als Sir John Soane's Museum de excentrieke genie van Londen destilleert, is het Musée Jacquemart-André het hoogtepunt van le bon goût, goede smaak. Meer een herenhuismuseum dan een huismuseum, het was toch de thuisbasis voor kenners Édouard André en zijn vrouw, Nélie Jacquemart, een fabelachtig rijk koppel dat in de jaren 1880 en '90 hun eigen onafhankelijke wereld van kunst en schoonheid bouwde op de Boulevard Haussmann - een trendy laan op de rechteroever, niet ver van de Champs-Élysées - vol met meesterwerken die tot vandaag de dag ongetwijfeld door Louvre-curatoren worden begeerd.
Op het eerste gezicht kan het museum niet meer verschillen van dat van Soane. Het barst van de kleur en straalt een weelderig gevoel van ruimte uit. Maar niet minder dan Soane, het trekt bezoekers terug naar een ander tijdperk - in dit geval, het Parijs van La Belle Époque, toen de stad bloeide als Europa's hoofdstad van elegantie, en naar de zelfs eerdere gouden eeuw van Louis XV en Louis XVI.
Zodra een stap van de oude oprijlaan naar een formele binnenplaats gaat, verdwijnt het geluid van het Parijse verkeer. Oplopende brede stenen trappen gesierd door gebeeldhouwde leeuwen, voelt men een blos van voorrecht, als een gast die is uitgenodigd voor een privé-soirée. Binnenin wordt een driekwart lang portret ontmoet van de meester zelf, Édouard André - een onstuimige figuur in het uniform van de keizerlijke wacht onder keizer Napoleon III, compleet met goudbrokaat en dieprode rijbroek. Een gemanicuurde gardienne leidt gasten naar de Picture Gallery, waar de verleiding doorgaat. André had een passie voor de 18e-eeuwse Franse kunst, gevoed door zijn heimwee naar pre-revolutionaire dagen, en de eerste verdieping is eraan gewijd. Op vergulde doeken zweven wulpse godinnen naakt op wolken en kinderen met rozige wangen poseren met vogels en kittens. Een bezoeker zweeft van de vergulde Grand Salon naar de stijgende muziekkamer, waar formeel geklede gasten ooit bijeenkwamen voor concerten, daarna naar de met glazen dak overdekte wintertuin, gevuld met exotische planten en glimmend marmer, waar een extravagante dubbele trap omhoog loopt naar de tweede verdieping.
En zo ontvouwt het huis zich en biedt het de ene schitterende galerij na de andere aan. De bibliotheek, waar Édouard en Nélie kunstcatalogi bestudeerden en hun aankopen in kaart brachten, is de thuisbasis van hun scala aan Nederlandse schilderijen van wereldklasse, waaronder drie Rembrandts en drie Van Dycks. Japanse keramiek en Perzische oudheden verlevendigen de rookkamer, waar Édouard zich na het diner zou terugtrekken met zijn mannelijke metgezellen om sigaren te roken en de kwesties van de dag te bespreken, terwijl de Tapestry Room, gebruikt voor zakelijke bijeenkomsten, is bekleed met scènes van het Russische boerenleven gecreëerd door de Beauvais Tapestry-fabriek in 1767. Terwijl men naar de tweede verdieping klimt, toont een speels Tiepolo-fresco op de trapmuur de aankomst van Henry III in Venetië. Het bovenste niveau is gewijd aan het 'Italiaanse museum' van het stel - een kamer voor renaissancistische beeldhouwkunst, een tweede voor Florentijnse kunst, inclusief twee schilderijen van Botticelli, en een derde kamer voor André's geliefde collectie van de kunst van Venetië.
Het herenhuis, ontworpen voor André door architect Henri Parent, werd voltooid in 1875, toen de Boulevard Haussmann een van de chique nieuwe adressen van Parijs was en André een van de meest in aanmerking komende vrijgezellen van de stad was. Als erfgenaam van een enorm bankfortuin, was hij teleurgesteld in het openbare leven en besloot hij zich te wijden aan het verzamelen van kunst en het publiceren van een tijdschrift voor schone kunsten. In 1881, toen hij bijna 50 was, trouwde hij met Nélie Jacquemart, de vrouw die zijn portret negen jaar eerder had geschilderd. In veel opzichten was ze een onwaarschijnlijke match voor deze aristocratische boulevardier. Bijna 40 zelf, Jacquemart was geen high-society schoonheid. Ze was een onafhankelijke vrouw met een bescheiden achtergrond - kennelijk onwettig - die zichzelf had gesteund als portretkunstenaar, in die tijd een vrij ongewone prestatie voor een vrouw.
Het was een huwelijk op basis van gedeelde smaak. Tijdens hun 13 jaar samen reisde het paar een deel van elk jaar, meestal naar Italië, waar ze veilingen bijwoonden met de hulp van experts uit het Louvre, die gemotiveerd waren om kunst voor Frankrijk te winnen. Nadat Édouard stierf in 1894, op 61-jarige leeftijd, bleef Nélie de wereld rondreizen, tot Birma voor haar aankopen. Bij haar overlijden op 71 in 1912 schonk ze het huis aan het Institut de France (een academische organisatie die stichtingen en musea beheert) op voorwaarde dat de collectie intact blijft, zodat het Franse publiek kon zien, zei ze in haar testament, "waar een paar amateur-kunstliefhebbers een leven leefden van plezier en luxe."
Het is inderdaad een groot genoegen om de schilderijen en sculpturen van het paar te zien vermengen met hun kunstvoorwerpen en mooie meubels in een huiselijke omgeving. Na een tijdje kan zelfs de beste smaak echter een beetje aanmatigend zijn. Bezoekers kunnen niet anders dan op gedempte toon spreken om het uitstekende evenwicht niet te verstoren.
Maar het landhuis barst van het uitbundige leven in de eetkamer - het voormalige hart van het oorspronkelijke landhuis - dat is omgebouwd tot een van de meest luxueuze café-restaurants van Parijs. In deze luchtige kamer, waar het paar vrienden vermaakt onder weelderige wandtapijten, kan men nu genieten van een salade niçoise en een glas sauvignon blanc. Er is een vreemd gevoel hier te worden bekeken, en niet alleen door collega-diners: het plafond is een prachtige grap, een andere Tiepolo-fresco - deze toont een menigte Venetiaanse edelen die over een balustrade leunen, wijzend en glimlachend naar de diners beneden.
Op de schoorsteenmantel staat een borstbeeld van Nélie Jacquemart. Ze pasten vaak niet in de modieuze set van de stad - later in het leven trok ze zich terug in haar landelijke kasteel, Chaalis, vandaag een ander groot huismuseum, 30 mijl buiten de stad - maar ze was zeker trots op haar collectie, en één stelt zich voor dat ze nog steeds koestert in het plezier dat het creëert.
Madrid
Museo Sorolla
Madrid is een stad met extravagante gevels waarvan de echte attracties achter gesloten deuren liggen. Verborgen achter een stenen muur in de voormalige arbeiderswijk van Chamberí, op tien minuten met de taxi van de drukte van de Plaza Mayor in het centrum van Madrid, ligt het zonovergoten Museo Sorolla. Het voormalige huis- en kunstatelier van een van de meest geliefde schilders van Spanje, Joaquín Sorolla y Bastida, is een sappige tuin met rinkelende fonteinen en uitbundige bloemen, een explosie van mediterrane kleur en joie de vivre .
Van 1911 tot 1923 was dit huis in Andalusische stijl de residentie van een van 's werelds bekendste kunstenaars. Sorolla werd in 1863 geboren in een bescheiden familie in Valencia, maar bleef op afstand van de avant-gardistische bewegingen van Europa, maar verwierf internationale faam voor zijn subtiele techniek, die het spel van zonneschijn opriep in zijn scènes van mediterrane stranden en beelden van het Spaanse dagelijkse leven.
Het binnenstappen in de verleidelijke grenzen van het complex, waar Sorolla met zijn vrouw en drie kinderen woonde, is als het betreden van een van de lichtgevende schilderijen van de kunstenaar. Met zijn Moorse bloeit, rustige poelen en altijd aanwezig geluid van stromend water, was de tuin de plek waar hij het meest van schilderde. Toen ik er was, was Sorolla's privé-Arcadia gevuld met serieuze kunststudenten die experimenteerden met aquarellen in schaduwrijke hoeken. Betegelde trappen leiden naar het huis, waarvan de eerste kamers zijn werken tonen, net als 80 jaar geleden voor potentiële kopers. De woonruimtes van het huis bevatten het originele Art Nouveau-meubilair van de familie en Tiffany-lampen. Maar de emotionele kern van het huis is het atelier van Sorolla, een grote gewelfde kamer die rozerood is geverfd en vol zon. Sorolla's ezels staan klaar, alsof hij net is vertrokken voor een siësta; zijn paletten, penselen en half gebruikte verfbuizen zijn dichtbij. Een klein Turks bed beslaat een hoek van de kamer en een boek met 16e-eeuwse liedjes staat open op een standaard. Een tekening Sorolla gemaakt van Velázquez's beroemde portret van paus Innocentius X is de overhand.
Sorolla verhuisde naar het huis, dat hij in 1911 op het hoogtepunt van zijn carrière had gebouwd. Tegen die tijd had hij zijn werk tentoongesteld van Londen tot St. Louis, Missouri, was overladen met internationale prijzen, bevriende intellectuelen en kunstenaars, waaronder John Singer Sargent, schilderden het portret van de Spaanse koning Alfonso XIII en de Amerikaanse president William Howard Taft en, onder de beschermheilige van spoorweg-fortuin erfgenaam Archer Huntington, had de opdracht gekregen om een enorme muurschildering te schilderen in de Spaanse Vereniging van Amerika in New York City.
Na zijn dood op 60 in 1923, leed Sorolla's internationale reputatie, overschaduwd door het werk van post-impressionisten zoals Cézanne en Gauguin. Net als bij zijn vriend Sargent, besloten veel critici dat Sorolla te conservatief en commercieel was. Maar in Madrid is Sorolla's artistieke status nooit opgeschud en sinds de opening door zijn weduwe en zoon in 1931 geniet het Museo Sorolla, dat ook de meest uitgebreide collectie van zijn werken ter wereld herbergt, een gestage stroom pelgrims. Tegenwoordig wordt hun geloof gerechtvaardigd; Sorolla wordt opnieuw geëvalueerd door critici, die hem plaatsen als een brug tussen Spaanse oude meesters zoals Velázquez en Goya en de post-impressionisten. In 2006 organiseerde het prestigieuze Thyssen-Bornemisza Museum in Madrid 'Sargent / Sorolla', een tentoonstelling over de parallelle loopbanen van het paar.
In het Museo Sorolla, zoals in alle huismusea, dringt een akkoord van melancholie binnen: de kunstenaar, zo leren we, schilderde een portret in zijn geliefde tuin in 1920 toen hij op 57-jarige leeftijd een beroerte kreeg. Hoewel hij nog drie jaar leefde, produceerde hij weinig nieuw werk. Maar dergelijke sombere meditaties passen niet bij het huis, of de sensuele geest van het moderne Madrid. De beste oplossing - zoals Sorolla zelf waarschijnlijk zou zijn overeengekomen - is naar een nabijgelegen café te gaan om een glas vino blanco te drinken en zich te koesteren in de Spaanse zon.
Praag
The Black Madonna House: The Museum of Czech Cubism
Ongeschonden door twee wereldoorlogen, voelt het hart van Praag als een fantasie van het oude Europa. Gotische torens omlijsten Art Nouveau-cafés, en op de middeleeuwse astronomische klok, naast het kindertehuis van Franz Kafka op het Oude Stadsplein, trekt een standbeeld van de dood nog steeds aan het klokkoord om het uur te slaan. Maar als je een barokke straat afslaat genaamd Celetna, confronteer je een heel ander aspect van de stad - het grimmige en verrassende Black Madonna House, een van 's werelds eerste kubistische gebouwen en de thuisbasis van het Museum van Tsjechisch Kubisme. Ontworpen door de Praagse architect Josef Gocar, was het huis schokkend modern, zelfs revolutionair, toen het in 1912 als warenhuis werd geopend - en dat lijkt het vandaag nog steeds te zijn. De algehele vorm is passend doosvormig en voorspelbaar sober, maar bij nadere inspectie wordt de gevel verbroken door het inventieve gebruik van hoeken en vlakken. Grote erkers steken uit als kwartskristallen en hoekige versieringen werpen subtiele schaduwen. Het interieur is niet minder ongebruikelijk, met het eerste gebruik van de stad van gewapend beton waardoor royale open ruimtes kunnen worden gebouwd. De eigenaardige naam van het huis komt van het 17e-eeuwse beeld van de Zwarte Madonna en het kind dat is gered uit een eerdere structuur op de site en nu neergestreken als een boegbeeld op een hoek van het gebouw.
Maar zelfs de Madonna kon het huis niet beschermen tegen de grillen van de Tsjechische geschiedenis. Na de Tweede Wereldoorlog en de opkomst van de communisten werd het warenhuis geleidelijk gestript en opgedeeld in kantoorruimte. Nadat de Fluwelen revolutie van 1989 een einde maakte aan de communistische heerschappij, had het gebouw een kort leven als cultureel centrum, maar het was pas in 2003 dat het zijn logische rol vond in het weefsel van Praag - als een heiligdom voor de glorie van het Tsjechische kubisme.
De meesten van ons beschouwen het kubisme als een esoterische avant-gardistische beweging die door Parijse kunstenaars Pablo Picasso, Georges Braque en anderen werd bevorderd in de jaren vóór de Eerste Wereldoorlog. Maar de beweging stroomde door Europa en werd ook omarmd in Russische en Oost-Europese hoofdsteden— nergens enthousiaster dan in Praag, waar het kubisme werd aangegrepen, al was het maar voor een gloeiend moment, als een mogelijke sleutel tot de toekomst.
"In Parijs had het kubisme alleen invloed op de schilderkunst en de beeldhouwkunst", zegt Tomas Vlcek, directeur van de collectie moderne en hedendaagse kunst in de National Gallery van het land, die toezicht houdt op het Museum van het Tsjechische kubisme. "Alleen in Praag was het kubisme aangepast aan alle andere takken van de beeldende kunst - meubels, keramiek, architectuur, grafisch ontwerp, fotografie. Het kubisme in Praag was dus een groots experiment, een zoektocht naar een allesomvattende moderne stijl die onderscheidend kon zijn Tsjechisch."
De coterie van Tsjechische kubisten - voornamelijk Gocar, Otto Gutfreund en Bohumil Kubista - kwam voor het eerst samen in 1911, richtte een tijdschrift op met de naam Artistic Monthly en organiseerde hun eigen tentoonstellingen in de jaren vóór de Eerste Wereldoorlog. Het was een tijd van intens optimisme en energie in Praag. Deze kleine Oost-Europese metropool, een van de rijkste in het Oostenrijks-Hongaarse rijk, gebruikte zijn levendige Tsjechische, Duitse en Joodse tradities voor een creatieve explosie. Expat-artiesten keerden terug uit Parijs en Wenen om radicale nieuwe ideeën in de salons te delen; Kafka krabbelde zijn eerste nachtmerrieachtige verhalen; Albert Einstein gaf als professor les in de stad. "Het was zoiets als het paradijs", zegt Vlcek, weemoedig kijkend.
Tegenwoordig is het Museum van het Tsjechische kubisme een heiligdom voor de hoogtijdagen van de beweging (1910-19), met het gebouw zelf als de belangrijkste tentoonstelling. De ingang is een hoekige studie in smeedijzer. Binnen gaat men meteen een trap van kubistisch ontwerp op. In tegenstelling tot de trappen in Marcel Duchamp's Naakt die een trap afdaalt, zijn de stappen gelukkig gelijkmatig, maar de metalen balustrade is een complex samenspel van geometrische vormen. Er zijn drie verdiepingen met kubistische exposities, gevuld met kunstvormen die uniek zijn voor Praag. Elegante banken, kaptafels en ligstoelen delen allemaal dramatisch schuine lijnen. Er zijn abstracte sculpturen en schilderijen, gewaagde, zigzaggende afbeeldingen en cockeyed vazen, spiegels en fruitbekers.
Hoewel dit misschien niet strikt een huismuseum is, heeft het toch een huiselijk gevoel. De vele zwart-witte portretten van obscure kunstenaars in bolhoeden en strikjes onthullen een bloeiende, Boheemse cast van personages: een bank, zo leren we, was "ontworpen voor de acteur Otto Boleska", een andere voor "professor pater Zaviska. " Wat klinkt als een Woody Allen-parodie op culturele zelfabsorptie, vangt het eigenzinnige karakter van Praag zelf, een stad die trots is op zijn meest mysterieuze geschiedenis. En net als alle kleine musea die in contact staan met hun oorsprong, hebben unieke functies spoken tot leven gebracht. Bezoekers kunnen zich nu terugtrekken in het oorspronkelijke kubistische eetcafé van het gebouw, het Grand Café Orient, ontworpen door Gocar in 1912. Deze ooit populaire hangout voor kunstenaars werd gesloten in de jaren 1920 en werd tijdens het communistische tijdperk gestript, maar nauwgezette onderzoekers gebruikten de enkele overgebleven plannen en foto's om het opnieuw te maken. Nu, na een onderbreking van acht decennia, kan een nieuwe generatie bohemiens zich vestigen onder kubistische kroonluchters in kubistische stoelen (niet zo ongemakkelijk als ze klinken) om politiek te argumenteren over een pint ongepasteuriseerde Pilsener. Ten slotte heeft de museumwinkel op de begane grond een reeks kubistische koffiekopjes, vazen en theesets gemaakt van de originele ontwerpen van architect en kunstenaar Pavel Janak, en biedt reproducties van kubistische meubels van Gocar en anderen.
Na een middag ondergedompeld in al die hoeken, begon ik subtiele kubistische sporen op te merken in de architecturale hoorn des overvloeds van de straten van Praag - bijvoorbeeld in de deuropening van een voormalig hoofdkwartier van een vakbond en op een elegante boog die een barok sculptuur naast een kerk omlijstte . Geïnspireerd, besloot ik een kubistische lantaarnpaal op te sporen waarover ik had gehoord, ontworpen in 1913 door één Emil Kralicek. Het kostte een beetje worstelen met Tsjechische straatnamen, maar ik vond het eindelijk in een steegje in de nieuwe stad: het leek op een stapel kristallen.
Ik kon me voorstellen dat Sir John Soane - getransporteerd naar het moderne Praag - in onbeschaamde bewondering voor hem bleef staan.
Het nieuwste boek van Tony Perrottet, Napoleon's Privates, een verzameling excentrieke verhalen uit de geschiedenis, is deze maand verkrijgbaar bij HarperCollins.
